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Klassischer Maya-Sturz - 3D-Ansicht

Klassischer Maya-Sturz - 3D-Ansicht

3D-Bild

Im British Museum gescannt. Plakette liest:

„Auf dem zweiten Türsturz von Struktur 23 in Yaxchilan beschwört die Opfergabe von Blut eine visionäre Manifestation von Yat-Balam herauf, dem Gründungsvorfahren der Dynastie von Yaxchilan. In der Gestalt eines Kriegers, der einen Speer und einen Schild greift, taucht dieser Ahnengeist aus den klaffenden Vorderkiefern einer riesigen doppelköpfigen Schlange auf, die sich über Lady Xoc aufrichtet. Sie blickt nach oben zu der Erscheinung, die sie hervorgebracht hat. In ihrer linken Hand trägt sie eine Aderlassschale mit Opferinstrumenten, einen Stachelrochenstachel und eine Obsidianlanzette.“

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Klassischer Maya-Sturz - 3D-Ansicht - Geschichte

Die Maya sind ein wahrhaft altes Volk. Obwohl es ohne absolute schriftliche Beweise schwierig sein kann, genau zu bestimmen, wann eine Kultur begann und endete, glauben die meisten Historiker, dass Maya-Siedlungen bis in die Zeit um 1800 v CE. Ein ausgedehntes Netz von Städten, verbunden durch Straßen, von denen viele noch heute sichtbar sind, zeugen von der Komplexität der Kultur und ihrer sozialen und politischen Struktur. Zusammen mit einigen der Fähigkeiten, die der moderne Mensch wie seine mathematischen Fähigkeiten und Kalender feiert, wird die Kultur und Kunstfertigkeit bewahrt, indem man seine unverwechselbare Schönheit erkennt.


Animation in der antiken Stadt Yaxchila

Die Künstler, die die beiden oben gezeigten Yaxchilan-Stürze geschnitzt haben, haben das Konzept der Animation in ihre Kunstwerke integriert. Der Trick besteht darin, die beiden Stürze zu vergleichen, um zu sehen, was sich in ihrer Bildsprache unterscheidet. Dabei wird deutlich, dass das Fehlen wichtig ist, um ihren visuellen Inhalt zu verstehen. Maya-Künstler verwendeten höchstwahrscheinlich Vorlagen, die sie ändern konnten, um die Animationen zu erstellen.

Auf diesem Bild wird Lady Chak Chami gezeigt, wie sie eine niedrige Schüssel mit blutvergießenden Utensilien anhebt, indem sie ihre Handfläche in Richtung ihres Mannes oder ihrer Gemahlin Bird Jaguar IV ausstreckt, während beide die blutvergießenden Klingen bewegen, die sie in ihrer rechten bzw. linken Hand halten. Darüber hinaus taucht ein Ahnenkopf oder möglicherweise ihr zukünftiger Sohn, Schild-Jaguar IV, aus dem weit geöffneten Rachen einer skelettartigen Schlange / Tausendfüßlerbestie auf, die durch den Aderlass-Ritus ins Leben gerufen wurde, und hebt seine hohlen Hände zu Lady Chak Chami.

Der Schlüssel zum Verständnis der Maya-Animation besteht darin, die Details zu vergleichen. Die Animation wurde aus Chinchilla Mazariegos extrahiert und angepasst. (Jenny und Alex John / Die Maya-Götter der Zeit )


Haupteingang, Westfassade

Der Haupteingang des Supreme Court Building befindet sich im Westen mit Blick auf das US-Kapitol. Sechzehn korinthische Marmorsäulen tragen den Giebel. Entlang des Architravs (dem Formteil direkt über den Säulen) sind die eingravierten Worte „Gleiche Gerechtigkeit unter Gesetz“. John Donnelly, Jr. hat die Eingangstüren aus Bronze gegossen.

Skulptur ist Teil des Gesamtdesigns. Auf beiden Seiten der Haupttreppe des Gebäudes des Obersten Gerichtshofs sitzen Marmorfiguren. Diese großen Statuen sind das Werk des Bildhauers James Earle Fraser. Der klassische Giebel ist auch eine Gelegenheit für symbolische Statuen.


Aktuelle Probleme

Im Laufe der Jahrhunderte wurde das Taj Mahal vernachlässigt und verfallen. Anfang des 20. Jahrhunderts wurde unter der Leitung von Lord Curzon, dem damaligen britischen Vizekönig von Indien, eine umfassende Restaurierung durchgeführt. In jüngerer Zeit hat die Luftverschmutzung durch Emissionen von Gießereien und anderen nahe gelegenen Fabriken sowie Abgase von Kraftfahrzeugen das Mausoleum, insbesondere seine Marmorfassade, beschädigt. Es wurden eine Reihe von Maßnahmen ergriffen, um die Bedrohung des Denkmals zu verringern, darunter die Schließung einiger Gießereien und die Installation von Geräten zur Schadstoffbegrenzung, die Schaffung einer Parklandschaft um den Komplex und das Verbot von in der Nähe befindlichen Fahrzeugen der Verkehr. 1998 wurde ein Restaurierungs- und Forschungsprogramm für das Taj Mahal eingeleitet. Die Fortschritte bei der Verbesserung der Umweltbedingungen rund um das Denkmal waren jedoch langsam.

Von Zeit zu Zeit war das Taj Mahal der politischen Dynamik Indiens ausgesetzt. Zwischen 1984 und 2004 war dort Nachtbesichtigungen verboten, weil befürchtet wurde, dass das Denkmal ein Ziel von militanten Sikhs sein könnte. Darüber hinaus gilt es zunehmend als indisches Kultursymbol. Einige hinduistische nationalistische Gruppen haben versucht, die Bedeutung des muslimischen Einflusses bei der Erklärung der Ursprünge und des Designs des Taj Mahal zu verringern.

Die Herausgeber der Encyclopaedia Britannica Dieser Artikel wurde zuletzt von Adam Augustyn, Managing Editor, Reference Content, überarbeitet und aktualisiert.


Klassischer Maya-Sturz - 3D-Ansicht - Geschichte

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    Ein schönes und hervorragendes Paar Maya-Steindolche. Beidseitig geschnitten mit dünnen Griffen mit geriffelten scharfen Klingen. Jeder aus verschiedenfarbigem Hornstein. Klingen sind sehr symmetrisch und in erlesenem Zustand. Belize-Region 200 v. Chr. - 500 n. Chr.. Misst 9"/22,86 cm und 7"/17,78 cm. Jeder auf kundenspezifischem Stand.

    Diese Scheiben stammen von den Opfergaben, die in El Castillo in Chichen Itza auf Yucatan gefunden wurden.

    Eine anthropomorphe Schildkrötenkeramik aus der späten Postklassik der Maya

    Ein Keramikkrug aus der Maya-Spätpostklassik

    Stuckköpfe der Begräbnisgruft. Von Pakal der Großen Totengruft.

    Stuckköpfe der Begräbnisgruft. Von Pakal der Großen Totengruft.

    Nationalmuseum für Archäologie und Ethnologie in Guatemala-Stadt.

    Ich war schon oft in diesem Raum, aber es scheint, dass einige Auffrischungen vorgenommen wurden. Außerdem scheint diese neue Kamera die Farben und Details viel besser einzufangen.

    Ich habe das Museo Nacional de Antropología in Mexiko-Stadt besucht. Chac-Mool bedeutet Rote Klaue und ist ein Maya-Artefakt aus den Ruinen von Chichen Itza in Yucatan. Chac-Mool ist ein Bote zwischen Mensch und Göttern. Er wurde beauftragt, den Göttern Opfergaben zu bringen, die in seine Bauchhöhle gelegt wurden.

    Früher gab es auf der LACMA eine Azteken-Ausstellung, aber anscheinend war es nur für kurze Zeit. Dennoch gab es einige Ähnlichkeiten zwischen den Azteken und den Mayas. Ihr Schmuck, ihre Artefakte, Vasen, ihr Kodex und sogar ihre Vorliebe für Menschenopfer waren ähnlich. Die Mayas blieben auf der Halbinsel Yucatan in der Nähe des Golfs von Mexiko, während die Azteken im Zentrum blieben und ihre antike Stadt schließlich zum modernen Mexiko-Stadt wurde.

    Dieses Artefakt stellt das Maya-Ritual des Wangenpiercings dar, bei dem drei Personen die Wangen durchbohrt und ein kleiner Stab hindurchgesteckt wird. Die Beschreibung sagte nicht, ob dies für Gefangene (die normalerweise sowieso geopfert werden) oder einen religiösen Brauch war.

    Meine Übersetzung des Schildes lautet:

    "Dieses prächtige Stück zeigt eine ältere Person, die aus einer Blume Jaina au auftaucht

    Ich bin mir sicher, dass auf dem Schild sehr deutlich "Blumen" steht und ich bin mir ziemlich sicher, dass dies das Schild ist, das zu diesem Bild passt. aber das sieht für mich sicher nach einer Muschel aus, nicht nach einer Blume.

    Herzförmige Knochenmaske mit hervorragender Patina auf Vorder- und Rückseite. Die Vorderseite hat Sgraffitolinien, die zu einer grauen Oberfläche durchgeschnitten sind. Kopfschmuck im Schachbrettmuster. Schwarzes Augenband und Nase mit rechteckigen Schlitzen für die Augen. Im Mund geschlitzt, zwei Chevron-Markierungen am Kinn. Gebohrt für Aufhängung. Knochen wahrscheinlich vom Schädel.

    Ohne Restaurierung aus vier Teilen zusammengesetzt. Reiche dunkle Patina. Geschätzt vor 35 Jahren (1982) von Lowell Collins (The Lowell Collins Gallery, Houston, Texas). 300 v. -300 n. Chr. Mexiko. Misst 2,75"/6,98 cm.

    Meine grobe Übersetzung des Zeichens lautet:

    "Dies ist mit einer symbolischen Szene mit zwei Personen von fantastischem Aussehen geschmückt. Die Hauptfigur und von größerer Größe stellt eine Skelettfigur dar. deren Wirbelsäule übertrieben geschnitzt ist. Mit Ausnahme des Kopfes, der Füße und der Hände ist der gesamte Rest des Körpers ohne Fleisch dargestellt. Der Kopf trägt eine teilweise Jaguarmaske. Auf der Innenseite des Brustkorbs befindet sich ein dickes Band, das sich senkrecht zur anderen Person erstreckt. Die kleinere Figur unterliegt dem Extrem des Bandes oben links am Denkmal und erweckt den Eindruck von Schweben oder Erhabenheit. Die Szene wurde beschrieben als "eine Figur, die aus der Nabelschnur des Skelettgottes des Todes aufsteigt".

    Meine Übersetzung des Schildes lautet:

    "Dieses prächtige Stück zeigt eine ältere Person, die aus einer Blume Jaina au auftaucht

    Ich bin mir sicher, dass auf dem Schild sehr deutlich "Blumen" steht und ich bin mir ziemlich sicher, dass dies das Schild ist, das zu diesem Bild passt. aber das sieht für mich sicher nach einer Muschel aus, nicht nach einer Blume.

    Meine grobe Übersetzung dieses Zeichens lautet:

    "Auf dieser Scheibe erscheint die Figur eines Ballspielers, der mit dem Ball auf dem großen Spielfeld einen Punkt erzielt."

    Das Hirschtanz-Ritual symbolisierte die wichtige Beziehung zwischen dem Menschen und dem Gleichgewicht der Natur. Diese Darstellung zeigt einen Priester oder Medizinmann (culandero), der einen Teilnehmer (un iluminador) für den üblichen Tanz vorbereitet. In diesem Duett fängt Jainas Bildhauerin wunderschöne Details ein. Die kleine Statur dieses Adligen zieht sofort seine detailreiche obere Extremität an. Die Merkmale und Details der schrägen Augen, der Hakennase und des zurückweichenden Haaransatzes mit seinem absichtlich deformierten Schädel ließen die Stirn scheinen, sich zu verbinden und der gleichen Linie zu folgen wie seine Nase (schräge tafelförmige Deformation). Das Haar wurde zurückgezogen und zu einer traditionellen, verdrehten Frisur mit Schlangenkopf-Endstücken auf beiden Seiten verarbeitet. Trägt den üblichen Ohr-, Kragen- und Schulterschmuck. Das Wangengesicht der Tänzerin mit gesenkten Augen wird mit einem aufwendigen Kostüm Liebeskopf als Kopfschmuck versehen. Spuren von Maya-Blaupigment sind noch sichtbar. Er trägt auch eine prächtige Halskette und größere Ohrenklappen. Ein paar Chips und wieder angebrachte Stücke. Ansonsten in Top Zustand.

    Das Hirschtanz-Ritual symbolisierte die wichtige Beziehung zwischen dem Menschen und dem Gleichgewicht der Natur. Diese Darstellung zeigt einen Priester oder Medizinmann (culandero), der einen Teilnehmer (un iluminador) für den üblichen Tanz vorbereitet. In diesem Duett fängt Jainas Bildhauerin wunderschöne Details ein. Die kleine Statur dieses Adligen zieht sofort seine detailreiche obere Extremität an. Die Merkmale und Details der schrägen Augen, der Hakennase und des zurückweichenden Haaransatzes mit seinem absichtlich deformierten Schädel ließen die Stirn scheinen, sich zu verbinden und der gleichen Linie zu folgen wie seine Nase (schräge tafelförmige Deformation). Das Haar wurde zurückgezogen und zu einer traditionellen, verdrehten Frisur mit Schlangenkopf-Endstücken auf beiden Seiten verarbeitet. Trägt den üblichen Ohr-, Kragen- und Schulterschmuck. Das Wangengesicht der Tänzerin mit gesenkten Augen wird mit einem aufwendigen Kostüm Liebeskopf als Kopfschmuck versehen. Spuren von Maya-Blaupigment sind noch sichtbar. Er trägt auch eine prächtige Halskette und größere Ohrenklappen. Ein paar Chips und wieder angebrachte Stücke. Ansonsten in Top Zustand.

    "Obwohl wenig über das Maya-Konzept der Form der Erde bekannt ist, scheint es, dass sie mit den Azteken den Glauben zerrissen haben, dass es sich um den Rücken eines riesigen krokodilähnlichen Reptils handelte und dass es ein Objekt der Anbetung war."


    Renaissance-Architektur in Rom

    Rom, die zweite Hauptstadt der Renaissance nach Florenz, war in dieser Zeit eines der wichtigsten architektonischen und kulturellen Zentren.

    Lernziele

    Identifizieren Sie Merkmale und die wichtigsten Beispiele der römischen Renaissance-Architektur

    Die zentralen Thesen

    Wichtige Punkte

    • Die Architekten der römischen Renaissance leiteten ihre Hauptentwürfe und Inspirationen von römischen und griechischen klassischen Modellen ab.
    • Donato Bramante (1444–1514) war eine Schlüsselfigur der römischen Architektur der Hochrenaissance.
    • Der Palazzo Farnese, einer der bedeutendsten Paläste der Hochrenaissance in Rom, ist ein Paradebeispiel für die römische Architektur der Renaissance.

    Schlüsselbegriffe

    • Rom: Eine Stadt, die Hauptstadt der Provinz Latium und in der Renaissance Sitz des Heiligen Stuhls.

    Rom wird von Gelehrten weithin als die zweite Renaissance-Hauptstadt Italiens nach Florenz angesehen und war in dieser Zeit eines der wichtigsten architektonischen und kulturellen Zentren. Die Architekten der römischen Renaissance leiteten ihre Hauptentwürfe und Inspirationen von klassischen Vorbildern ab. Der Stil der römischen Renaissance-Architektur unterscheidet sich nicht wesentlich von dem, was in der Florenzer Renaissance-Architektur beobachtet werden kann. Die Schutzherren in Rom waren jedoch in der Regel wichtige Beamte der katholischen Kirche, und Gebäude haben im Allgemeinen eine religiöse oder palastartige Funktion.

    Donato Bramante (1444-1514) war eine Schlüsselfigur der römischen Architektur der Hochrenaissance. Bramante wurde in Urbino geboren und wurde zunächst in Mailand als Architekt bekannt, bevor er nach Rom reiste. In Rom wurde Bramante von Ferdinand und Isabella beauftragt, den Tempietto zu entwerfen, einen Tempel, der genau den Ort markiert, an dem der Heilige Petrus gemartert wurde. Der Tempel ist kreisförmig, ähnlich den frühchristlichen Märtyrern, und ein Großteil des Designs ist von den Überresten des antiken Tempels Vesta inspiriert. Der Tempietto wird von vielen Gelehrten als das beste Beispiel für die Architektur der Hochrenaissance angesehen. Mit seinen perfekten Proportionen, der Harmonie der Teile und den direkten Bezügen zur antiken Architektur verkörpert der Tempietto die Renaissance. Diese Struktur wurde als Bramantes "Visitenkarte" für Papst Julius II. beschrieben, den bedeutenden Kunstmäzen der Renaissance, der Bramante dann bei der historischen Gestaltung des neuen Petersdoms einsetzen würde.

    Der Tempietto, c. 1502, Rom, Italien. : Das von Donato Bramante entworfene Tempietto gilt als das beste Beispiel für die Architektur der Hochrenaissance.

    Ein weiteres Hauptbeispiel der römischen Renaissance-Architektur ist der Palazzo Farnese, einer der wichtigsten Hochrenaissance-Paläste in Rom. Das 1517 erstmals für die Familie Farnese entworfene Gebäude wurde in Größe und Konzeption nach Entwürfen von Antonio da Sangallo dem Jüngeren erweitert, als Alessandro Farnese 1534 Papst Paul III. wurde. Seine Baugeschichte umfasste einige der bekanntesten italienischen Architekten des 16. Jahrhunderts, darunter Michelangelo, Jacopo Barozzi da Vignola und Giacomo della Porta. Zu den wichtigsten architektonischen Merkmalen der Renaissance der Hauptfassade gehören die abwechselnden dreieckigen und segmentalen Giebel, die die Fenster des Piano Nobile bedecken, das zentrale rustizierte Portal und Michelangelos vorspringendes Gesims, das einen tiefen Schatten auf die Oberseite der Fassade wirft. Michelangelo überarbeitete 1541 das zentrale Fenster und fügte einen Architrav hinzu, um der Fassade einen zentralen Fokus zu geben, über dem sich das größte päpstliche Stemma oder Wappen mit päpstlicher Tiara befindet, das Rom je gesehen hatte.

    Palazzo Farnese: Der Palazzo Farnese in Rom zeigt die besondere Verwendung von quadratischen Stürzen und dreieckigen und segmentalen Giebeln, die abwechselnd verwendet werden.

    Der Innenhof des Palazzo Farnese, zunächst offene Arkaden, ist von klassisch inspirierten Säulen (charakteristisch für die italienische Renaissance-Architektur) in aufsteigender Reihenfolge (dorisch, korinthisch und ionisch) umgeben. Das Piano-Nobile-Gebälk erhielt einen Fries mit Girlanden, hinzugefügt von Michelangelo. Auf der dem Tiber zugewandten Gartenseite des Palastes schlug Michelangelo den innovativen Entwurf einer Brücke vor, die nach ihrer Fertigstellung den Palast mit den Gärten der Vigna Farnese verbinden würde. Während die praktische Umsetzung dieser Brücke zweifelhaft blieb, war die Idee mutig und weitreichend. Im 16. Jahrhundert wurden auf der Piazza Farnese, dem städtischen Gesicht des Palastes, zwei große Granitbecken aus den Caracalla-Thermen als Springbrunnen adaptiert. Der Palazzo wurde für den zweiten Kardinal Alessandro Farnese von Giacomo della Porta's Portikusfassade zum Tiber fertiggestellt (fertiggestellt 1589). Nach dem Tod von Kardinal Odoardo Farnese im Jahr 1626 war der Palazzo 20 Jahre lang praktisch unbewohnt.


    Velázquez – Las Meninas (um 1656)

    Las Meninas von Velazquez. Foto: Sammlung Galerie/Corbis

    Der König und die Königin stehen dort, wo Sie stehen, vor einer Ansammlung von Höflingen. Velazquez sieht aus dem Porträt, das er vom Königspaar malt. Die Infantin und ihr Gefolge von Mägden (meninas) und Zwergenunterhaltern ist vor dem Monarchen versammelt. In der Ferne steht ein Minister oder Bote vor der Tür. In einem hellen Spiegel leuchtet das königliche Spiegelbild. Dieses Gemälde ist ein vielschichtiges Modell der Fremdheit der Welt.
    Prado, Madrid


    Jean-Antoine Houdon, George Washington

    Nach dem erfolgreichen Ende des Amerikanischen Unabhängigkeitskrieges wandten sich viele Regierungen der Bundesstaaten der öffentlichen Kunst zu, um dieses Ereignis zu gedenken. Angesichts seiner kritischen Rolle sowohl in Virginia als auch in der kolonialen Sache ist es nicht überraschend, dass die Generalversammlung von Virginia eine Statue von George Washington für die Ausstellung im öffentlichen Raum wünschte.

    Und so bat der Gouverneur von Virginia 1784 Thomas Jefferson (ein anderer Virginianer, der damals als amerikanischer Minister für Frankreich in Paris war), einen geeigneten Künstler auszuwählen, um Washington zu formen. Die Suche nach einem europäischen Bildhauer – und für Jefferson, dessen frankophile Sympathien eindeutig waren, vorzugsweise einen Franzosen – war angesichts des Mangels an künstlerischem Talent in den Vereinigten Staaten eine logische Entscheidung. Aus Grundnot musste dieses Porträt eines amerikanischen Helden von einem Ausländer angefertigt werden.

    Jefferson kannte nur den Künstler für diese Aufgabe: Jean-Antoine Houdon. Houdon wurde an der Académie Royale de Peinture et de Sculpture ausgebildet und gewann 1761 im Alter von nur 20 Jahren den renommierten Prix de Rome. Mitte der 1780er Jahre war Houdon der berühmteste und versierteste neoklassizistische Bildhauer in Frankreich.

    Jefferson beauftragte Houdon mit der Fertigstellung einer monumentalen Washington-Statue. Angesichts von Houdons Können und Ehrgeiz hoffte der Bildhauer wahrscheinlich, eine überlebensgroße Bronzestatue von General Washington zu Pferd zu gießen, ein Format, das einem siegreichen Feldkommandanten angemessen ist. Das Endprodukt, das mehr als ein Jahrzehnt später geliefert wurde, war jedoch ein vergleichsweise einfacher stehender Marmor.

    Es gibt Hinweise darauf, dass Houdon in Paris bleiben und Washington nach einer Zeichnung von Charles Willson Peale formen sollte. Da es ihm unangenehm war, in drei Dimensionen zu schnitzen, was Peale nur in zwei Dimensionen gemalt hatte, plante Houdon, Washington persönlich zu besuchen. Houdon reiste im Juli 1785 in die Vereinigten Staaten ab und wurde von Benjamin Franklin – den er 1778 geformt hatte – und zwei Assistenten begleitet. Die Gruppe segelte etwa sieben Wochen später nach Philadelphia und Houdon und seine Assistenten kamen Anfang Oktober in Mount Vernon (Washingtons Haus in Virginia) an. Dort nahmen sie detaillierte Messungen von Washingtons Körper vor und formten eine Schwimmmaske aus dem Gesicht des zukünftigen Präsidenten.

    Zeitgenössische Kleidung (und keine Toga)

    In Virginia schuf Houdon ein leicht idealisiertes und klassizisiertes Büstenporträt des zukünftigen ersten Präsidenten. Aber Washington mochte diese klassizistische Ästhetik nicht und bestand darauf, in zeitgenössischer Kleidung gezeigt zu werden, anstatt in der Kleidung eines Helden aus dem antiken Griechenland oder Rom. Mit klaren Anweisungen des Dargestellten, in zeitgenössischer Kleidung dargestellt zu werden, kehrte Houdon im Dezember 1785 nach Paris zurück und machte sich an die Arbeit an einer stehenden, in voller Länge aus Carrara-Marmor geschnitzten Statue. Obwohl Houdon die Statue 1788 datierte, vollendete er sie erst etwa vier Jahre später. Die Statue wurde im Mai 1796 an den Staat Virginia geliefert, als die Rotunde des Virginia State Capitol endlich fertiggestellt war.

    “Nichts in Bronze oder Stein könnte ein perfekteres Bild sein…”

    Im Laufe der Zeit wurde diese Statue von George Washington zu einem der bekanntesten und am meisten kopierten Bilder des ersten Präsidenten der Vereinigten Staaten. Houdon hat Washingtons Abbild nicht nur perfekt eingefangen (John Marshal, der zweite Vorsitzende des Obersten Gerichtshofs schrieb später: „Nichts aus Bronze oder Stein könnte ein perfekteres Bild sein als diese Statue des lebenden Washingtons“). Houdon erfasste auch die wesentliche Dualität Washingtons: den Privatmann und den öffentlichen Soldaten.

    Washington nach links in seiner Militäruniform (Detail), Jean-Antoine Houdon, George Washington, 1788-92, Marmor, 6′ 2″ hoch, State Capitol, Richmond, Virginia, (Foto: Holley St. Germain, CC BY-NC-SA 2.0)

    Washington steht und schaut leicht nach links, sein Gesichtsausdruck könnte am besten als väterlich bezeichnet werden. Er trägt keine Toga oder ein anderes klassisch inspiriertes Kleidungsstück, sondern seine Militäruniform. Seine Haltung ahmt die des Kontraposts nach, der in Polykletos 'klassischer Skulptur von . zu sehen ist Doryphoros. Washingtons linkes Bein ist leicht gebeugt und einen halben Schritt nach vorne positioniert, während sein rechtes Bein belastet wird. Sein rechter Arm hängt an seiner Seite und ruht auf einem Herrengehstock.

    Sein linker Arm – am Ellbogen angewinkelt – ruht auf einem Faszien: ein Bündel von dreizehn Stäben, die nicht nur die Macht eines Herrschers symbolisieren, sondern auch die Stärke, die durch die Einheit gefunden wird. Dies repräsentiert visuell das Konzept von Aus vielen Eines—”Out of Many, One”—ein vom Kongress genehmigtes Motto der Vereinigten Staaten von 1782 bis 1956.

    Washingtons Offiziersschwert, ein Symbol für militärische Macht und Autorität, hängt gütig an der Außenseite der Fasces, gerade außerhalb seiner unmittelbaren Reichweite. Diese Aufgabe der militärischen Macht wird durch die Anwesenheit des Pfluges hinter ihm noch verstärkt. Dies bezieht sich auf die Geschichte von Cincinnatus, einem römischen Diktator, der seine absolute Macht niederlegte, als seine Führung nicht mehr benötigt wurde, um auf seine Farm zurückkehren zu können. Wie dieser Römer legte Washington seine Macht nieder und kehrte auf seine Farm zurück, um ein friedliches, ziviles Leben zu führen.

    Washington als Soldat und Privatmann

    Die Statue, die immer noch in der Rotunde des Virginia State Capitol zu sehen ist, ist eine nahezu perfekte Darstellung des ersten Präsidenten der Vereinigten Staaten von Amerika. Darin erfasste Houdon nicht nur, wie George Washington aussah, sondern vor allem, wer Washington sowohl als Soldat als auch als Privatmann war.

    Der enorm talentierte Houdon nahm klugerweise Washingtons Rat an. Tatsächlich wusste Washington, dass es besser war, subtil mit Cincinnatus verglichen zu werden, als offen mit Caesar verbunden zu sein, einem anderen Römer, der im Gegensatz zu Cincinnatus seine Macht nicht aufgab.

    Horatio Greenough, George Washington, 1840, Marmor, 136 x 102 Zoll, National Museum of American History (Foto: Steve Fernie, CC BY-NC 2.0)

    Der Vergleich von Houdons Statue mit Horatio Greenoughs Washington-Statue von 1840 macht diesen hervorstechenden Punkt nur noch deutlicher. Auf Drängen der Dargestellten entschied sich Houdon für Subtilität, während Greenough zwei Generationen später beschloss, sich vollständig einer neoklassischen Ästhetik zuzuwenden. Infolgedessen feiert Houdons Statue Washington den Mann, während Greenough Washington als Gott vergöttert.


    30 der beeindruckendsten antiken Ruinen der Welt

    Während moderne Bauwerke in Bezug auf Architektur, technologischen Fortschritt und Schönheit mehr als beeindruckend sein können, gibt es etwas über Bauwerke aus der Vergangenheit zu sagen.

    Ruinen auf der ganzen Welt haben den Test der Zeit überstanden und stehen für Reisende immer noch zum Staunen bereit. (Nun, sie haben den Test der Zeit nicht vollständig überstanden, sonst würden sie nicht als Ruinen bezeichnet werden.) Viele der Methoden, die verwendet wurden, um diese alten Städte, Tempel und Denkmäler zu schaffen, bleiben ziemlich mysteriös, da sie heute noch gebaut werden und Alter würde immer noch als eine beeindruckende Leistung gelten.

    Schauen Sie sich diese 30 fantastischen antiken Ruinen rund um den Globus an und überzeugen Sie sich selbst, und lesen Sie hier mehr über das neue 7 Weltwunder.


    Schau das Video: Maya smart collision tutorial (Januar 2022).