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Das Kamasutra: Den Rekord richtig stellen

Das Kamasutra: Den Rekord richtig stellen


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Von allen Notwendigkeiten der Welt treten drei in den Vordergrund: Nahrung, Wasser und Fortpflanzung. Während die ersten beiden für das Überleben des Einzelnen unter den Vielen notwendig sind, ist letzteres für das Überleben der Vielen notwendig. Es wird als Kunst geschätzt und manchmal sogar als religiöses Ideal verehrt. Die meisten nennen es einfach Sex; andere nennen es eine Lebensweise. Hier ist der Kamasutra kommt in die Geschichte.

Worum geht es im Kamasutra wirklich?

Im Volksmund als Buch der sexuellen Stellungen bekannt, Kamasutra ist viel mehr als eine Checkliste mit faszinierenden, unterhaltsamen und etwas komplexen Herausforderungen für das Schlafzimmer. Tatsächlich ist der Titel Kamasutra frei übersetzt als ein Konzept, in dem Wünsche die Welt zusammenbinden (oder vernähen).

Govardhan. Tändelei auf einer Terrasse 1615-20 LACMA. (Public Domain)

Der sexuelle Aspekt des Textes ist in Wirklichkeit nur ein Teil von kama (der hinduistische Begriff bedeutet „Wünsche“ oder „Vergnügen der Sinne“), während die anderen Aspekte des Textes diskutieren, wie man Partner anzieht, wie man eine Frau bekommt, wie man eine Frau behält, wie sich eine Frau verhalten sollte und wo Konkubinen in das Schema der Ehe passen.

Kama im allgemeinsten Sinne des Wortes kann sich auf Zuneigung, Liebe, ästhetische Anregung oder Wünsche beziehen, von denen keines verfügen über Sexualität zu integrieren. Der Text endet mit einer Diskussion über die innere Kraft derjenigen, die an sexuellen Handlungen teilnehmen. Das heißt, sexuelle Aktivitäten können als spiritueller Akt angesehen werden, bei dem die sexuelle Kraft gesteigert werden kann.

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Der Zweck des Kamasutra

Geschrieben (wahrscheinlich) vom Philosophen Vatsyayana, möglicherweise um das 2. Jahrhundert n. Chr., glauben Gelehrte, dass seine Absicht darin bestand, eine der vier Tugenden des Lebens hervorzuheben. Kama, wie bereits erwähnt, bedeutet, die Sinne zu genießen; die anderen drei Ziele sind Dharma (Tugendhaftes Leben), artha (materieller Reichtum) und moksha (Befreiung – zeigt normalerweise die Freiheit vom Kreislauf der Reinkarnation an). Bevor er sich den Freuden des Lebens zuwendet, bespricht Vatsyayana zunächst die höheren Ziele.

Das heißt aber nicht, dass es auch unbedingt das Ziel des Textes ist, dem heiligen Weg zu folgen, denn das Vergnügen steht im Vordergrund der Arbeit. Einige Gelehrte stellen auch die Moral des Autors in Frage, beispielsweise aufgrund seiner Schriften über die Verführung der Frauen anderer Männer. Für Forscher bietet der Text auch einen einzigartigen Einblick, wie Sexualität und Beziehungen während des Gupta-Imperiums aussehen könnten, als der Text vermutlich geschrieben wurde.

Die Kamasutra besteht aus sieben Büchern, von denen jedes eine andere Form des Vergnügens diskutiert und beschreibt, durch die man erreichen kann kama. Ein weit verbreitetes Missverständnis ist, dass die Länge der Kamasutra 's sieben Bücher diktiert den Geschlechtsverkehr; in Wahrheit spricht nur ein Kapitel in einem dieser sieben Bücher über sexuelle Stellungen. Vereinfacht gesagt liegt der Fokus des Textes nicht auf dem körperlichen Akt des Liebesspiels, sondern eher auf dem Erreichen von Liebe und Freude in Beziehungen und im Leben.

Liebhaber umarmen, Folio aus Indien, Madhya Pradesh, Malwa, um 1660. (Public Domain)

Häufige Missverständnisse über den Text

Ein weit verbreitetes Missverständnis bezüglich der Kamasutra ist die Annahme nicht-östlicher Kulturen, dass der Text selbst ein Leitfaden für Rituale im Zusammenhang mit tantrischem Sex ist. Tantra ist im einfachsten Sinne ein Zustand, der sich auf die Beherrschung des Selbst bezieht – was in westlichen Kulturen mit stark ritualisierten sexuellen Fähigkeiten in Verbindung gebracht wird. Während sexuelle Positionen im Text pragmatisch diktiert werden und der Text beispielhaft zeigt, wie das Verlangen dabei helfen kann, das volle Ausmaß der persönlichen Macht eines Individuums zu entfesseln, sind diese Diktate eher als Richtlinien für ein tugendhaftes Leben gedacht.

Die Kamasutra bezieht sich nicht auf tantrische Riten oder Praktiken, noch ist es eine heilige Lehre von sexuellen Ritualen. Im Großen und Ganzen ist die Beschreibung sexueller Wünsche und Stellungen sehr klein und soll in erster Linie dazu dienen, dem Einzelnen zu helfen, das volle Potenzial eines der vier tugendhaften Daseinsziele zu erreichen.

Wenn man eine Kopie der Kamasutra in einer Buchhandlung oder bei der Online-Suche nach dem Text, ist es für die hinduistische Kultur von größter Bedeutung, sicherzustellen, dass der Text vollständig ist und nicht nur eine Kürzung des einzelnen Kapitels über sexuelle Positionen. Diesen Abschnitt außerhalb des Kontextes des gesamten Buches zu lesen, bedeutet, einen Text, der in der indischen Gesellschaft große Bedeutung hatte, falsch darzustellen und daher falsch zu verstehen.

Das Kamasutra enthält mehr als nur sexuelle Stellungen. (Kunst der Legende Indien)

Es ist auf Fälle wie diese zurückzuführen, dass das moderne Wissen über die Kamasutra ist so fehlgeleitet. Mit der Zeit vielleicht die Kamasutra kann wieder so genossen werden, wie es von Vatsyayana beabsichtigt war. In dem Maße, wie das Bewusstsein für die wahre Natur des Textes verbreitet wird, wird auch die wahre Bedeutung dieser Arbeit besser verstanden.


Kamasutra

Das Kamasutra ist heute einer der beliebtesten altindischen Texte, weithin bekannt für seinen erotischen Inhalt und seine Fülle an sexuellen Stellungen. Im Gegensatz zur westlichen landläufigen Meinung ist das Kamasutra nicht ausschließlich ein Sexualhandbuch, es präsentiert sich als Leitfaden für ein tugendhaftes und gnädiges Leben, das die Natur der Liebe, der Familie, des Lebens und anderer Aspekte im Zusammenhang mit genussorientierten Fähigkeiten des menschlichen Lebens erörtert . Das Kamasutra, ein alter indischer Text, der von Vatsyayana zusammengestellt wurde, ist ein Leitfaden für alle Aspekte des Vergnügens im menschlichen Leben, stärkt Frauen und zeigt die gesellschaftspolitische Situation Indiens während dieser Zeit. Der historische Rahmen, in dem das Kamasutra geschrieben wurde, spielt eine große Rolle bei Inhalt und Methoden des Textes. Die Kama&hellip


Album: Kamasutra

Alle elf Tracks wurden von Prince geschrieben und enthalten alle, die die meisten nicht-orchestralen Instrumente spielen, wobei Eric Leeds Saxophon, Hörner von der NPG Hornz und ein Orchester von Clare Fischers Orchester spielt. Das Album ist vollständig instrumental, mit wiederholten musikalischen Themen und wurde zwischen Frühjahr 1994 und 1996 von Prince (als ) in den Paisley Park Studios, Chanhassen, MN, USA, und von Clare Fischers Orchester bei Ocean Way Recording, Hollywood, CA, USA.

Der Titel des Albums ist dem Kama-Sutra entnommen, das als das wichtigste Werk in einer langen Reihe der indischen erotischen Literatur gilt und vom Hindu-Philosophen Vātsyāyana geschrieben wurde (das Kama-Sutra wurde zuvor von Prince in We Can Fuck (später veröffentlicht als We Kann Funk).

Eine frühe Version des Artworks (erstellt 1996) zeigt, dass das Album (bevor es als Bonus-Disc für Crystal Ball enthalten war) ursprünglich als eigenständiges Album veröffentlicht werden sollte, das Prince (als />) zugeschrieben wurde, was gemacht hätte das 20. Album von Prince und das vierte, das /> anstelle von Crystal Ball zugeschrieben wird. Das Original-Artwork enthielt Gemälde des Künstlers Chad Attie im Booklet, die bei der Veröffentlichung des Albums als Teil des Crystal Ball-Sets weggeworfen wurden.

Es wurden keine Singles veröffentlicht, aber The Plan war in bearbeiteter Form auf Emancipation veröffentlicht worden, mit Liner Notes, die die bevorstehende Veröffentlichung von Kamasutra. Ende 1997 tanzte die NPG Dance Company (angeführt von Mayte) in vollen Zügen Kamasutra Album während des zweiten Akts ihrer Drei-Akt-Around The World In A Day Tour. Als Direct-Order-Release konnte das Album in keine Charts aufgenommen werden.

  1. Der Plan (2:03)
  2. Kamasutra (11:49)
  3. Endlich… „Das Verlorene ist gefunden“ (3:37)
  4. Das sich ständig verändernde Licht (2:59)
  5. Cutz (3:03)
  6. Serotonin (0:47)
  7. Versprechen/gebrochen (3:46)
  8. Barcelona (2:16)
  9. Kamasutra/Ouvertüre #8 (3:11)
  10. Zufall oder Schicksal? (3:24)
  11. Kamasutra/Ewige Umarmung (4:02)

das komplette Album wird auf jeder Seite wiederholt

  1. Der Plan (2:03)
  2. Kamasutra (11:49)
  3. Endlich… „Das Verlorene ist gefunden“ (3:37)
  4. Das sich ständig verändernde Licht (2:59)
  5. Cutz (3:03)
  6. Serotonin (0:47)
  7. Versprechen/gebrochen (3:46)
  8. Barcelona (2:16)
  9. Kamasutra/Ouvertüre #8 (3:11)
  10. Zufall oder Schicksal? (3:24)
  11. Kamasutra/Ewige Umarmung (4:02)
  1. Der Plan (2:03)
  2. Kamasutra (11:49)
  3. Endlich… „Das Verlorene ist gefunden“ (3:37)
  4. Das sich ständig verändernde Licht (2:59)
  5. Cutz (3:03)
  6. Serotonin (0:47)
  7. Versprechen/gebrochen (3:46)
  8. Barcelona (2:16)
  9. Kamasutra/Ouvertüre #8 (3:11)
  10. Zufall oder Schicksal? (3:24)
  11. Kamasutra/Ewige Umarmung (4:02)


Alle von Prince geschriebenen Tracks (als )

  • Prinz (as ) – alle Instrumente, sofern nicht anders angegeben – Tenorsaxophon, Baritonsaxophon, Flöte auf Kamasutra und Kamasutra/Overture #8, Baritonsaxophon auf Promise/Broken - Posaune auf Kamasutra und Kamasutra/Overture #8 - Baritonsaxophon auf Kamasutra und Kamasutra/Overture #8 - Trompete auf Kamasutra und Kamasutra/Overture #8 - Tenorsaxophon auf Kamasutra und Kamasutra/Overture #8 - Trompete auf Kamasutra und Kamasutra/Overture #8 - Orchesterarrangements auf Kamasutra, At Last… "The Lost Is Found", The Immer wechselndes Licht, Cutz, Serotonin, Promise/Broken, Barcelona, ​​Kamasutra/Ouverture #8, Zufall oder Schicksal? und Kamasutra/Ewige Umarmung
  • Unbekannte(r) Sänger(in) – Hintergrundgesang bei The Ever Changing Light
  • Orchestermusiker auf Kamasutra, Endlich… "The Lost Is Found", The Ever Changing Light, Cutz, Serotonin, Promise/Broken, Barcelona, ​​Kamasutra/Overture #8, Coincidence or Fate? und Kamasutra/Eternal Embrace: Morris Repass, Assa Drori, Isabelle Daskoff, Edward P. Greene, Harry Scorzo, Francine Walsh, Robert Lezin, Norma Leonard, Anita A. Thompson, Pamela Gates, Russel Cantor, Betty Byers, Robert Sushel, Don Palmer, Ross Shub, Pamela Tomkins, Yvette Devereaux, Calabria McChesney, Marshall Daniel Thomason, Marilyn Baker, Harry Shirinian, Hershel Wise, Peter Hatch, Suzanna Giordano, Benjamin Simon, James V. Ross, Gladys Secunda, Frederick Seykora, Raymond Kelley, Marie Fera, Douglas Davis, Judith Johnson, Cecilia Tsan, David Randall Stone, Morton Klanfer, James D. Hughart, Don Shelton, Daniel L. Higgins, Lisa Edelstein, James R. Walker, C. Terry Harrington, Jack Mimitz, Charles Boito , Charles A Coker, Jenice Rosen, Robert D. Carr, Dave Duke, Joseph Meyer, Marilyn L. Johnson, Alexander P. Iles, Leslie K. Benedict, Brent Fischer, Gerald Vinci, Mari Tsumara, Israel Baker, Yoko Matsuda, Murry Adler, Jorge Moraga, Carole Mukogawa, Margot MacLaine, Nancy Roth, Anne Kar bin, Judith Johnson, Arni Egilson, Richard Mitchell, Jon C. Clark, John F. Reilly, John J. Mitchell, Robert Tricarico, Yvonne Moriarty, Andrew M. Martin, Richard Hamilton, Larry Bunker, Thomas John Ranier, Dennis Budimer, G. Levante (vollständige Aufschlüsselung der Instrumente folgt)
  • Prinz (as ) - Produzent, primärer Orchestrator, Ingenieur
  • Morris Repass - Orchesterleiter
  • Brent Fischer - musikalische Transkriptionen - Ingenieur - Ingenieur - Ingenieur
  • Larry Mah - Ingenieur
  • Arne Frager (als Anne Frager) - Ingenieur - Mastering bei Bernie Grundmann - Mastering bei Bernie Grundmans - Titelbild (vermerkt für "Photo of Mayte") - Art Direction
  • Michael Van Huffel - Art Direction
  • Ende 1997 tanzte die NPG Dance Company (angeführt von Mayte) in vollen Zügen Kamasutra Album während des zweiten Akts ihrer Drei-Akt-Around The World In A Day Tour.
  • Kamasutra-Website
  • The Vault: The Definitive Guide to the Musical World of Prince (2004)

Mixologe Rob Floyd spricht über Cocktail Secrets und Kama Sutra

Was macht den Genuss eines guten Cocktails so angenehm? Ich vermute, es hat damit zu tun, dass wir uns entspannen können, egal wie dringend wir das Getränk brauchen, und uns einfach im beruhigenden Geschmack des Trankopfers verlieren. Cocktail-Handwerker Rob Floyd treibt dieses Gefühl mit seinen Drinks noch weiter, besonders wenn es Teil seines mitreißenden Cocktail Theatre ist, in dem gute Drinks und gute Geschichten kombiniert werden, um Ihren Cocktail zum Leben zu erwecken.

Für alle, die Rob Floyd noch nicht kennen, wird er von vielen als einer der besten Mixologen des Landes angesehen. Er leitete Top-Cocktailprogramme in vielen führenden Bars, darunter The Bazaar by Jose Andres, wo er Amerikas beste Molekularbar leitete, sowie Chateau Marmont und The Library Bar im The Roosevelt. Tatsächlich liegen Robs Cocktails und vor allem sein Cocktail-Theater sehr am Herzen.

"Ich mache das seit 22 Jahren", sagt der umgängliche Floyd.

Ich hatte immer das Gefühl, dass Geschichten über Cocktails oder wenn Sie in einer Cocktailbar sind und jemand auf Sie herabschaut, weil er ein Barkeeper ist, mir die Feier der Menschlichkeit wegnehmen. Der springende Punkt für mich und die Liebe zum Geschichtenerzählen liegt darin, diese Momente zu teilen, und plötzlich hatte ich das Gefühl, dass es einen Weg gibt, dies zu tun, bei dem es wirklich Spaß machen und innovativ sein kann und die Leute eine tolle Zeit haben , im Gegensatz zu Leuten, die trinken, um sich zu betrinken, oder Leute, die darauf herabschauen.

Und was ist Cocktail-Theater, könnte man fragen? Es schätzt die Kunst und das Handwerk von Cocktails durch den charismatischen Rob Floyd und seine Besetzung von verrückten Charakteren, darunter Luchadors und männliche Feen, während die Gäste Robs Interpretation der Cocktailgeschichte erfahren (warum sollte eine gute Geschichte den Fakten in die Quere kommen), während sie genießen Weltklasse-Cocktails in einer reinen Spaß- / No-Frown-Zone. Rob hat diese Show mit auf Tour genommen und die Veranstaltungsorte überall ausverkauft (in naher Zukunft ist sogar von Mexiko und Japan die Rede). In Los Angeles hat er sich im 41 Ocean Club in Santa Monica niedergelassen, wo er derzeit das Cocktailprogramm leitet, obwohl seine Cocktail-Theaterabende für die Öffentlichkeit zugänglich sind.

Aufgrund der großen Nachfrage wird es diesen Monat zwei Cocktail-Theater-Aufführungen geben, bei denen Rob am Freitag, den 22. und 29. August, Cocktails mit seinem Kama Sutra – Eyes Wide Shut Edition im 41 Ocean Club mixt erwachsenenorientierte gute Zeit, in der alle Arten von Geheimnissen gelüftet werden. Tatsächlich ist diese einzigartige Verkostungsreihe für Bildungszwecke eine Teil-Cocktail-Show mit Elementen von History Channel meets Die Rocky Horror Bildershow. In Robs Worten wird diese Ausgabe von Cocktail Theatre "eine Erkundung des Gaumens anhand sinnlicher Profile aus Indien von vor 5.000 Jahren bis heute" sein.

Fragen Sie Rob nach Cocktail-Geheimnissen, und er ist schwindlig zu reden.

Was ist das Geheimnis eines guten Cocktails?

"Geschmack, Technik und Geschichte", sagt Floyd ohne zu zögern.

Jeder kann dir einen Cocktail zubereiten, der gut schmeckt, aber für mich muss ein großartiger Cocktail die Erfahrung sein, ihn mit oder für jemanden zuzubereiten. Man muss zuallererst einen guten Geschmack haben, jemand, der keine Gewürze mag und einen scharfen Cocktail daraus macht, ist schon am Schlag eins. Sie müssen also die Palette verstehen, die Sie anstreben, dann fügen Sie einen guten Geschmack hinzu, und dann gehen Sie zur Technik über, egal ob geschüttelt oder gerührt, dann geht es weiter zur Geschichte. Und egal, ob Sie mit einem Martini oder einem Flüssigstickstoff-Cocktail von Jose Andres arbeiten, Sie müssen die Geschichte dahinter haben. Für mich ist es nie eine Geschichte, weil jeder eine Geschichte hat, es muss ein Geheimnis sein, denn Geheimnisse sind Dinge, die wir lieben und die wir nicht erwarten können, sie zu teilen oder zu flüstern, und das ist der menschliche Teil der Verbindung des Cocktails.

Was ist das Geheimnis eines großartigen Cocktail-Events?

„Ich mag es, es unerwartet und lustig zu halten“, erklärt Floyd.

Wir sind alle in diesem Zug und wir fahren alle zusammen und wir steigen in anderthalb Stunden aus und es wird eine lustige Zeit sein, nicht dass du wegen einer Menge gehämmert wirst beschäftigt sich mit der Verkostung, aber Sie werden eine tolle Zeit damit haben.

Mit so viel Wissen über Cocktails und seine Geschichte war ich neugierig, ob Rob sich an seinen allerersten Cocktail erinnert, und natürlich tut er das auch.

"Es war ein Manhattan von meinem Vater. Er hat das beste Manhattan gemacht, und kurz bevor er es abgab, rührte er es immer mit dem Finger um, um die Temperatur zu überprüfen."

Als eines von neun Kindern und Sohn eines Arztvaters wurde Robs Charisma (er ist teils Getränkeguru und teils Gebrauchtwagenverkäufer) vom Esstisch seines Vaters geboren. Und seitdem ist er voller Tatendrang und bereit, seinen Gästen das bestmögliche Getränk und die erdenkliche Geschichte zu bieten. Da frage ich mich, ob Rob Floyd Barkeeper oder Mixologe ist? Er ist mit seiner Antwort fertig.

Mixology ist für das Barkeeper, was Klippenspringen für das Sprungbrett am örtlichen Gemeinschaftspool ist. Das Sprungbrett macht viel Spaß und man kann überall einen Jack and Coke bekommen, aber wenn man eine Erfahrung mit diesem Drink macht, und das ist es, was Mixology für mich ist, ist es nicht nur ein großartiges Getränk, sondern auch diesen Kundenservice zu haben, der sonst niemand hat bieten kann - es ist dieses Geheimnis, an das niemand gedacht hat. Es ist ein Blick oder eine Wendung auf etwas Einzigartiges.

Und genau wie bei Rob sehen seine Drinks im 41 Ocean Club lässig aus, aber es gibt eine Komplexität, die ihresgleichen sucht, insbesondere mit seinen Cocktails Pina En Fuego und Smoking Gun.

"Ich wollte Farm to Table ansprechen", sagt Floyd über seine 41 Ocean Club-Cocktails.

Anstatt also molekular zu werden und weil Santa Monica eine echte Frische hat, habe ich einfach fünf Cocktails auf der Speisekarte entworfen, die mit jeder Spirituose ausgetauscht oder ausgeglichen werden können. Sie sind also austauschbar und diese fünf Cocktails können wirklich 20 oder 25 Cocktails sein und es ermöglicht dem Barkeeper hinter der Bar, verschiedene Spirituosen einzustecken und auf diese Weise damit zu arbeiten. Ich wollte zurück zu der Basis eines großartigen, ausgewogenen Getränks und einer großartigen Erfahrung und der Möglichkeit, wunderschönes Obst und Gemüse an der Bar zu verwenden.

Als Fan der Drinks in The Library Bar und Melrose Umbrella Company ist es schwer, Rob Floyd jemals ohne halsbrecherisches Tempo zu sehen – persönlich habe ich ihn nur im Go-Go-Go-Modus gesehen. Und vielleicht sind seine Veranstaltungen deshalb nie langweilig.

Welche Spirituosen können die Gäste also im Kama Sutra Cocktail Theatre erwarten?

Wir werden Pisco essen, weil ich das Gefühl habe, dass es wieder auf dem Vormarsch ist. Es ist ein sexy Getränk, wird aber oft missverstanden, weil die Leute es nur als sauer mit dem Eiweiß betrachten. Es gibt viele Dinge, die Sie mit Pisco machen können. Wir machen einen deutschen Punsch und zünden ihn an. Im Kamasutra dreht sich alles um Leidenschaft und Liebe.

Was können die Gäste zwischen Robs Überschwang und seiner augenzwinkernden Show und hochwertigen Getränken im Cocktail Theatre wirklich erwarten?

Dass es eine echte Erfahrung ist -- für mich ist das Trinken, egal ob wir auf einer Hochzeit oder Bar Miztvah oder Abschlussfeier sind, wir stoßen immer an, aber es geht nie nur darum, was in diesem Glas ist oder sich zu betrinken, es ist die Erfahrung, die für mich die Zeit überschreitet .

Rob Floyds Cocktail Theatre findet am 22. und 29. August im 41 Ocean Club in der 41 Ocean Ave in Santa Monica statt.


Das Kamasutra: Den Rekord aufstellen - Geschichte

Die Geschichte der Kamasutra/Buddah-Aufzeichnungen
Von Bob Hyde
Letzte Aktualisierung: 11. April 2000

Diese Geschichte ist Copyright & Copy 1993 von Bob Hyde und wird mit Genehmigung des Autors verwendet.


GUTE ZEIT MUSIK: Die Anfänge des Kama Sutra

Die Geschichte eines Plattenlabels aufzuzeichnen – geschweige denn zwei oder drei – ist bestenfalls eine prekäre Beschäftigung. Ein Hit-Rekord macht gewöhnliche Leute zu Helden, während ein Steifer den Pfeil der Schuld wie verrückt drehen lässt, auf der Suche nach einem geeigneten Ziel. Mancher Erfolg im Musikgeschäft kommt von purem Glück, manche sind das Ergebnis harter, fleißiger Arbeit und manches kommt von einem, was man nur als "Genie" für das Medium bezeichnen kann.

Wenn ein Mann in den 1950er Jahren diese drei Prinzipien verkörperte, müsste es George Goldner sein, ein außergewöhnlicher Unternehmer und Inhaber unzähliger kleiner (und mittelständischer) Plattenlabels von 1948 bis 1966. Goldners Ein-Mann-Betrieb in der 10th Avenue trug sein Unternehmen bis Mitte der 1950er Jahre, als eine Fülle von Hit-Künstlern wie Frankie Lymon, The Chantels, The Flamingos und Little Anthony & The Imperials es unmöglich machten, alleine weiterzumachen. Der Songwriter/Sänger/Produzent Richard Barrett kam 1955 als seine rechte Hand im Studio und als Talentscout an Bord, und einer von Arthur "Artie" Ripp wurde seine erste Wahl.

Unter Goldner erhielt Ripp eine unvergleichliche Straßenausbildung im Plattengeschäft, und es ist nicht verwunderlich, dass Ripp zu dem Zeitpunkt, als Goldner die meisten seiner Unternehmen an Morris Levy von Roulette verkauft hatte, als unabhängiger Produzent auf sich allein gestellt war. Und es war Ripp – zusammen mit seinen Partnern Hy Mizrahi und Phil Steinberg – der 1964 Kama Sutra Productions gründete und zahlreiche andere Taten in den Jahren 1964-65.

Zu diesem Zeitpunkt war die Produktionsfirma an sich noch kein Label, das irgendwann im Sommer 1965 folgen würde, als Ripp und Company von Art Kass, einem Buchhalter, der früher für MGM Records gearbeitet hatte, beitrat. Die vier gründeten das Label Kama Sutra und unterzeichneten sofort einen Vertriebsvertrag mit MGM, damals ein Major-Label.

Mit Ripp als Musikdirektor erreichte Kama Sutra mit seinen ersten beiden Veröffentlichungen die nationalen Pop-Charts: "You're My Baby", eine Neo-Doo-Wop-Nummer einer Vokalgruppe namens Vacels, die in diesem Sommer Platz 63 erreichte, und "Do You Believe in Magic", die außergewöhnliche erste Singleauskopplung von John Sebastian and the Lovin' Spoonful. The Spoonful wurden nicht direkt bei Kama Sutra unter Vertrag genommen, sondern die Gruppe wurde von Koppelman-Rubin betreut, einer Produktionsfirma, die wiederum mit Ripp den ersten einer Reihe solcher Produktionsverträge für das/die Label(s) unterschrieb. So gut die Vacels auch gewesen sein mögen - sie haben zum Beispiel die erste Version von Bob Dylans "Can You Please Crawl Out Your Window" aufgenommen, bevor er es tat und ihre beiden Singles auf Kama Sutra waren ziemlich anständig - es wäre The Spoonful Who Single - trug im ersten Betriebsjahr das Kama Sutra-Label.

"Magic" war genau das - eine magisch peppige, schwungvolle und gefühlvolle Nummer, die wie wenige andere Songs von der Anziehungskraft des Rock'n'Roll sprach. Mit ihren langen (für 1965er Verhältnisse) Haaren und ihrer firmenfremden Kleidung, ganz zu schweigen von der körperlichen Ausstrahlung jedes der Gruppenmitglieder (John Sebastian, Zalman Yanovsky, Steve Boone und Joe Butler), wurde der Spoonful sofort zu einem der Lieblinge von die amerikanische Rockszene, die sich als Reaktion auf die britische Invasion von 1964-65 schnell entwickelte. Zusammen mit den Byrds, Turtles und Beau Brummels (und gelegentlich auch Sonny & Cher) symbolisierten die Spoonful eine Musikform, die allgemein als "Folk Rock" bezeichnet wird, obwohl Kama Sutra sie als Macher von "Good Time Music" förderte und ihre typischen Outfits, weit gestreifte Sweatshirts, machten ihr "lustiges" Image weiter bekannt. Ihre Wurzeln gaben dem Folk-Anteil des Folk-Rock-Monikers sicherlich Glaubwürdigkeit das meist folkloristische Elektra-Label einschließlich einer Station bei der Even Dozen Jug Band, während Yanovsky von Stationen bei den Halifax Three und den Mugwumps kam.

The Spoonful, benannt nach einem Satz im Song "Coffee Blues" des Bluesman Mississippi John Hurt, waren nur einer der musikalischen Sprösslinge einer Reihe von Musikern, die mit Mama Cass Elliot von den Mamas and Papas im Greenwich Village (New York) der frühen 60er Jahre. Sebastian und Yanovsky lernten sich 1964 auf einer ihrer Partys kennen und begannen von Anfang an, die Idee für das Spoonful zu formulieren. Die Mugwumps und Mamas And Papas würden auch in den kommenden Jahren aus dieser eklektischen Gruppe von Musikern hervorgehen, die in dem Hit "Creeque Alley" von Mamas und Papas dauerhaft aufgezeichnet werden. Anfang 1965 trafen Sebastian und Yanovsky den Produzenten Erik Jacobsen bei Elektra Records und nahmen drei Seiten für das Label auf. Jacobsen ging dann einkaufen und unterschrieb die Gruppe beim neuen Kama-Sutra-Label.

Kama Sutra veröffentlichte von Mitte 65 bis Herbst 1966 kaum etwas anderes als Lovin' Spoonful-Singles. "You Didn't Have To Be So Nice" folgte "Do You Believe In Magic" und die Gruppe folgte danach mit einer Reihe klassischer Hits: "Daydream", das Platz 2 der nationalen Charts erreichte, "Did You Ever Have To Make Up Your Mind", ein weiterer Hit auf Platz 2 und "Summer In The City", die ) erste Single Nr. Das Label erfreute sich in dieser Zeit auch an guten Verkäufen von drei Spoonful-Alben, darunter der Klassiker Hums of the Lovin' Spoonful. Es ist ziemlich wahrscheinlich, dass die meisten Plattenkäufer nie vom Kama Sutra-Label gehört hätten, wenn sie nicht die Spoonful-Platten gesehen hätten, die in ihren Plattenläden prominent ausgestellt sind!

Mit etwas Geld in der Kasse war das Label bereit, seine Liste um die Jahreswende 1966 zu erweitern. Artie Ripp wandte sich an ein Paar Songwriter aus Rhode Island, Pete (Andreoli) Anders und Vincent (Vinnie) Poncia, die zuvor einen kleinen Hit erzielt hatten (#73) als Videls ("Mr. Lonely", JDS 1960) und hatte 1963-64 mit Phil Spector instrumentale und vokale Arrangements und Songwriting für einige der Ronettes-Hits gemacht. Die beiden arbeiteten für Lieber & Stollers Red Bird Records, als Ripp auf sie zukam, und hatten gerade mit dem unwahrscheinlichen Surflied "New York's A Lonely Town" einen großen nationalen Hit unter dem Namen "Trade Winds" erzielt. Umworben von Ripps Angebot von mehr Geld und mehr Produktionsarbeit, schloss sich das Duo Kama Sutra an und begann mit der Produktion einer Reihe von Aufnahmen, die unter verschiedenen Gruppennamen veröffentlicht werden sollten. Ripp stellte ihnen Don Ciccone vor, den Leadsänger der Critters ("Mr. Dieingly Sad") und Songwriter für Kama Sutra, und Ciccone gab den Jungs das Lied "Mind Excursion". Von den Passatwinds herausgegeben, erreichte das Lied schließlich Platz 51 im ganzen Land. Ciccone brachte dann einen weiteren Hit für das Duo heraus - "There's Got To Be A Word" - das schließlich im Herbst 1966 unter einem anderen Nomen-de-Disque, The Innocence, die nationalen Top 40 durchbrach. Obwohl es wieder nur Anders & Poncia im Studio war, fügten sie Artie Ripp für persönliche Auftritte und LP-Cover hinzu.

Kama Sutra brachte sowohl eine Innocence LP als auch eine Trade Winds LP heraus, und eine Reihe von Singles beider "Gruppen" folgten, ohne Erfolg. "Mairzy Doats", die Kastanie aus dem Zweiten Weltkrieg, war ihr letzter Auftritt in den Charts und erreichte Platz 75 unter dem Namen The Innocence. Nachdem eine großartige Solo-Single auf Buddah von Pete Anders ("Sunrise Highway") gefloppt war, verließ das Duo 1969 schließlich ihr eigenes Label, Map City.

In diesem Herbst (1966) fand sich Kama Sutra mit einem weiteren nationalen Hit wieder - "Hello, Hello" der Gruppe Sopwith Camel aus San Francisco. Benannt nach einem Jagdflugzeug aus dem Ersten Weltkrieg, war die Gruppe eine der ersten Bands aus der Bay Area, die bei einem nationalen Label unterschrieben hatte, und wie die Spoonful hatten sie einen volkstümlichen, zurückgeworfenen Sound. The Camel folgte mit "Postcard from Jamaica", das den Boden der Charts kratzte, und einer LP, bevor sie sich auflöste. The Spoonful trugen zu dieser Zeit weiterhin mehr als ihren Anteil an Hits bei, mit "Rain On The Roof" auf Platz 10 und "Nashville Cats", einer Hommage an den Rockabilly-Sound der legendären Sun Records, ein Platz 8 der Charts. Mit drei Gruppen in den Single-Charts und einem ebenfalls Bestseller-Album (Hums.) trat Kama Sutra in guter Verfassung ins Jahr 1967 ein.


DIE SPÄTEN 60er: Buddah, Bogart und Bubblegum

Die Plattencharts mögen die Illusion vermittelt haben, dass im Kama Sutra Anfang 1967 alles in Ordnung war, aber die Ernüchterung über den MGM-Vertriebspakt sollte in diesem Sommer ein weiteres von Art Kass geführtes Unternehmen hervorbringen. Buddah-Aufzeichnungen.

Vertraglich verpflichtet, weiterhin Acts für Kama Sutra/MGM zu produzieren, beschloss Kass, sein neues Label als Outlet für neue Künstler zu gründen, die nicht unter das Kama Sutra-Abkommen fallen würden. Kama Sutra veröffentlichte weiterhin Lovin' Spoonful-Platten (ihre "Six O'Clock"-Single, die im Frühjahr ihr letzter Top-20-Hit sein würde) und einige seltsame Veröffentlichungen von Vince Edwards (TV's "Ben Casey"), Erik & The Smoke Ponys und Soulsänger Bobby Bloom und Billy Harner (die im Juli mit "Sally's Sayin' Somethin" einen kleinen Hit I erzielten), aber ihre Aufmerksamkeit sollte in erster Linie dem neuen Buddah-Unternehmen geschenkt werden. Die allererste Buddah-Single - "Yes, We Have No Bananas" von Mulberry Fruit, war eine Studiokollaboration/ein Witz zwischen Anders & Poncia und dem Filmproduzenten Richard Perry.

Kass ging bei der Gründung seines neuen Labels noch einen Schritt weiter - er holte sich den Plattenmanager Neil Bogart, den er bei MGM kennengelernt hatte, als Bogart Anfang der 60er Jahre dort eine kurze Zeit als General Manager verbrachte. Wenn man Neil Bogarts Karriere in zwei Worten beschreiben müsste, käme man auf „Bubblegum“ und „Casablanca“ (obwohl die beiden Worte dem Plattenmagnaten kaum gerecht werden). Bogarts Einstieg in die Branche erfolgte als Aufnahmekünstler, als er 1961 als Neil Scott mit einem Song namens "Bobby" auf dem Portrait-Label einen leichten Hit (#58) hatte. Bogart (ursprünglich Bogatz, und von wo sonst aber Brooklyn) verließ kurz darauf die Performance-Seite der Musik und begann von dort aus für Cashbox zu arbeiten, sprang als Promotion-Mann zu MGM und landete schließlich als VP und Sales Manager bei Cameo-Parkway. Nachdem Allen Klein Anfang '67 Cameo-Parkway erworben hatte, war Bogart desillusioniert und sprang auf Kass' Angebot in Buddah. Der geschäftige Mr. Bogart brachte auch einen der besten Acts seines ehemaligen Labels mit, eine schwarze Familiengruppe namens The Stairsteps.

In Buddah angekommen, hat sich Bogart mit einem anderen 2-Mann-Produktionsteam zusammengetan: den sogenannten "Super K"-Jungs, Jeff Katz und Jerry Kasenetz. Bogart hatte die beiden kennengelernt, als sie Produktionsarbeiten für Cameo-Parkway machten und diesem Label einen ihrer letzten Hits brachten, "Beg, Borrow And Steal" - ein Note-für-Note-Dieb von "Louie Louie" - von einer Midwest-Garagenband ursprünglich Rare Breed genannt, aber auf Cameo in Ohio Express umbenannt. Nachdem einige Follow-ups gescheitert waren, rekrutierten Kasenetz und Katz einige Studiomusiker, um einen neuen Ohio Express zu gründen, angeführt von dem nasalen Joey Levine. Mit dieser Crew begannen die Jungs von K&K, eine Reihe unglaublich einfacher, aber dynamischer Pop-Aufnahmen zu erstellen, die bald als "Bubblegum-Musik" bezeichnet wurden, in Anlehnung an ihre offensichtliche Anziehungskraft auf Kinder im frühen und frühen Teenageralter. im Gegensatz zu viel experimentellerem Rock, der von Gruppen wie den Doors und Jefferson Airplane den FM-Äther überflutete. Bogart, der im nächsten Jahr das Cover des Time Magazine für den Start des Bubblegum-Programms gewinnen würde, sagte damals: Bubblegum-Musik ist pure Unterhaltung. Es geht um Sonnenschein und um Orte zu gehen und sich zu verlieben und aus Spaß zu tanzen. Es geht nicht um Krieg und Armut und Krankheit und Aufstände und Frustration und Geldverdienen und Lügen und all die Dinge, die „wirklich“ wichtig sind. Es geht nicht um diese Dinge und deshalb ist es so beliebt. Es geht um die guten Dinge des Lebens. die (man) manchmal aus den Augen verliert. kann aber wiederfinden.

Tommy James & The Shondells boten unter anderem schon 1966 mit dem kindlichen "Hanky ​​Panky" eine leichtere Seite des Garagenbandrocks, und auch Kasenetz und Katz punkteten Mitte 67 mit "Little Bit ." von Music Explosion Of Soul" für Laurie Records, bevor er zu Bogart in Buddah kam. Die erste Buddah-Veröffentlichung, die die bevorstehende "Soft-Rock"-Explosion signalisierte, war "Simon Says" von 1910 Fruitgum Company, ein weiterer Kinderreim, der mit musikalischen Sensibilitäten von Garagenbands ausgestattet war. The Fruitgum Company (Chuck Travis, Leadgitarre und Gesang, Mark Gutkowski, Rhythmusgitarre, Keyboards und Gesang, Larry Ripley, Bass, Horn und Gesang, Bruce Shay, Percussion und Gesang, und Rusty Oppenheimer, der Floyd Marcus ersetzte, am Schlagzeug und Vocals) hießen ursprünglich Jekyll and the Hydes, bis K&K die Leitung der Gruppe übernahm. Die Produzenten hatten bereits einige andere Gruppen auf "Simon Says" ohne Erfolg aufgenommen, und als Jekyll & The Hydes ins Studio kamen, versprach es nicht viel Besseres - die Gruppe war eher in der Stimmung, wie Procol Harum zu spielen, als ein Kaugummi ausstatten. Nach einigem Herumspielen im Studio entschied sich die Gruppe schließlich für einen "Wooly Bully"-Rhythmus und nahm den Song erfolgreich auf, gut genug, um Platz 4 der nationalen Charts zu erreichen.

Im Herbst erreichte auch Buddahs erste #1-Single die Öffentlichkeit - das "Green Tambourine" von Lemon Piper. Anders als die Fruitgum Company oder Ohio Express waren die Lemon Pipers (Ivan Browne, Leadsänger, Bill Bartlett, Leadgitarre, Steve Walmsley, Bass, RG Nave, Keyboards und Bill Albaugh, Schlagzeug), eine weitere Band aus dem Mittleren Westen (Ohio). eine echte, in sich geschlossene Aufnahme- und Aufführungsgruppe, die mehr auf psychedelische Texte und Arrangements als auf "Bubblegum" stand. aber weil sie auf Buddah erschienen, würde die Gruppe sowieso in die Kategorie Kaugummi fallen (und es half wahrscheinlich nicht, dass ihre Nachfolge-Singles "Rice Is Nice" und "Jelly Jungle (Of Orange Marmalade)" hießen). "Reis" . Hit #46 und "Jelly" erreichte #51, aber danach verließ die Gruppe das Label und löste sich auf. Gitarrist Bartlett nahm 1973 als Teil der Gruppe August wieder für Buddah auf und tat sich noch später mit Kasenetz und Katz als Mitglied der Gruppe Ram Jam zusammen, deren "BIack Betty" 1977 ein Top-40-Funk-Hit war.

Als Buddah anfing, ihre ersten Hits zu genießen, befand sich The Lovin' Spoonful, Kama Sutras Hauptgruppe, mitten in einem Personalwechsel, der die Gruppe schließlich versenken sollte. Zal Yanovsky, vielleicht der stärkste visuelle Schwerpunkt der Gruppe sowie ihr Lead-Gitarrist, wurde in eine Drogenflaute verwickelt, die über die Norm hinausgehende Auswirkungen haben sollte, und bald würde Zally als Solo-Act für Buddah aufnehmen. Spoonful-Leader John Sebastian blieb für ein weiteres Album (Everything Playing), wobei das Ex-Modern Folk Quartet-Mitglied Jerry Yester Yanovsky in der Gruppe ersetzte, aber das war das letzte "echte" Spoonful-Album, das aufgenommen wurde. Sebastian verließ die Gruppe selbst, um solo zu gehen, und die Spoonful, jetzt angeführt von Schlagzeuger Joe Butler, würden sich kurz darauf auflösen.

Es muss in den Buddah-Büros ziemlich viel los gewesen sein, dass im Herbst 1967 das Label neben den Charts der Fruitgum Company, Lemon Pipers und Lovin' Spoonful auch kleinere Erfolge mit Bogarts Übernahme von Cameo, The Stairsteps, jetzt unter dem Namen The 5 Treppenstufen & Cubie. "Something's Missing", ihr erster Chart-Titel, erreichte Platz 17 der R&B-Charts und schaffte es auch in die Pop-Charts, was Buddah ihren ersten "schwarzen" Hit bescherte. Soul-Sänger Timothy Wilson hatte mit "Baby Baby Please" auch einen kleinen R&B-Chart-Hit, und das Label veröffentlichte erste Versuche von Captain Beefheart & His Magic Band, den Rhodes Scholars, Le Cirque, den Baskerville Hounds und The Second Story. Beefheart, auf seiner Geburtsurkunde als Don Van Vliet bekannt, war ein früher Kumpel von Frank Zappa und wurde später eine Kultfigur für einige Progressive-Rock-Liebhaber. Nach ein paar "normalen" Singles bei A&M sah er 1967 eine klassische LP auf Buddah (Safe As Milk, mit dem zukünftigen Stargitarristen Ry Cooder) und eine weitere (Mirror Man), die kurz nach Safe aufgenommen wurde. aber damals abgelehnt, 1969 veröffentlicht, nachdem sein Trout Mask Replica-Album auf Straight Records ihn bei der Rock-Menge etabliert hatte.

Als ein turbulentes 1968 begann, nahm Bogarts Kaugummi-Kampagne eine kleine Verschnaufpause, zumindest soweit dies der Öffentlichkeit bekannt war. In diesem Winter verzeichnete die LP Stairsteps Our Family Portrait ordentliche Verkäufe, und ihre Interpretation des Jimmy Charles Oldies "A Million To One" brachte dem Label einen weiteren R&B-Hit ein. Buddahs Bubblegum-Veröffentlichungen, obwohl zahlreich, schlugen nicht ein Bogart veröffentlichte Studio-Gebräue von Gruppen namens Frosted Flakes, Chicago Prohibition 1931 und den Carnaby Street Runners ohne Erfolg, und nachfolgende Veröffentlichungen von Salt Water Taffy., Lt. Garcia's Magic Music Box, the Cowboys 'N' Indianer und JCW Ratfinks in diesem Frühjahr machten auch keinen großen Eindruck in den Charts. Aber eine Veröffentlichung in diesem Frühjahr würde Buddah wirklich auf die Landkarte bringen. Es ist fraglich, ob jemand, der im Frühsommer 1968 Radio gehört hat, diese denkwürdigen Worte hätte vermeiden können: "Yummy yummy yummy, ich habe Liebe in meinem Bauch und ich fühle mich wie ein Iovin' dich."

Gepaart mit einem wummernden Gitarren-Opening (das die Cars zehn Jahre später Note für Note auf ihrem ersten großen Hit "Just What I Needed" aufhoben), einem einfachen, unkomplizierten Garagenband-Rhythmus und Joey Levines unverwechselbarem Gesang, "Yummy Yummy Yummy" würde die musikalische Formel von Bubblegum festigen. Fügen Sie kinderliedartige Texte mit leicht frechen Doppeldeutigkeiten und einem gelegentlichen (und unverwechselbaren) Farfisa-Orgelriff hinzu, und Sie haben eine der klassischen Produktionsformeln aller Zeiten. Die Gruppe, K&Ks zweite Inkarnation des Ohio Express – Levine (Leadsänger), Dale Powers (Leadgitarre), Doug Grassel (Rhythmusgitarre), Dean Kastran (Bass). Jim Pflayer (Keyboards) und Tim Corwin (Schlagzeug) – wurden mit der 1910 Fruitgum Company zu den Hauptvertretern der Bubblegum-Musik in der Öffentlichkeit und erzielten mit ebenso leichten Nachfolgern "Chewy Chewy", "Down at Lulus, „Gnade“ und „Süßer als Zucker“. Die Gruppe hatte als Rare Breed begonnen und die erste Version des Hits "Come On Down To My Boat" von Every Mother's Son aufgenommen Gouldman (später von 10 cc) und John Carter und Ken Lewis, Mitglieder der britischen Gruppe The Ivy League (ein weiterer Cameo-Künstler!). Levine tauchte 1974 als Frontmann der Gruppe Reunion wieder auf, die in diesem Jahr mit "Life Is A Rock (But The Radio Rolled Me)" einen Hit hatte.

Nur wenige Wochen nach dem "Yummy Yummy Yummy"-Hit unterstützten Anders & Poncia und einige der Jungs von der Road-Gruppe Trade Winds 1910 Fruitgum Company-Sänger Mark Gutkowski beim größten Hit dieser Gruppe, dem idiotisch einfachen "1,2,3 Red Light". 12-Jährige waren überall in Ekstase, und der Song schoss auf Platz 5 der nationalen Charts (mit "Yummy. " auf Platz 4!). Einen Monat später (Juli 1968) kam der Ohio Express mit einem weiteren Hit zurück, "Down at Lulus", und die Dinge in Buddah liefen trotz der relativen Ruhe des Kama Sutra-Labels, das sporadische Veröffentlichungen des überarbeiteten Spoonful herausbrachte, in Ordnung sowie Bemühungen von obskuren Gruppen wie The Road, Outrage und the Pendulum.In Buddah gelang es dem weißen Blues-Sänger und Harfenisten Barry Goldberg, ein paar Kopien seiner Single "Hole In The Pockets" zu verkaufen, und eine andere neue Gruppe, Johnny Maestro und die Brooklyn Bridge, nahmen ebenfalls ihr erstes Werk auf.

Inzwischen gründeten Kasenetz und Katz ihr eigenes Label Team und rekrutierten einen ihrer Studiosänger, Jim Sohns, für den einzigen Hit auf diesem Label. Sohns war der Anführer der legendären Chicagoer Punkgruppe Shadows of Knight, die 1966 mit ihrer Version von Van Morrisons "Gloria" auf dem Dunwich-Label einen großen Hit landete. Nach einem Nachfolge-Hit ("Oh Yeah") feuerte Sohns die ursprüngliche Gruppe, verließ Dunwich (das kurz darauf geschlossen wurde) und arbeitete mit Kasentz und Katz zusammen und steuerte Hintergrundgesang bei den meisten Ohio Express und 1910 Fruitgum bei Firmen-Singles.

Im Herbst '68 nahm Sohns unter dem Namen Shadows of Knight "Shake" auf und sah es landesweit in die Top 50 rutschen. Katz und Kasenetz, die nicht auf ihren Händen sitzen wollten, versammelten auch eine lächerlich große Ansammlung (46 Mitglieder), bestehend aus der Ohio Express, der 1910 Fruitgum Company, der Music Explosion, der St. Louis Invisible Marching Band, der Teri Nelson Group, J.C.W. Ratfinks und mehr und nannten sie den Kasenetez-Katz Singing Orchestral Circus. Eine erste Veröffentlichung in diesem Sommer, "Down In Tennessee", hatte es nicht in die Top 100 geschafft (Platz 124), aber ihre nächste Kreation "Quick Joey Small (Run, Joey Run)" stieg tatsächlich auf Platz 25 der Pop-Charts. Gleichzeitig knackte der Ohio Express mit „Chewy Chewy“ die Top 20 und die Fruitgum Company mit „Goody Goody Gumdrops“ die Top 40. Kasenetz und Katz würden im nächsten Jahr das Label Super K gründen und ihr Konzept der Super-Studiogruppe mit einem Outfit namens Captain Groovy and His Bubblegum Army wiederbeleben.

Im Herbst 1968 boomte Buddah und die Zahl der Single- (und Album-) Veröffentlichungen verdoppelte sich gegenüber früheren Zeiten. Eine Single, vielleicht eine Hymne für das gesamte Bubblegum-Programm, enthielt den wohl längsten Künstlernamen in der Popgeschichte "Bubble Gum Music" von der Rock And Roll Dubble Bubble Trading Card Company of Philadelphia 19141 (die Postleitzahl war eine nette Geste) . Irgendwie erreichte es trotz des lächerlichen Namens Platz 74 der Pop-Charts. Von größerer Bedeutung war jedoch der erste – und größte – Hit einer 11-köpfigen Gesangsgruppe/Rockband namens Brooklyn Bridge. Leadsänger Johnny Maestro hatte bereits als Leadsänger der ehrwürdigen Doo-Wop-Gruppe The Crests Pop-Ruhm gekostet, deren "16 Candles", "The Angels Listened In", "Trouble In Paradise" und mehr in den letzten Jahren große Hits waren. 50er und Anfang der 60er Jahre. Maestro stellte eine glaubwürdige Rockband (The Rhythm Method) mit einer anderen Gesangsgruppe aus früheren Tagen zusammen, The Del Satins (die Dion bei den meisten seiner Solohits unterstützt hatten) und erreichte mit einem Platz 3 der Hitparade erneut die Pop-Charts Das Schlimmste, was passieren kann." Eine unglaublich beliebte Gruppe, die auch heute noch erfolgreich auftritt, The Bridge folgten mit einer Reihe kleinerer Pop-Hits und der "In"-Witz bei Buddah war, dass Neil Bogart ein so guter Verkäufer war, dass er sogar die Brooklyn Bridge verkaufen konnte!

Ein anderer ehemaliger Solo-Hitmacher, Lou Christie, schnitt zu dieser Zeit auch seine ersten Seiten für Buddah. Aus irgendeinem Grund wurde Buddah in den frühen 70er Jahren zu einer Fundgrube für Ex-Teen-Idole und machte Platten von Paul Anka, Johnny Tillotson, James Darren, Freddy Cannon, Len Barry, Teddy Randazzo, Trade Martin, Gene Vincent, Chubby Checker und Bill Haley. Die meisten floppten natürlich, aber Checker schaffte es (kaum) mit einem Remake von "Back In The U.S.S.R" der Beatles in die Charts und auch Anka und Tillotson würden auch die äußeren Grenzen der Top 100 erreichen.

Als aus '68 '69 wurde, begann die Bubblegum-Musik an Fahrt zu verlieren. Die Fruitgum Company von 1910 erzielte mit neuem Personal den letzten großen Hit des Genres, "Indian Giver", aber weitere Veröffentlichungen des Ohio Express und des allgegenwärtigen Kasenetez-Katz-Teams brachten keine neuen Hits. Bogart krönte das Phänomen mit einer Anthologie mit mehreren Künstlern des Genres, dem Album Bubblegum Music Is The Naked Truth, das sozusagen ein einprägsames Frontcover trägt oder entblößt, auf dem ein süßes Foto einiger kleiner Babys den Kern des Designs bildet . Das Label würde sich auch über einen ungewöhnlichen zweiseitigen Hit der Brooklyn Bridge ("Blessed Is The Rain" s/w "Welcome Me Love") freuen, obwohl keine Seite die Top 40 knackte.

In diesem Frühjahr genossen Ohio Express und 1910 Fruitgum Company ihre letzten Top-40-Hits ("Mercy" bzw. "Special Delivery"), aber die große Neuigkeit bei Buddah kam von einer anderen Vertriebsvereinbarung, diesmal mit Field-Gospel-Hit einer bisher unbekannten Chorgruppe. Sprechen Sie über einen hausgemachten Hit. "Oh Happy Day" wurde ursprünglich privat aufgenommen und veröffentlicht, die Anstrengung einer Gruppe von Sängern namens North California State Youth Choir. Die Aufnahme sollte von der Gruppe bei Konzerten verkauft werden, aber ein aufgeweckter Discjockey in Kalifornien hörte sie und begann, sie als Lerche zu programmieren. Andere Stationen nahmen es auf, und bald würde sich die Gruppe als Edwin Hawkins Singers bezeichnen und das Lied von Buddah landesweit unter ihrem Tochterlabel Pavilion vermarkten. Die "private" Aufnahme kletterte landesweit auf Platz 4, erhielt einen Grammy als beste Soul-Gospel-Performance des Jahres und ebnete den Weg für das Bestseller-Album Let Us Go Into The House Of The Lord - ein ziemlicher Schritt von entweder Kaugummi oder Psychedelie. Es signalisierte auch einen Wechsel in der musikalischen Richtung des Unternehmens, da Buddah sich im folgenden Jahrzehnt zu einem großen Teil mit Gospel-beeinflusster Musik von Gladys Knight & The Pips, Melanie und den Stairsteps einen Namen machen sollte.

Als Lou (Lugee Sacco) Christie 1969 nach Buddah kam, hatte er gerade eine Reihe von Songs für Columbia aufgenommen, die im Nachhinein oft als sein bestes Material angesehen werden. obwohl sich keiner von ihnen besonders gut verkaufte. "The Master of Power Falsetto", Christie hatte bereits bei mehreren Labels Chart-Erfolge erlebt, angefangen bei Co&Ce ("The Gypsy Cried") bis hin zu Hits für Roulette ("Two Faces Have I", "How Many Teardrops" ), Colpix ("Big Time") und MGM ("Lightning Strikes", "Rhapsody In The Rain"). In Buddah, wo er oft Backing-Vocals der ehemaligen Hitmacherin Linda Scott einsetzte, gab Christie dem von Tony Romeo verfassten "I'm Gonna You Mine" einen Kaugummigeschmack und erreichte damit landesweit die Top 10, seinen letzten Hit dieser Größenordnung.

Und es gab noch mehr Buddahs Veröffentlichungsvolumen sprang zu diesem Zeitpunkt ein Quantenniveau, teilweise unterstützt durch ein neues Label, das von Kasenetz und Katz gegründet und von Buddah vertrieben wurde, Super K. Das Label würde nie eine Top-100-Single veröffentlichen, tat es aber seinen Beitrag (?) zur Bubblegum-Parade mit einer K&K-Veröffentlichung "Bubblegum Music" leisten, die als Captain Groovy & His Bubblegum Army in Rechnung gestellt wird.

Zu dieser Zeit muss es bei der Firma ein Gefühl von Dummheit gegeben haben, denn neben all den Kaugummi-Veröffentlichungen punktete die Firma auch mit einer Neuheit namens "Moonflight" von einer Figur namens Vik Venus. Venus war eigentlich WMCA (New York City)-Discjockey Jack Spector, der die Cut-In-Platte kommentierte, die Ausschnitte aus den meisten von Buddahs Bubblegum-Hits enthielt. Das Konzept hatte 1956 mit Buchanan & Goodman ("The Flying Saucer") funktioniert und 1960 ("The Touchables") von Goodman allein 1969, die Neuheitsbehandlung von Spector und der Bande brachte Buddah einen Top-40-Hit ein.

Als Rock und Proto-Heavy Metal begannen, AM- und FM-Radio zu dominieren, waren der Sommer und der Herbst 1969 für Buddah relativ ruhig. Motherlode, eine vierköpfige "Barband" aus Kanada, erzielte im September mit "When I Die" einen Top-20-Hit, das ursprünglich für das lokale (kanadische) Revolution-Label aufgenommen und veröffentlicht und gekauft und (der Legende nach nach einer Anhörung) gekauft wurde ) von Bogart, aber keines der anderen Dutzend Single-Veröffentlichungen aus dieser Zeit machte Lärm. Ein Bereich, in dem das Unternehmen unerwarteten Erfolg hatte, war der LP-Markt. Das erste Album der 1950er-Revival-Gruppe Sha Na Na erblickte das Licht der Welt, der Beginn einer langen (nach musikalischen Maßstäben) erfolgreichen Karriere und ein "Soundtrack" des erhaben lächerlichen World Series-Sieges der New York Mets in diesem Jahr, gerade veröffentlicht Wochen nach dem Sieg Anfang Oktober schaffte es auch die nationalen LP-Charts.

Der anfängliche Erfolg von Sha Na Na war sicherlich zum Teil auf Bogarts energische Förderung der Gruppe lange vor ihrer ersten Veröffentlichung zurückzuführen. Vielleicht die erste "Revival" -Gruppe der 1950er Jahre, die zu einer Zeit gegründet wurde, als die aktuelle Musikszene genug Aufregung produzierte, um fast jede Erinnerung an das vergangene Jahrzehnt zu löschen "Such dir einen Job."

Sha Na Na hat sich darauf spezialisiert, klassische Oldies der 50er Jahre mit ein wenig Attitüde und viel Bühnengeschick wiederzubeleben und eine Theateraufführung im Kostüm einer alten Teenager-Straßengang zu geben. Bogart sorgte dafür, dass die Columbia University-Gruppe eine Reihe von gut publizierten Live-Auftritten hatte, bevor ihre Platten gehört wurden, und sie erregten sowohl bei "The Scene" in New York City als auch bei Fillmore West in Kalifornien einiges an Aufmerksamkeit. Sie traten sogar in der Merv Griffin TV Show auf und hinterließen bei ihrem Auftritt bei Woodstock einen kurzen, aber bleibenden Eindruck. Bogart behauptete später, in den 70er Jahren das 50er-Revival geschaffen zu haben, gelinde gesagt eine weitreichende Sicht der Realität, aber seine Bemühungen brachten dem Unternehmen eine Reihe von anständigen LPs der Gruppe ein, die schließlich selbst ihren eigenen Fernseher erwarben Mitte des Jahrzehnts zeigen.

Kama Sutra wurde im Januar 1970 mit einem neuen Nummerierungssystem (der 500er Serie) wiederbelebt Rockgruppe mit dem zukünftigen Solo-Hitmacher Donnie (Ierace) Iris. Entdeckt in einem Saloon von Joe Rock, dem Manager der Doo-Wop-Gruppe The Skyliners, hatte die Gruppe bereits ein (erfolgloses) Album aufgenommen, das von den Studiolegenden Gamble und Huff produziert wurde, bevor sie mit Kama Sutra an Bord kamen.

Zwei weitere Künstler mit Charterfahrung für andere Labels erzielten in diesem Winter kleinere Hits für Buddah. Die Tokens, die seit 1961 mehrere Charts hatten, am bekanntesten mit "The Lion Sleeps Tonight", und das Syndicate Of Sound, dessen "Little Girl" 1966 ein Hit war, erreichten mit "Don't ." die Top 100 Worry Baby" bzw. "Brown Paper Bag". Und aus der Doo Wop-Ära kamen Veröffentlichungen der legendären Spaniels und eines Arthur Lee Maye, eines professionellen Baseballspielers, der Mitte der 50er Jahre eine Reihe von Gesangsgruppen (vor allem The Crowns) angeführt hatte. Buddah veröffentlichte später Werke von zwei anderen klassischen Doo-Wop-Künstlern, den Paragons und den Five Satins, mit Fred Parris, dem Leadsänger und Autor von "In The Still Of The Night", einem der zwei oder drei beliebtesten Oldies aller Zeiten.

Das Frühjahr 1970 brachte Top-10-Hits von zwei Künstlern, die mit dem Label schöne Läufe genießen würden: Melanie, deren "Lay Down (Candles In The Rain)" mit den prominenten Background-Vocals der Edwin Hawkins Singers bis zu # ging. 6 und The Stairsteps, deren klassischer SoulfuI "Ooh Child" überkreuzt und sowohl in den Pop- als auch in den R&B-Charts gut abschneidet.

Melanie Safkas Geschichte ist zum Teil die Geschichte einer Künstlerin, deren musikalischer Richtungswechsel ihre Anfangsleistungen untergraben hat - zumindest was die angesagte Rockpresse betrifft. Nach einigen vergessenen Veröffentlichungen auf Columbia in den späten 60ern schloss sich Melanie Buddah an und wurde ein weiteres Projekt von Neil Bogart. Melanie hatte eine ungewöhnliche (und kraftvolle) Stimme und hatte bis 1970 eine Reihe von Stilen ausprobiert und begann mit ihrer eigenen Komposition "Beautiful People" auf sich aufmerksam zu machen. Inspiriert von ihrer Erfahrung bei Woodstock, wo sie als eine der neuen Künstlerinnen am Horizont aufgetreten war, entschied sie sich für den Messingring und engagierte die Edwin Hawkins Singers, die aus dem Erfolg von "Oh Happy Day" hervorgingen, und , in einem 8-minütigen Marathon, der schließlich bearbeitet wurde, nahm ihre bahnbrechende Single "Lay Down (Candles In The Rain)" auf. Ihr gleichnamiges Album brachte eine Reihe schöner Songs hervor, von denen "What Have They Done To My Song Ma" von den New Seekers erfolgreich aufgenommen wurde. Eine intensive Interpretation des "Ruby Tuesday" der Rolling Stones und eines weiteren "Blumenkind"-Songs (wie Bogart es gehabt hätte), "Peace Will Come (According To Plan)" folgte "Lay Down". seltene weibliche Folk/Rock-Künstlerin.

Ihr letztes Album für Buddah produzierte eine kleine Hit-Single, die von ihren früheren, spirituell beeinflussten Bemühungen abwich, "The Nickel Song". Danach gründeten sie und ihr Mann ihr eigenes Label, Neighborhood, und ihr erster Versuch - Melanies größter Hit - war das kindliche "Brand New Key". Kaboom! Jegliche Glaubwürdigkeit, die die Künstlerin bei der damaligen Musikpresse durch ihre fünf guten Alben auf Buddah gewonnen hatte, ging mit dieser Veröffentlichung in den Keller, und ironischerweise würde sie sieben Jahre später als "Bubblegum-Act" betrachtet. Bogart, immer der Promoter, veröffentlichte eine LP-Sammlung mit bisher unveröffentlichten Melanie-Songs, komplett mit Scratch-and-Sniff-Sticker, nachdem sie das Label verlassen hatte!

The (Five) Stairsteps, die Chicagoer Familie von Clarence, James, Aloha, Kenneth und Dennis Burke, wurden vom Soul-Giganten Curtis Mayfield produziert und hatten im Vorjahr mit einem anderen Familienmitglied, dem 5-jährigen Cubie, Aufnahmen für sein Curtom-Label verbracht Burke (Mama Burke sang gelegentlich auch mit der Gruppe). Die Gruppe, die Neil Bogart aus seinen Cameo-Parkway-Tagen mitgebracht hatte (sie nahmen damals auf dem Tochterlabel Windy C auf, das Mayfield gehörte), trat 1967-68 auf Buddah auf, sprang nach Curtom (das von Buddah . vertrieben werden sollte). ) für ein Jahr und kehrte dann für "Ooh Child" ohne Cubie nach Buddah zurück. Die Aufnahme war eine der ersten für die in sich geschlossene Gruppe, die nicht von dem erfahrenen Mayfield-Produzenten Stan Vincent, der den Song schrieb, produziert wurde, als Mayfield an seinen vielen anderen Projekten beteiligt wurde.

Diese beiden Hits waren für Buddah für den Rest des Jahres genau das Richtige, da die Nachfolger ihrer etablierten Acts (Christie, The Brooklyn Bridge, The Jaggerz und sogar Melanie) keine Aufregung in den Charts entfachten. Weitere Künstler aus der Vergangenheit versuchten Comebacks auf Buddah, darunter die Chiffons, Bill Haley & The Comets und das One-Shot-Wunder Fantastic Johnny C, alles ohne oder ohne Erfolg.


DIE frühen 70er: Der erste Trockenzauber

Bis 1971 hatte progressiver (Album-)Rock die Pop-Charts, sowohl als Single als auch als LP, fast erobert, und AM-Radio wurde in Bezug auf das Programm zu einer Art "Twilight Zone". Da es im Felsbereich wenig zu bieten hatte, würden Buddah und Kama Sutra in den nächsten zwei Jahren eine ziemliche Dürre überstehen. Anfang 1970 brachte das Label ein paar One-Shot-Hits, beide mit einer etwas religiösen Ausrichtung. Brewer & Shipley (Mike bzw. Tom), ein Country-Folk-Rock-Duett aus Los Angeles, schafften es mit ihrem halbkontroversen "One Toke Over The Line (Sweet Jesus)" in die Top 10, wahrscheinlich der erste AM-Hit, auf den direkt Bezug genommen wurde das Killerkraut. Die Aufnahme prahlte leise mit den Steelgitarren-Talenten des Grateful Dead-Anführers Jerry Garcia. Zur gleichen Zeit punktete eine andere kanadische Gruppe, Ocean (angeführt von Sängerin Janice Morgan), mit dem quasi-religiösen, quasi-hippischen „Put Your Hand In The Hand“. Das Lied wurde von Gene MacLellan geschrieben, der auch Anne Murrays späteren Hit "Snowbird" geschrieben hat.

Eine weitere bemerkenswerte Single stammt aus Buddah Anfang '71, ein zweiseitiges Juwel ("Two By Two" s/w "Love Songs In The Night") von Steve Martin, dem ursprünglichen Leadsänger der Left Banke ("Walk Auswärts Renee", "Hübsche Ballerina"). Obwohl es als Solo-Auftritt in Rechnung gestellt wurde, traten drei der vier anderen Mitglieder der Left Banke auf (einschließlich des Leaders/Songwriters Michael Brown, der Kama Sutra ein paar Jahre später mit seiner Gruppe Stories einige Erfolge bescherte) und wurde erwähnt kritisch als die ultimative Left Banke-Single. Es endete schließlich auf einer von Kama Sutras seltsameren LP-Veröffentlichungen, dem Soundtrack zu Andy Warhols "Hot Parts"-Film.

Im Sommer 1971 wurde die erste Veröffentlichung der zukünftigen Kult-Retro-Gruppe Flamin' Groovies produziert, während der Folk-Geselle Steve Goodman seinen bekanntesten Song "The City Of New Orleans" schrieb und aufnahm. Der 60er-Folkie Arlo Guthrie würde im nächsten Jahr einen Top-20-Hit damit haben, während Goodmans Original nur bis in die berüchtigten "Bubbling Under The Top 100"-Charts kam. Sha Na Na knackte diese Top-100-Liste mit "Top 40 Of The Lord" und setzte damit Buddahs quasi-religiöse Kampagne fort, und der Country-Rebellen-Künstler Charlie Daniels sah seine erste Veröffentlichung auf Kama Sutra. Der einzige "Hit", den die Labels für den Rest des Jahres genießen würden, kam wieder von einer seltsamen LP-Veröffentlichung. Komiker/Impressionist David Fryes satirisches Album Richard Nixon: Superstar. Das Album erzeugte eine Menge Publicity und für eine Weile schien Frye, dessen karikaturistischer Eindruck vom ehemaligen Präsidenten verheerend war, nach 18 Uhr in jeder Fernsehsendung zu sein! Zwei Jahre später punktete er erneut (wenn auch nicht ganz so gut) mit Richard Nixon: A Fantasy.

1972 entstanden eine Reihe interessanter Gruppen, von denen jedoch keine in diesem Jahr große Hits erzielen würde. Ex-Left Banke-Chef Michael Brown gründete eine neue Gruppe, Stories, die mit "I'm Comin' Home" einen kleinen Hit und eine respektable erste LP beisteuerten. Eine weitere Kult-Retro-Gruppe, Al Andersons NRBQ (das New Rhythm'N'Blues Quartet), begann nach einem gefeierten, aber unprofitablen Lauf mit Columbia, für Buddah aufzunehmen, und der zukünftige Disco-König Van McCoy sah einige 1971er Aufnahmen auf Singles und einer obskuren LP. Die McCoy-Aufnahmen wurden einige Jahre später auf Buddah neu verpackt, nachdem er mit "The Hustle" auf einem anderen Label die Disco-Bewegung mit ins Leben gerufen hatte, das als Disco-Album ("From Disco With Love") vermarktet wurde, obwohl die Aufnahmen nicht " Disco"-Schnitte per se.

Ein anderer Künstler, der in der Disco-Ära prominent zu hören war, The Trammps, trat 72 auf Buddah auf und erreichte die R&B Top 20 mit einem Remake des Coasters-Remakes des Pop-Evergreens "Zing Went The Strings Of My Heart". Jahre später überredete Ingenieur Tom Moulton Art Kass, die frühen Trammps-Aufnahmen auf einem Album mit dem Titel The Legendary Zing Album zu veröffentlichen, was darauf hindeutete, dass es eine seltene frühere Pressung neu auflegte, was natürlich nicht der Fall war. Die Trammps würden später in diesem Jahr auch mit einem weiteren Remake, dem Klassiker "Sixty Minute Man" der Dominoes, einen kleinen Hit erzielen. Der Rest von '72 würde nur einen Top-40-Hit hervorbringen, die erfahrene Soul-Sängerin Barbara Mason "Give Me Your Love".

Wenn Buddah und Kama Sutra mit ihren eigenen Veröffentlichungen einen Trockenlauf erlebten, konnten sie zumindest an ihre Vertriebsverträge anknüpfen. Arrangements mit Hot Wax (The Honey Cone, etc.), Sussex (Bill Withers) und Curtis Mayfields Curtom-Label (Mayfield, the Staple Singers, the Stairsteps) lieferten in den frühen 70er Jahren mehr als ihren Anteil an Pop- und R&B-Hits für Buddah Sie gipfelt vielleicht in Mayfields eigenen Mega-Hits "Freddie's Dead" und "Superfly".

Mayfields Name ist vielleicht am besten für diese beiden großen Funk-Hits bekannt, aber sein Star stieg zuerst als einer der Anführer der legendären Gesangsgruppe The Impressions auf, die auch für Curtom aufnahm und ursprünglich Soul-Star Jerry Butler als Leadsänger in der Ende der 50er Jahre.Ein Renaissance-Mann im wahrsten Sinne des Wortes - er war gleichzeitig Sänger, Gitarrist, Songwriter, Talentscout, Produzent und Labelbesitzer/-geschäftsführer - Mayfield war 1958 an der Geburt der "Soul Music" beteiligt und genoss ähnliches Erfolg in den 60er Jahren mit Hits wie "People Get Ready", "Gypsy Woman" und "It's All Right". Mayfield arbeitete auch mit Butler an einer Reihe seiner Hits (er sang Harmonie bei "He Will Break Your Heart" zum Beispiel) und mit Gene Chandler bei Constellation und schrieb Major Lances großen Hit "The Monkey Time" (mit dem Impressions-Gesang). Hintergrund!).

Während seiner Zeit bei ABC Records (mit den Impressions) gründete Mayfield sein eigenes Label Curtom, als der ABC-Deal auslief, brachte er das Label zuerst zu Cameo/Parkway und dann, nach Neil Bogarts Umzug, zum Vertrieb nach Buddah. Über Bogart hat Mayfield gesagt:

"Er war ein Mann, den man in der Branche respektieren musste. Ich erinnere mich an das erste Mal mit Neil, noch vor Buddah. Er kam zu mir, wir setzten uns in ein Restaurant. Er war total pleite. Er stellte mir Fragen, wie es geht sich selbst zurechtfinden, wie man sich selbst findet. Im nächsten Jahr oder so war er Millionär."

In den frühen 70er Jahren gab es eine neue Form der Filmunterhaltung, im Volksmund "BIaxploitation Films" genannt, die erstmals mit Richard Roundtrees Auftritt als Super-Cop/Stud John Shaft Erfolg hatte. "Superfly", 1972 veröffentlicht, war einer der größten des Genres und lieferte sowohl die Top-10-Hits "Superfly" als auch "Freddie's Dead". Das Drehbuch hatte der Autor 1971 im Lincoln Center, wo er zu dieser Zeit auftrat, nach Mayfield gebracht. "Ich habe das Drehbuch an diesem Abend gelesen. Die nächsten zwei oder drei Tage war ich zu Hause und habe Superfly geschrieben." "Freddie's Dead", die erste Single der LP, war auch einer der ersten Anti-Drogen-Songs, die im AM-Radio punkten konnten, und zwar zu einer Zeit, als viele White-Rock-Gruppen die Tugenden dieser Praxis rühmten. Mayfield arrangierte später den Soundtrack für andere Filme, darunter A Piece Of The Action und Claudine, die den Titelhit von Gladys Knight & The Pips enthielt.

Das in Detroit ansässige Hot Wax/Invictus-Unternehmen wurde 1969 von den ehemaligen Motown-Songwritern/Produzenten Lamont Dozier, Brian Holland und Eddie Holland gegründet, die alle eine wichtige Rolle beim Erfolg der Four Tops und Supremes neben anderen Motown-Acts gespielt hatten . Der erste Act, den sie für ihr neues Label Hot Wax unterschrieben, war The Honey Cone, ein Trio junger Background-Sänger wie die Blossoms, die mit früheren Gesangserfahrungen kamen. Carolyn Willis war eine der Freundinnen, die 1964 eine großartige Spector-ähnliche Single für Colpix schnitten, "My One And Only Jimmy Boy". Edna Wright, die Schwester von Spector-Sängerin Darlene Love, war eine Raelette, die Ray Charles unterstützte, und hatte mit Darlene Love als Mitglied der Blossoms gesungen, der Quintessenz der Studio-Girlgroup. Shellie Clark war eine Ikette gewesen (wer war das nicht?) und hatte alle von Little Richard bis Jim Nabors unterstützt! Zusammen mit "General" Norman Johnson (der nicht nur für das Honey Cone schrieb und produzierte, sondern auch eigene Hits komponierte und als Leadsänger der Chairmen Of The Board auf Invictus fungierte) starteten sie mit dem Label Hot Wax fulminant durch. ein Trio von R&B-Hits, bevor er 1971 mit einem weiteren Trio von Top-20-Pop-Hits den Pop brach. "Want Ads" landete in beiden Märkten auf Platz 1 "Stick-Up", ihre Sommer '71-Veröffentlichung, war eine weitere Nummer 1 der R&B-Charter, und "One Monkey Don't Stop No Show", ein alter Blues-Standard, erreichte ebenfalls die besten - Verkäuferstatus. The Honey Cone gehörten zu den ersten weiblichen Künstlern, die eine aggressive, befreite Haltung auf Schallplatten eingenommen haben, und ihre Botschaft spielte beim Plattenkäufer der frühen 70er Jahre gut an.

Es ist vielleicht keine Überraschung, dass HDH Joe Stubbs, den Bruder des Leadsängers der Four Tops, Levi Stubbs und Sänger des Falcons-Hits "You're So Fine" von 1959, rekrutieren würde, um sich einer anderen Detroiter Vokalgruppe anzuschließen, der ungewöhnlich- genannt 100 Proof Aged In Soul, für ihr Hot Wax-Unternehmen. Stubbs, zusammen mit Clyde Wilson (der, wie Steve Mancha Mitte der 60er Jahre ein paar kleinere R&B-Hits erzielt hatte) und Eddie Anderson würden dem Label mit ihrem rockigen, auf Kinderliedern basierenden Pop- und R&B-Hit einen Top-10-Hit bescheren "Jemand hat geschlafen (in meinem Bett)" Mitte der 1970er Jahre. Es war offensichtlich, dass Dozier und die Holland Brothers nichts von ihrer Berührung verloren hatten, die sie vor einigen Jahren in Motown so oft gezeigt hatten.

Ein weiteres von Buddah vertriebenes Unternehmen, Sussex Records, war die Heimat des wohl erfolgreichsten schwarzen Folksängers der letzten 20 Jahre, Bill Withers. Zum Zeitpunkt seines ersten Hits, dem atemberaubenden "Ain't No Sunshine" (produziert und mit Booker T. & den meisten The MG's), erlangte Withers viel Aufmerksamkeit durch die Tatsache, dass er seit Jahren Toiletten in Flugzeugen installierte Leben. Das wäre, wie sich herausstellte, nicht seine einzige Fähigkeit, mit der der Song einen Grammy gewinnen würde. Withers, ein begnadeter Songwriter sowie ein einnehmender – und einzigartig unprätentiöser – Sänger und Performer, schrieb und nahm eine lange Reihe von Hits für Sussex auf, darunter seinen flächendeckenden #1-Smash „Lean On Me“ in ' 72. 1981, zehn Jahre nach seinem ersten Hit, hatte Wither mit Grover Washington Jr. bei "Just The Two Of Us" einen weiteren Doppelmarkt-Hit.


MITTE der 70er: Gladys Knight betreten

Bereits 1952 hatte die kleine Gladys Knight in diesem Jahr professionell vor der Öffentlichkeit aufgetreten, sie gewann $2.000 (nicht schlecht für einen 8-Jährigen!), indem sie den beliebten Ted Mack Amateur Hour-Wettbewerb gewann. 1961, als sie noch ein Teenager war, nahm sie mit einer Gesangsgruppe aus ihrem Bruder und zwei Cousins ​​(The Pips) einen alten R&B-Standard auf, der erstmals 52 von den Royals eingeführt wurde, Johnny Otis' "Every Beat Of My Heart". Nach seiner ersten Veröffentlichung auf einem kleinen lokalen Label, Huntom, wurde der Song von zwei größeren Labels, Fury und Vee Jay, für den nationalen Vertrieb abgeholt (erstere mit einer Neuaufnahme, die Monate nach dem Original gemacht wurde). Die Platte wurde ein großer Pop- und R&B-Hit für die Gruppe und stellte Knight dem Teenagerpublikum vor. Nach einigen weiteren kleineren Veröffentlichungen landete die Gruppe auf einer Motown-Tour und wurde eingeladen, für das Label aufzunehmen. mit überwältigenden Ergebnissen. "I Heard It Through The Grapevine" von 1967 etablierte die Gruppe bei den Massen, und die Folgehits "The End Of Our Road". "Friendship Train", "If I Were Your Woman" und der Klassiker "Neither One Of Us (Wants To Be The First To Say Goodbye)" stellen sie in eine starke Konkurrenz mit den Supremes um den Thron als Motowns #1-Gruppe der Ende der 60er und Anfang der 70er Jahre.

So wie Neil Bogart Buddah verlassen würde, um sein eigenes Label Casablanca zu gründen (und Sie können die bizarre Geschichte seiner Abenteuer mit diesem Label, dessen Hauptkünstler Kiss und Donna Summer waren, in Frederick B. Dannens faszinierendem Buch Hit Men lesen), Gladys & The Pips' Vertrag mit Motown endete – und das Timing könnte nicht besser sein. Irgendwann Anfang der 70er Jahre war Art Kass allein für Buddahs Schicksal verantwortlich Bild. Kass machte der Gruppe ein Angebot, das sie nicht ablehnen konnten, und Buddah fügte ihrem Kader die erfolgreichste Gruppe der 70er Jahre hinzu.

Kass hat der Gruppe viel versprochen und sich sehr bemüht, seine Investition zu unterstützen. Er erlaubte der Gruppe, bei der Produktion ihres ersten Albums mitzureden, das eine Reihe von Pop- und R&B-Hits hervorbrachte, und nutzte seine Verbindungen, um der Gruppe auch erstklassige Produzenten und Songwriter zur Verfügung zu stellen. Knights erste Veröffentlichung auf dem Label war "Where Peaceful Waters Flow", die die Pop-Top 30 und die R&B-Top 10 knackte und für den Rest des Jahrzehnts eine unglaubliche Reihe von Hits in beiden Charts startete. Die nächste Veröffentlichung der Gruppe im Sommer 1973 sollte einer der größten Hits des gesamten Jahrzehnts werden und sicherlich ihr größter - "Midnight Train To Georgia", der das seltene Kunststück vollbrachte, sowohl in den weißen als auch in den schwarzen Charts Platz 1 zu erreichen. Geschrieben von Ex-Mississippi All American Quarterback Jim Weatherly (der 1974 auch einen One-Shot-Hit mit einer ungewöhnlichen Easy-Listening-Leistung aufnehmen würde, "The Need To Be"), hieß der Song ursprünglich "Midnight Train To Houston" und Cissy Houston, Whitneys Mutter, nahm eine gleichzeitige Version auf, die mit der Version von Pips konkurrierte, aber ziemlich leicht verlor. In diesem Herbst folgte die Gruppe mit einem weiteren Monster-Zwei-Markt-Hit, "I've Got To Use My Imagination", und folgte im nächsten Jahr mit zwei weiteren Hits, "On And On" und Weatherlys "The Best Thing That Ever Happened". Mir." Danach würde ihre Wirkung im R&B-Bereich stark bleiben, aber in der Popwelt leicht abnehmen. Knight und die Gruppe zerstritten sich Ende der 70er Jahre, machten aber bis in die späten 80er Jahre Chartrekorde und setzten diese fort!

Auch an anderen Fronten lief es gut für Kass. Gunhill Road aus der Bronx (Glen Leopolo, Gil Roman und Steve Goldrich) landete mit der Pop-Neuheit "Back When My Hair Was Short" einen One-Shot-Hit, und Stories, die vierköpfige Rockgruppe, die von Michael Brown zusammengestellt wurde, wurde aufgenommen eine außergewöhnliche Pop-LP (Stories About Us) Anfang des Jahres. In diesem April – nachdem Brown auf eigene Faust gegangen war – coverten sie einen englischen Hit der britischen Gruppe Hot Chocolate namens „Brother Louie“. Mit einem Refrain, der von der anhaltenden Popularität von "Louie Louie" der Kingsmen profitierte, und einem Thema (eine Liebesaffäre zwischen den Rassen), das sogar 1973 heiß war, schoss der Song auf Platz 1 der Pop-Charts und brachte einige Anerkennung zu Leadsänger Lan Lloyd, der sich von diesem Zeitpunkt an die Co-Billing mit der Gruppe teilen würde. Der nächste Versuch der Gruppe, "Mammy Blue", würde nur Platz 50 erreichen und nachfolgende Veröffentlichungen erreichten nicht einmal diese Höhe. Charlie Daniels steuerte zu dieser Zeit auch seinen ersten Hit "Uneasy Rider" bei, der landesweit auf Platz 9 landete.

1974 war es für das Label abgekühlt. Buddah konzentrierte sich auf Veröffentlichungen von schwarzer Musik und bot eine Fülle von Aufnahmen von einer Reihe neuer Gruppen (Exuma, the Modulations, Monda, Sasha, Funkhouse Express, the Futures, Midnight Movers Unltd., etc.) ohne viel Erfolg. Die Pips hielten ihre Position in der R&B-Welt mit der Hit-Soundtrack-LP aus dem von Mayfield produzierten Film Claudine, aber abgesehen von Barbara Masons "From His Woman To You", der auf Platz 3 des R&B ging und die Top 30 des Pops knackte Charts im Herbst, die Veröffentlichungen des Labels versteiften sogar Comeback-Bemühungen von Rod McKuen und den Ronettes (getrennt!) scheiterten.

Barbara Mason hatte 1965 mit ihrem selbstgeschriebenen, sexy/unschuldigen "Yes, I'm Ready" (das sie 1975 neu aufnehmen und mit mäßigem Erfolg für Buddah einen mäßigen Erfolg erzielte) einen Top-10-Hit erzielt und einen kleinen Comeback in den R&B-Charts, beginnend mit dem Label National General, einem von Buddah vertriebenen Filmlabel, das 1970 vertrieben wurde. Sie schrieb und nahm in den 70er Jahren eine Reihe feiner, gefühlvoller Balladen mit ihrer sofort identifizierbaren Stimme für Buddah auf, von denen " From His Woman To You" war an der Kasse am erfolgreichsten.

Im Winter 1974/75 ging es sowohl an der Schwarz- als auch an der Weiß-Front leicht aufwärts. Charlie Daniels produzierte seinen größten Hit, The South's Donna Do It Again" für Kama Sutra, während Sha Na Na, in erster Linie eine Album- und Live-Performance-Gruppe, ihren größten Single-Hit mit einem Remake des 1964er Hits "Just Like Romeo" erzielte und Julia." Die Nachfolge-Singles der Gruppe sollten die letzten sein, die auf Kama Sutra veröffentlicht wurden, und das Label wurde Mitte der 75er wieder geschlossen, nur um Anfang der 80er Jahre als einfaches Sutra wiederbelebt zu werden. In diesem Frühjahr , Gladys Knight & The Pips genossen ihren letzten großen Crossover-Hit „The Way We Were“ und die ungewöhnliche Gruppe New Birth führte mit ihrer Single „Dream Merchant“ die R&B-Charts an riesige, 17-köpfige Ansammlung, die die Instrumentalband The Nite-liters enthielt und gemeinsam als New Birth, Inc., New Birth the Group (Londee Loren, Bobby Downs, Melvin Wilson, Leslie Wilson, Ann Began und Alan Frye) bekannt war Mit ihrer nachfolgenden Blind Baby LP erzielten sie gute Platzierungen in den Albumcharts ddah ähnelte einem kurzen Zwischenstopp, den sie die letzten 3 Jahre bei RCA verbracht hatten, eine Reihe von R&B-Hits komponierten und später zu Warner Brothers gingen, nachdem sie weniger als ein Jahr mit Kass und Co. verbracht hatten. Auch das Comedy-Album Dyn-O-Mite von TV-Star Jimmie Walker, benannt nach einer seiner Lieblingsphrasen in der Erfolgssendung Good Times, verkaufte sich zu dieser Zeit gut auf dem LP-Markt.


DIE SPÄTEN 70ER JAHRE: Hallo, Norman.

Der Sommer 1975 war für Buddah ein relativ ruhiger Sommer, die einzigen bemerkenswerten Nicht-Gladys Knight-Singles waren "Everybody Stand Up And Clap Your Hands" von der ehemaligen Doo-Wop-Legende Fred Parris und die Five Satins (von "In The Still Of The Nite "Ruhm), umbenannt in Black Satin, und der Trammps Top 40-Hit "Hold Back The Night". Die Trammps hatten mit ihrer ersten Aufnahme für Buddah drei Jahre zuvor einen R&B-Hit erzielt und später natürlich mit ihrem Hit aus dem Soundtrack zum Saturday Night Fever-Film "Disco Inferno (Burn, Baby, Burn)" das nationale Rampenlicht erobert.

Von größerer Bedeutung war der Aufstieg eines Norman Connors, der nach einem Wechsel in der musikalischen Richtung für den Rest des Jahrzehnts der interne Musikdirektor des Labels wurde. Als Schlagzeuger von Beruf – er hatte unter anderem mit John Coltrane, Miles Davis und Phraoh Saunders gespielt – war sein größter Beitrag zu Buddah sein Gespür für Talente, und dank ihm konnte das Label gegründet werden Karrieren unter anderem für Phyllis Hyman, Michael Henderson, Dee Dee Bridgewater und Aquarian Dream. Connors hatte seit 1972 für Buddah aufgenommen, hauptsächlich auf ihrem Jazz-Tochterlabel Cobblestone. Seine erste Single in einem R&B-Modus, "Valentine Love", mit Henderson (der den Song schrieb) und Jean Carn am Gesang und würde die R&B Top 10 knacken, die Mitte 76 fallen würde als Aufnahmekünstler und Produzent.

Dieser Herbst produzierte auch einen Out-of-left-field-Hit von Curtis Mayfields Curtom-Label – das "Let's Do It Again" von Staple Singer. Die wohl beliebteste Gospelgruppe der 50er und 60er Jahre, die Familiengruppe Roebuck "Pops" Staples und seine Töchter Mavis, Cleotha und Yvonne, die ihren Bruder Pervis ersetzten, nahmen seit 1953 religiöse Musik auf, am erfolgreichsten für Vee Jay Ende der 50er Jahre. Ihre beliebtesten säkularen Aufnahmen wurden in den frühen 70er Jahren für Stax aufgenommen, insbesondere der Dual-Market-#l-Hit "I'II Take You There" von 1972 und der #1 R&B-Hit "If You're Ready (Come Go With Me )" im Jahr 1973. Als Stax '75 aufgab, machte die Gruppe bei Curtom halt, um den Titelschnitt aus dem Sidney Poitier/Bill Cosby-Film Let's Do It Again zu rendern. und hatte einen weiteren Double-Chart #1-Hit. Eine weitere Aufnahme für den Soundtrack, "New Orleans", erreichte ebenfalls die Top 10 der R&B-Charts, und Leadsängerin Mavis Staples hatte zwei Jahre später mit "A Piece Of The Action" einen kleinen R&B-Hit für Curtom.

Im Juni war das neue Line-Up bei Buddah fast komplett. Primäre Veröffentlichungen kamen von Connors, dessen Album You Are My Starship (wiederum geschrieben und gesungen von Henderson) nicht nur einen gleichnamigen Smash-Hit produzierte, sondern auch in den Album-Charts landete. Melba Moore steuerte ihren größten Hit bei, eine Version von Bill Withers' "Lean On Me", und Michael Henderson hatte mit seiner ersten LP Solid einen kleinen Hit. Henderson, der auch Bass spielte und seit Mitte der 60er Jahre mit dem Instrument auf Tour war, hat Norman Connors meistens seinen Gesang zur Seite gestellt. In diesem Herbst würden sowohl Melba Moore als auch eine neue von Connors produzierte Gruppe Aquarian Dream erfolgreiche Alben veröffentlichen.

Bis 1977 hatte sich die Buddah-Künstlerliste auf einen kleinen Kern von Künstlern beschränkt, angeführt von Connors, Henderson, Moore und Drossel Phyllis Hyman bis zu ihrem Untergang im Jahr 1983, das Label bot nur wenige neue Acts an, um Connors und seine Crew zu ergänzen. Buddah genoss einen einmaligen Disco-Hit von erfahrenen Songwritern/Performern, den Addrisi Brothers, deren "Slow Dancin' Don't Turn Me On" in diesem Frühjahr auf Platz 20 der Pop-Charts landete. Ihr erster Kontakt mit der Branche war 1959 gekommen, als sie mit "Cherrystone" auf Del-Fi einen leichten Pop-Hit landeten und in den 1960er Jahren Hits für Gruppen wie die Association ("Never My Love") schrieben. Phyllis Hyman, die auf Connors' Starship-Album debütierte, erzielte im April mit "Loving You/Losing You" ihren ersten R&B-Hit, und Connors folgte mit dem Top-20-R&B-Eintrag "Once I've Been There".

Für den Rest von '77 und den größten Teil von '78 konzentrierte sich Buddah auf Veröffentlichungen von Moore, Gladys Knight (die in der R&B-Welt immer noch gut in den Charts war) und Henderson, der Mitte '78 den letzten Top-40-Hit des Labels mit " In der Nachtzeit." 1979 schien Buddah Michael Henderson und sonst wenig zu sein, obwohl Sängerin Rena Scott in diesem Sommer mit "Super Lover" einen kleinen R&B-Hit hatte. Das Label war in den ersten sechs Monaten des Jahres 1980 inaktiv, um im Sommer mit Michael Hendersons R&B-Smash-Hit (und -Album) "Wide Receiver" zurückzukommen, in dem der vielseitig talentierte Musiker seinen Teddy-Pendergast-Stil über Bord geworfen hat In diesem Herbst erzielte der letzte neue Künstler, der bei Buddah präsentiert wurde, Robert Winters & Fall (eine zweiköpfige Backup-Gruppe), mit "Magic Man" einen R&B-Hit (und eine darauffolgende Hit-LP), aber 1981 wurden nur Veröffentlichungen ( und moderate R&B-Hits) von Michael Henderson. Anfang 1982 wurde das Label Sutra gegründet und sah im ersten Jahr einige Dutzend Veröffentlichungen, aber Buddah bot nichts bis zum Frühjahr 1983, als Michael Hendersons "Fickle" ein R&B-Hit wurde. Es wäre praktisch das Ende von Buddah als Etikett.

Sutra machte weiter dank der Unterzeichnung einer der ersten und wichtigsten Rap-Gruppen, The Fat Boys, drei Jungs (Darren "The Human Beat Box" Robinson, Mark "Prince Markie Dee" Morales und Damon "Kool Rock-ski" Wimbley ) aus Brooklyn, die zusammen fast 800 Pfund wogen. Im Frühjahr 1984 veröffentlichte Sutra die Single "Fat Boys" der Gruppe unter dem Namen The Disco 3, die unmittelbar danach den Namen ihres Hits annehmen sollte. Die folgenden Singles "Jailhouse Rap", "Can You Feel It", "The Fat Boys Are Back", "Don't Be Stupid" und "Sex Machine" erlebten alle unterschiedlichen Erfolg in den R&B-Charts bis 1986, als die Gruppe schließlich sprang Etiketten. Zu diesem Zeitpunkt hatte Kass große finanzielle Probleme und das Buddah-Label und der Back-Katalog wurden an die Essex Entertainment-Gruppe verkauft.

Zusammen produzierten die Labels Kama Sutra und Buddah fast hundert Top-40-Pop-Hits und mindestens halb so viele zusätzliche R&B-Chart-Hits – eine beeindruckende Erfolgsbilanz angesichts der Größe der Unternehmen und der Anzahl der von ihnen veröffentlichten Platten. Während Major Labels oft 20 oder 30 Veröffentlichungen in der Hoffnung verwarfen, eine einzige Chartplatzierung zu erreichen, erreichten Kama Sutra und Buddah ein Verhältnis von einem Chart-Hit auf etwa 5 Veröffentlichungen! In Anbetracht der Tatsache, dass das Repertoire des Labels von vier einzigartig unterschiedlichen Persönlichkeiten (Ripp, Bogart, Kass und Connors) geleitet wurde, die meistverkaufte Aufnahmen in einer Reihe ebenso unterschiedlicher Musikformen produzierten, sticht die Buddah-Operation als eine der erfolgreichsten heraus - - und am ungewöhnlichsten - unabhängige Plattenfirmen der letzten 40 Jahre.


Hinweis: Zu den von Bob Hyde verwendeten Quellen für einige der Informationen in der obigen Geschichte gehören: "The Anders & Poncia Story" von Brian Gari, The Billboard Book Of One Hit Wonders von Wayne Jancik, "Wayne Jones Talks To Sha Na Na" von Wayne Jones (Goldmine Magazine), "Curtis Mayfield - The 12th Interview" von Steve Propes (Goldmine Magazine), Joel Whitburns Top R&B Singles 1942-1988, Joel Whitburns Top Pop Singles 1955-1990 und "Pittsburghs Most Favored Falsetto - Lou Christie" von Harry Young (Goldmine Magazine. ). Die obige Geschichte erschien zuerst als Liner Notes zu dem ausgezeichneten ESX Entertainment/Buddah Records 3-CD Box Set The Buddah Box [ESX ESD-7060], das 1993 veröffentlicht wurde.


Epilog 2005
Von Mike Callahan und Patrice Eyries

In den Jahren, seit Bob Hyde die obige Geschichte für die Liner Notes zu The Buddah Box geschrieben hat, hat Essex Entertainment Buddah Records an BMG Special Products verkauft. BMG begann im April 1996 mit der Neuauflage von Buddah/Kama-Sutra-Material auf mehreren CDs. Irgendwann blieb die Idee, dass "Buddah" eine falsche Schreibweise von "Buddha" war, anscheinend in jemandem stecken, da BMG das Label 1999 mit die neue (richtige) Schreibweise "Buddha".

Natürlich war die falsche Schreibweise von Buddah – ob beabsichtigt oder nicht von den ursprünglichen Gründern des Labels – nicht das einzige Merkwürdige an dem ursprünglichen Namen und Logo von Buddah. Das erste Label und Logo verwendet eine Shiva-Indianer-Statue, keine Buddha-Statue, als Logo! Dies wurde schließlich korrigiert, als das Label zu dem in der Disco-Ära beliebten braunen Label wechselte.

Zurück zu den frühen Tagen des Buddah-Labels waren die frühen Erfolge hauptsächlich das, was als "Bubblegum-Musik" bezeichnet wurde. Einige könnten sagen, dass die offizielle Geburtsstunde der "Bubblegum-Musik" aus dem Treffen von Neil Bogart, damals Executive von Cameo Records, mit Jeffrey Katz & Jerry Kasenetz, einem Produktionsteam unter dem Banner von Super K Productions, kam. Katz und Kasenetz hatten sich an der University of Arizona kennengelernt (wo sie Fußballstipendien erhielten) und begannen kurz darauf ihre Musikkarriere als Manager in Greenwich Village. Als sie den Erfolg der ersten Monkees-Singles und der Tommy James & the Shondells-Singles durch andere Produzenten miterlebten, beschlossen sie, etwas selbst zu machen und fuhren fort, Platten für Cameo Records zu produzieren. Die ersten Beispiele des Bubblegum-Genres werden normalerweise als "Beg, Borrow And Steal" der Rare Breed (Attack 1401 und, als Ohio Express, Cameo 483) und "Come And Take A Ride In My Boat" (Attack 1403, abgedeckt) zitiert erfolgreich von Every Mother's Son im Jahr 1967) und "Little Bit O' Soul" von Music Explosion (Laurie 3380). Als Neil Bogart 1967 Cameo verließ, um zu Buddah Records zu wechseln, brachte er das Team von Kasenetz & Katz mit. Dort würden die drei den Kaugummi-Sound zu einer feinen Kante schleifen.

Obwohl die Künstler und die Plattenfirma mit dem Verkauf dieser Melodien viel Geld verdienten, mochten die Künstler selbst die Musik selten und vor allem mochten sie es nicht, als "Bubblegum-Künstler" bekannt zu sein. Die 1910 Fruitgum Company zum Beispiel war dafür bekannt, dass sie (mindestens einmal) ihren Auftritt damit begann, dass der Sänger mit Noten zu einem ihrer Hits herauskam, die er auf einem Notenständer vor sich hinlegte. Als er anfing zu singen, griff er bald frustriert nach den Noten, schneuzte sich daran und warf sie weg. Die Band startete dann in viel härtere Musik, die die Band bevorzugte.

Der Ohio Express, wie uns ein Fan schrieb, „waren ursprünglich eine Killer-Teenager-Band aus Ohio namens Sir Timothy and the Royals mit Bühnentanzschritten und Comedy. Ein echter Live-Act, überhaupt kein Kaugummi! Jim Phlayer war ein großartiger Schausteller und war urkomisch, als ich sie 66 und 67 in Columbus sah. Damals waren sie in Zentral-Ohio sehr beliebt."

Dean Kastran vom Ohio Express schrieb uns die folgende Notiz mit einer gemeinsamen Geschichte. „Hallo, mein Name ist Dean Kastran und ich bin der ursprüngliche Bassist und einer von drei ursprünglichen Leadsängern in der Band für den Rest sprechen), um missverstanden zu werden. Zum Beispiel hatten K&K und Joey Levine absolut nichts mit der Gründung oder Rekrutierung der Musiker des ursprünglichen Ohio Express zu tun. Die Band war ursprünglich sehr beliebt und weithin bekannt aus Ohio als Sir Timothy & the Royals. Die Änderung des Namens, nicht des Personals, wurde von K&K vorgenommen, um die totale Kontrolle über die Interessen der Band zu erlangen und schließlich fünf Jungen aus dem Mittleren Westen auszunutzen. Es gab keine Änderung. Personal nach den Nachfolgeliedern zu Beg, Borrow & Steal.' Was tatsächlich folgte, waren zusätzliche Lügen, gebrochene Versprechen und das Zurückhalten von Geld."

Die Lemon Pipers, eine Gruppe aus Oxford, Ohio, hatten einige Jahre lang die erste und einzige Hit-Platte von Buddah #1, "Green Tambourine". Die Lemon Pipers mochten das Lied angeblich nicht, aber es erwies sich als der einzige große Hit der Gruppe. Die Lemon Pipers werden heutzutage dafür belohnt, dass sie nicht mit Bubblegum-Musik in Verbindung gebracht werden wollen, wobei ihre beiden Alben oft in "psychedelischen" Diskografien anstatt in "Bubblegum"-Discografien zitiert werden.

Die Worte zu "Green Tambourine" wurden von Shelley Pinz geschrieben, einer Anfängerin, die sich mit Paul Leka zusammenschloss, um die Worte zu vertonen (und schließlich das Lied zu produzieren). Das fertige Werk wurde von einem Buddah-Mitarbeiter gehört (die Geschichte besagt, dass diese Person später unter dem Namen Gary Katz erfolgreich werden sollte – keine Beziehung zu Jeffrey – dem berühmten Steely-Dan-Produzenten), der wiederum das Band zu Neil Bogart brachte . Leka und Pinz arbeiteten später mit der Decca-Band Peppermint Rainbow und verwendeten den Backing-Track der Lemon Pipers zu "Green Tambourine" für ein Remake von Peppermint Rainbow auf ihrem Debütalbum Mitte 1969.

Anscheinend lebte Kaugummi, nachdem Kaugummi "gestorben" war, auf subtile Weise weiter (Bobby Sherman und die Partridge Family sind Künstler, die in den 1970er Jahren offensichtlich ein ähnliches jugendliches Publikum ansprachen). Joey Levines "Life Is a Rock" (als Reunion) aus dem Jahr 1974 hat das Genre sicherlich am Leben erhalten, auch wenn es eine anerkannte Retro-Platte war. Die Geschichte schloss sich, als das Kaugummi-Rezept aus einfachen Worten, eingängigen Titeln und hämmerndem Beat Jahre später von Beserkley Records mit seinem Spitballs-Album aktualisiert wurde, produziert von Kenny Laguna, der bereits Songs für die Lemon Pipers und den Ohio Express geschrieben hatte . In den späten 1980er Jahren fanden überraschte Oldies-Discjockeys die Bubblegum-Platten oft als die am meisten nachgefragten Nummern für das Publikum in den 30ern und 40ern!

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5. Mary Wollstonecraft Shelley

Als einziges Kind der berühmten Feministin Mary Wollstonecraft und des Philosophen und Romanciers William Godwin, beides einflussreiche Stimmen im England der Romantik, verliebte sich Mary Wollstonecraft Godwin in den Dichter Percy Bysshe Shelley, als sie erst 16 Jahre alt war und unglücklich verheiratet war. Im Sommer 1816 lebte das Paar mit Shelleys Freund und Dichterkollegen, dem schneidigen und skandalösen Lord Byron, in Byrons Villa in der Schweiz, als Mary die Idee zu ihrem Meisterwerk hatte — und Einer der berühmtesten Romane der Geschichte — Frankenstein (1818). Nachdem Shelleys Frau Selbstmord begangen hatte, heirateten er und Mary, aber die öffentliche Feindseligkeit gegen das Spiel zwang sie, nach Italien zu ziehen. Als Mary erst 24 Jahre alt war, geriet Percy Shelley auf See in einen Sturm und ertrank, so dass sie mit einem zweijährigen Sohn allein blieb (drei frühere Kinder waren jung gestorben). Zusammen mit ihrem Ehemann Byron und John Keats war Mary eines der wichtigsten Mitglieder der zweiten Generation der Romantik Alter. Aufgrund ihrer Verbindung mit Shelley immer noch eine soziale Außenseiterin, arbeitete sie als Schriftstellerin, um ihren Vater und ihren Sohn zu unterstützen, und unterhielt bis zu ihrem Tod im Jahr 1851 Verbindungen zu den künstlerischen, literarischen und politischen Kreisen Londons.


Das Kamasutra: Den Rekord aufstellen - Geschichte

„Schönheit liegt im Auge des Betrachters“ ist ein altes Klischee: Dass Schönheit eine subjektive Angelegenheit ist, die von individuellen Vorurteilen abhängt. Wenn Schönheit wirklich subjektiv wäre, wenn sie ganz von unserer Wahrnehmung abhing, könnte sie nicht untersucht werden. Für die wissenschaftliche Analyse muss zumindest eine gewisse objektive Realität vorausgesetzt werden. Ohne dieses Gefühl einer äußeren Realität jenseits der individuellen Willkür (die moderne, trendige Philosophen oft als Referenten bezeichnen) gibt es keine Grundlage dafür, Meinungen oder Interpretationen anderen vorzuziehen.

Eine solche objektive Realität findet sich in den Schönheitsidealen. Jene komplexen Regeln, die jeder Einzelne im Kopf trägt, die es ihm erlauben zu unterscheiden, was für ihn attraktiv von was nicht ist ("Ich weiß nicht viel über Kunst, aber ich weiß, was mir gefällt", wie es oft ausgedrückt wird), das Persönliche ästhetisch, entsteht nicht in einem Vakuum. Gesellschaft, Kultur, Erfahrungen aus der Vergangenheit spielen alle eine Rolle bei der Bestimmung dessen, was eine Person als schön empfindet. Und diese persönliche Ästhetik hat eine gewisse Kohärenz, eine objektive Realität, da sie keine (obwohl sie zu sein scheint) eine ganz persönliche Entscheidung ist. Stattdessen wird es von Ihren Mitmenschen, Ihrer Ausbildung, der Kunst, der Sie ausgesetzt sind, und vor allem der Meinung anderer bedingt. Der Meinungsaustausch über Kunst ermöglicht es Menschen, sowohl zu beeinflussen als auch beeinflusst zu werden, so dass eine persönliche Ästhetik zwangsläufig das Ergebnis einer Aushandlung innerhalb einer Gemeinschaft ist. Und so neigen viele persönliche Ästhetiken unweigerlich zu einer Gemeinschaftsästhetik, einer Mode oder einem Trend, einem gemeinsamen Ideal dessen, was Schönheit ist oder sein sollte.

Dies ist das Thema, das hier behandelt wird. Was wurde in Kushan Indien als schön angesehen, hatte sich das gegenüber früheren Zeiten geändert, hat es sich nach der Kushan-Zeit geändert? Was waren die Vorstellungen von Schönheit? Welche alternativen Ideale oder Konzepte von Schönheit gab es? Und wie hat sich dies auf das Leben der Frauen und ihre Selbstwahrnehmung ausgewirkt?

Das Studienobjekt

Offensichtlich ist es aus dieser Distanz unmöglich, in die Köpfe der Menschen einzudringen: sie zu fragen, was sie anziehend finden oder psychologische Experimente durchzuführen. Wir können beispielsweise von Frauen nicht verlangen, ihren Körper zu beschreiben und ihre Wahrnehmung ihrer selbst der Realität gegenüberzustellen. Diese Art von Studie hat viel über die Beziehung zwischen öffentlichen Bildern und individuellen Schönheitswahrnehmungen im modernen Europa aufgedeckt. Im alten Indien überlebt nur das öffentliche Bild - Statuen, Gemälde und Schnitzereien. Und wenn man bedenkt, dass es relevante Literatur gibt, überleben viele der Arten von Literatur, die interessant sein könnten, wie Tagebücher oder persönliche Briefe, nicht (wenn sie bei einem relativ geringen Alphabetisierungsgrad überhaupt existiert haben). Es sind also die künstlerischen Bilder, die der Hauptgegenstand des Studiums sein müssen.

Bis auf wenige Ausnahmen gibt es zwischen den verschiedenen Kunstgattungen keine merklichen Unterschiede im präsentierten Bild, solange wir in der gleichen Kulturzone bleiben. Das Kushan-Reich ist eine politische Einheit und daher für Historiker sehr nützlich, da die meisten Beweise für die Chronologie (Münzen, Inschriften, Chroniken) politischer Natur sind. Das Kushan-Reich war jedoch keine einzelne kulturelle Einheit, sondern umfasste mindestens drei verschiedene Kulturzonen. Im Norden des Reiches, Baktrien, den Teilen des modernen Afghanistans, finden sich die Inschriften meist in griechischer Schrift und in baktrischer Sprache und die Kunst zeigt starke Einflüsse aus Parthien und der Steppe. Es ist diese künstlerische Sprache, die in erster Linie die königliche Kunst der Kushan-Dynastie prägt. Im mittleren Teil des Reiches, im Norden des Indus, Pakistans und Kaschmirs, ist das vorherrschende kulturelle Element Gandharan (obwohl es viele lokale Unterschiede gibt - dieses Gebiet ist heterogen) mit Inschriften, die in Kharoshti und seinen berühmten griechischen und römischen geschrieben werden Einflüsse auf seine Kunst. Die dritte Zone ist politisch peripher für das Imperium und umfasst seine Territorien von Sanghol bis Mathura in der Nähe des Ganges und seiner Nebenflüsse. Es ist fair, diese Region indisch zu nennen, weil sie eine Schrift, Brahmi, und einen künstlerischen Stil mit den Regionen im Osten und Süden teilt, die den modernen Staat Indien bilden. Es ist diese letzte Region, die in Betracht gezogen wird (und daher wird der Begriff "Indianer" verwendet, um dieses Kulturgebiet zu beschreiben).

Es gibt eine Fülle von Beweisen, da viele Darstellungen von Frauen aus der Kushan-Zeit überliefert sind. Die erhaltenen Bilder sind jedoch kein repräsentatives Beispiel für das, was tatsächlich produziert wurde. Es gibt keine Malereien auf verderblichen Materialien, mobile Bilder in Holz oder Illustrationen für Manuskripte - alles existierte. Und von den Bildern, die überleben, überwiegen in der Regel größere Bilder aus Stein, da sie haltbarer sind.

Die verfügbaren Quellen lassen sich je nach den verwendeten Medien in drei große Kategorien einteilen. Die erste Sorte ist die Malerei, von der fast keine überlebt hat, obwohl literarische Quellen darauf hindeuten, dass sie eine lebendige Produktion gewesen sein müssen. Dies liegt daran, dass zerbrechliche Medien zu ihrer Konservierung trockene, abgeschiedene Unterstände benötigen. Die zwei Orte, an denen Gemälde überlebt haben, sind Kalchayan, ein möglicherweise Yu-chi-Palast in Zentralasien, und eine Reihe von Felsunterkünften in den Pässen, die Kaschmir mit dem Tarim-Becken verbinden. Beide sind geographisch und stilistisch am Rande der indischen Kunsttradition. Für gemalte Bilder in der gleichen künstlerischen Sprache wie Mathura und Sanghol ist es notwendig, außerhalb des Kushan-Reiches auf die bemerkenswerten Felshöhlen von Ajanta zu schauen. Die frühesten von ihnen, die Höhlen 9 und 10, wurden ungefähr im ersten Jahrhundert v. Chr. Bemalt, kurz vor dem Aufstieg der Kushan-Macht in Nordindien.

Die zweite Art von Bildern sind tragbare Bilder, hergestellt aus Elfenbein, Metall, Stein, aber insbesondere Terrakotta. Da diese Gegenstände leicht und leicht zu bewegen waren, waren sie wahrscheinlich hauptsächlich als private Bilder gedacht und es scheint auch, dass sie in Massenproduktion hergestellt wurden. Terrakotta-Bilder sind von vielen Fundorten in beträchtlicher Zahl erhalten geblieben, trotz ihrer mangelnden Haltbarkeit, einfach weil die Produktion so groß war.

Die dritte Art von Bildern sind die meist in Sandstein gehauenen Bilder von größerer Größe, die hauptsächlich für die öffentliche Präsentation bestimmt sind. Viele Bilder dieser Art wurden aus Stupas, Tempeln und Klöstern geborgen. Ursprünglich müssen sie durch eine beträchtliche Anzahl von Holzbildern ergänzt worden sein, aber nur solche in Stein sind erhalten geblieben. Diese sind am interessantesten, weil sie öffentliche Bilder sind und daher öffentliche Vorstellungen davon repräsentieren, was eine angemessene Art der Darstellung von Frauen war oder nicht (Vorstellungen von männlichen und weiblichen Gönnern).

". es ist ganz offensichtlich, dass die Mathura School of Sculpture so gut wie nichts anderes als ausgereifte Bildkonventionen enthält. Trotz einiger Beispiele grober Schnitzereien gibt es eine Formsicherheit und ein stabiles ikonographisches Vokabular, die mit großer Sicherheit zeigen, dass das Experimentieren mit verschiedenen Konventionen durchgeführt wurde, bevor jemals ein Stein im Namen des Buddhismus geschnitzt wurde. Daher untersuchen wir eher die „ersten erhaltenen Beispiele“ als die „ersten Bilder“. (Huntingdon, 1989: 86)

Es ist ein Irrglaube, dass Historiker sich mit der Vergangenheit beschäftigen, während sie sich in den meisten Fällen tatsächlich damit beschäftigen, warum oder wie die Vergangenheit zu Zeiten der Volatilität und des Wandels wurde. Leider neigt die Kunst dazu, sich aus Zeiten der Stabilität, dem Punkt in der Tradition, als sie sich etablierte und das Experimentieren aufgehört hatte, zu bewahren. Unsere Analyse bewegt sich also von einer gut etablierten Tradition in Bharhut zu einer anderen in Sanchi, zu einer anderen in Mathura und wieder nach Nagarjunikonda, jede einzelne eine Momentaufnahme, in der der dazwischenliegende Verlauf der Veränderung erraten werden muss.

Historische Vorläufer von Kushan-Frauenbildern

Die frühesten Bilder von Frauen in Indien (mit Ausnahme derer der Industal-Zivilisation) sind eine Reihe von Figuren aus der Mauryan-Zeit (Dhavalikar, 1999: 178-9). Diese Figuren sind nicht die ersten Kunstobjekte, die das Weibliche darstellen. Abgesehen von den Figuren der Harappan-Zivilisation, die stilistisch und kulturell mit nichts in der historischen Zeit verbunden zu sein scheinen, gibt es Terrakotta-Bilder, von denen angenommen wird, dass sie Fruchtbarkeits- oder Muttergöttinnen darstellen. Das sind keine Bilder, sondern Symbole. Sie geben nicht vor, den physischen Eindruck der weiblichen Gestalt darzustellen.

Die Mauryan-Zahlen stehen in direktem Zusammenhang mit diesen frühen Fruchtbarkeitszahlen. Die Idee, ein Frauenbild in der bildenden Kunst zu schaffen, entstand eindeutig im vierten und dritten Jahrhundert. Unser einziger Beweis dafür stammt aus der Region Patna im Herzen des Mauryan-Reiches, so dass angenommen wird, dass der Impuls wahrscheinlich von den Hofkünstlern dieser Zeit und Gegend stammte, aber es fehlen uns Beweise, um sicher zu sagen. Die Künstler hatten bei diesen frühen Figuren mehrere Möglichkeiten (schicksalhafte Entscheidungen, da sie das Muster für indische Frauenbilder für Jahrtausende bestimmen würden), sie könnten das Bild einer anderen Gesellschaft kopieren, wie China, Griechenland oder Iran, sie könnten ein naturalistisches Bild erzeugen aus dem Leben oder sie könnten eine lokale Tradition modifizieren. Sie wählen das dritte. Die Mauryan-Terrakotta-Mädchen sind die alten Fruchtbarkeitsfiguren, die vom Symbol zum Bild umgewandelt wurden. Große Brüste, breite Hüften, spitz zulaufende Beine bleiben erhalten, doch nun symbolisieren die Künstlerinnen nicht mehr das Weibliche, sondern versuchen es darzustellen.

"Die Sunga-Kanva-Kunst steht formal und spirituell im Gegensatz zu allem, wofür die Mauryan-Kunst steht, und unterscheidet sich in Motiv und Richtung, Technik und Bedeutung" (Saraswati, 1951: 510)

Der stilistische Bruch zwischen der Mauryan- und der Sunga-Kunst ist eine Illusion, die durch Materialmangel entsteht. Für die Mauryan-Zeit gibt es einige Figuren von tanzenden Mädchen und in jüngerer Zeit einige geschnitzte Tafeln aus Bihar, die alle aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. stammen. Die nächsten Bilder stammen aus dem späten ersten Jahrhundert v. Chr., einer Lücke von hundert Jahren oder mehr. Würde man die Bilder von Bharhut mit denen der Guptas ohne Sanchi, Mathura und Ajanta vergleichen, würde man einen ähnlichen Stilbruch erkennen. Tatsächlich handelt es sich um eine Geschichte einer allmählichen Evolution, und es ist anzunehmen, dass der Übergang von der Mauryan- zur Sunga-Kunst ähnlich war.

Drei wichtige Orte zeigen die Entwicklung weiblicher Bilder zwischen der Sunga- und der Kushan-Zeit Bharhut, Sanchi und Ajanta. Jede dieser Stätten liegt außerhalb der Grenzen des Kushan-Reiches, aber sie sind Teil derselben künstlerischen Tradition wie Mathura.

Bharhut liegt im Mahiyar-Tal in Zentralindien.es war eine wichtige buddhistische religiöse Stätte seit der Zeit von Asoka, als ein großer Stupa aus Ziegeln gebaut worden war. Dieser Stupa war nicht mit Skulpturen verziert, sondern hatte möglicherweise ein Holzgeländer. Im zweiten Jahrhundert v. Chr. begannen die Arbeiten an einem steinernen Geländer, das den Stupa umgab, der ausgiebig mit Schnitzereien bedeckt war, sowohl Szenen aus der buddhistischen Legende als auch entlang stehender Figuren. Viele dieser Skulpturen sind von sehr kurzen Inschriften begleitet, von denen einige die Szene und andere den Stifter identifizieren. Daraus geht hervor, dass das Geländer durch Spenden aus der gesamten buddhistischen Gemeinschaft finanziert wurde, sowohl von Gläubigen als auch von Mönchsorden und von Männern und Frauen. Es wurde nie ein Muster für die Darstellung von Frauen auf der Grundlage des Geschlechts oder des Berufes des Spenders festgestellt (Dehejia, 1997b:107-9).

Bharhut bietet einen Ausgangspunkt, um weibliche Bilder in der Sunga-Zeit zu charakterisieren. Die Frauen sind dem Betrachter frontal zugewandt, ziemlich „steif“ (das gilt sowohl für männliche als auch für weibliche Figuren). Ihr Schmuck umfasst Knöchelringe, Armbänder, Halsketten und große hängende Ohrringe. Die Haare sind aufwendig plattiert, über dem Gürtel und zwischen den Beinen ist ein Stofftuch gehängt. Die Frauen tragen nichts als Schmuck über der Taille und ihre körperliche Form, große runde Brüste, dünne Taille, breite Hüften, hat sich seit der Mauryan-Zeit nicht viel geändert. Es wird nicht versucht, einzelne Frauen anhand ihrer körperlichen Erscheinung zu unterscheiden (z. B. ist Königin Maya nur in Szenen der Empfängnis des Buddha an der Anwesenheit eines weißen Elefanten zu erkennen).

Sanchi liegt etwa 200 Meilen südwestlich von Bharhut. Es war wie Bharhut an der Grenze des Kushan-Reiches, tatsächlich so nahe, dass im 3. Sanchi war lange Zeit der Standort einer buddhistischen Stupa und erhielt im ersten Jahrhundert n. Chr. eine große Anzahl von Spenden, die den Bau eines Geländers mit vier Toren um die Stupa ermöglichten. Um ein Gefühl dafür zu geben, wie beliebt das Werk in Sanchi war, bedenken Sie, dass die Inschriften an dieser Stätte zahlreicher sind als alle Inschriften, die im Laufe von etwa vier Jahrhunderten aus dem gesamten Kushan-Reich gefunden wurden. Die Datierung für Bharhut und Sanchi ist nicht genau, aber es wird allgemein angenommen, dass die Arbeit in Sanchi um etwa ein halbes Jahrhundert auf die in Bharhut folgt.

„Ein herausragendes Merkmal der Erzählungen des Großen Stupa ist der Ausdruck freudiger Teilnahme an allen Aktivitäten des Lebens. Bildhauer präsentierten dem Betrachter keine steinernen Predigten, sondern die lebendige Alltagswelt des ersten Jahrhunderts v.

Die Bilder bei Sanchi sind wichtig, weil sie uns den Bildern von Mathura und Sanghol einen Schritt näher bringen und auch weil sie sich in Elfenbeinbildern wiederholen, die sowohl bei Begram als auch bei Pompey gefunden werden. Mit nur einem weiteren Element aus dem Süden ist das Kushan-Reich dabei, die vollwertige weibliche Form zu erhalten, die die ganze Zeit über bestehen wird.

Mit den Sanchi-Figuren ändern sich zwei Dinge. Zuerst die Verdrehung des Körpers in eine 'S'-förmige Kurve, die manchmal als Tribangha oder 'Pose der drei Biegungen' bezeichnet wird (von Kunsthistorikern gibt es keinen Beweis dafür, wie oder ob es von zeitgenössischen Künstlern genannt wurde) . Zweitens ist der Stoffvorhang, der in der Sunga-Zeit die Bescheidenheit bewahren sollte, jetzt so geteilt, dass er die Außenseite der Beine nach unten reicht und ein Bild voller frontaler Nacktheit vermittelt. Die Bilder brauchen jetzt nur noch eine Einfachheit in der Couture, um sich zur Kushan-Form zu entwickeln, deren Anstoß von ganz woanders kommt.

Im Jahr 1819 stieß eine Gruppe von Armeeoffizieren auf der Jagd nach Tigern auf ein halbmondförmiges Tal im Deccan. Entlang seiner felsigen Seite befanden sich die Eingänge zu einer Reihe von künstlichen Höhlen, von denen jede ein buddhistischer Miniaturtempel war, der buchstäblich aus dem Hügel gehauen wurde. Darin befanden sich, abgesehen von Skulpturen und Inschriften, unglaublich gut erhaltene Gemälde von Ereignissen aus dem Leben des Buddha. Die meisten davon (und es gibt etwa 30 Höhlen an der Stätte) stammen aus dem fünften und sechsten Jahrhundert n. Chr., einige sind jedoch erheblich älter. Die Höhlen 9 und 10 sind wahrscheinlich die ältesten und wurden im ersten Jahrhundert v. Chr. ungefähr zur gleichen Zeit ausgegraben, als die Skulpturen in Bharhut vorgenommen wurden. In diesen Höhlen gibt es eine Reihe von Bildern, die Frauen darstellen, und ein langer Abschnitt, der einen Raja mit seinem Gefolge zeigt, ist besonders aufschlussreich. Die Frauen, die sich den allgemeinen Regeln der indischen Kunst anpassen, haben eine entspannte Pose und sind frei von der überbordenden Ornamentik des Nordens. Madanjeet Singh (1965: 59-60) hat dies über eine Gruppe von Frauen zu sagen, die in den frühesten Gemälden von Ajanta dargestellt sind.

"Obwohl etwa zur gleichen Zeit entstanden, ist der Linienfluss, der weibliche Anmut, Zärtlichkeit und Lebendigkeit der Gruppe von Frauen darstellt, die auf dem Weg sind, den Bodhi-Baum im Raja mit seinem Gefolge zu verehren, Jahre vor den frühesten Yakshas und Yakshis, auf die eingemeißelt wurde der Stupa von Bharhut. Selbst die berühmten Waldnymphen der archaischen Skulptur auf dem Geländer des Stupas, die aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. stammen und für ihren Charme bekannt sind, wie sie sich um Baumstämme schlingen, erreichen nicht die Eleganz der Tänzer. Die Ajanta-Figuren entfernten sich bereits von bestimmten Merkmalen der archaischen Kunst, wie der völligen Frontalität und symmetrischen Unbeweglichkeit, als die Reliefskulptur noch darum kämpfte, sich aus der statischen Form zu lösen. Sie waren vielleicht Vorreiter der ästhetischen Bewegung und damit ihrer Zeit voraus."

Kunsthistoriker gehen davon aus, dass Mathura ein Zentrum der Innovation war. Diese These ist schwer zu halten. Diejenigen, die daran interessiert waren, mussten sich auf alle möglichen perversen Chronologien einlassen und gehörten zu den stärksten Befürwortern von 78 n. Chr. für das Datum von Kanishka. Angesichts unserer gegenwärtigen Beweise scheint es, dass die ketzerische Ansicht vertreten werden sollte, dass Mathura zwar ein wichtiges Produktionszentrum war, aber Teil eines Netzwerks von Zentren war, in dem Mathura keinen besonderen Platz in der Innovation einnahm, sondern stark auf Entwicklungen aus Ajanta, Nagarjunikonda, Sanchi und andere Websites.

Es gibt viele unbeantwortete Fragen und unsere Interpretationen hängen von vielen Annahmen ab. Zum Beispiel geht die Idee eines Übergangs von Bharhut zu Sanchi zu Mathura, angetrieben von der Einfachheit und Eleganz des südlichen Ajanta-Stils, davon aus, dass Bharhut die Norm im Norden darstellt und nicht selbst eine Aberration ist, die durch eine Hinwendung zur Bildhauerei in Stein verursacht wird nach und nach korrigiert, um gemalte Darstellungen besser darzustellen. Die Erklärung ist unwahrscheinlich, da Terrakotta-Bilder die geformten Bilder von Bharhut widerspiegeln, aber wir wissen es einfach nicht, weil Gemälde nicht überleben, um den Vergleich zu machen, und weil die Bilder, die überleben, eher kurze Momentaufnahmen als eine kontinuierliche Bildtradition darstellen.

Proportionen

Proportionen sind zentral für eine formal geschulte Künstlersicht des Körpers. Sie dienen dazu, ein Bild zu standardisieren, aufzubrechen und zu vereinfachen, um es schließlich in der künstlerischen Darstellung der fast unendlichen Vielfalt „echter“ Körperformen wieder zu vereinen. Mit anderen Worten, sie sind ein konzeptionelles Werkzeug, das verhindert, dass ein Künstler von der Vielfalt der Wahlmöglichkeiten überwältigt wird, dies jedoch auf Kosten von Innovationen erstickt. Spätere indische Kunsttexte machen deutlich, dass formale Kunstschulen (wie sie in Sanghol, Mathura, Sanchi, Ajanta, Nagarjunikonda usw Glieder der Malerei). Proportionsregeln können uns nicht nur helfen, verschiedene Schulen und Stile zu identifizieren, sondern sie helfen uns auch, die Ideale des Künstlers zu schätzen.

In der Kushan-Zeit stammen die meisten Beweise aus Mathura, sowohl von der Jain-Stätte von Kankali Tila als auch von buddhistischen Stätten in der Stadt. Es gibt auch Bilder aus Ahichhhatra im Nordosten und dem nördlichsten Beispiel des indischen Sanghol. Alle diese Websites hatten gemeinsame Proportionen. Das Gesicht war rund (eher als oval) geformt. Nicht so rund wie die Gesichter in Nagurjunikonda, aber deutlich mehr als in zeitgenössischen Gandhara-Bildern. Die Augen wurden zu zwei Dritteln im Gesicht platziert (eine interessante Position, weil sie unnatürlich ist und zeigt, dass die Künstler nicht nach Lebensmodellen, sondern nach einem Ideal arbeiteten). Unter Verwendung des Kopfes als Maß wurde die Unterseite der Brüste eine Kopfhöhe unter dem Kinn platziert. Die Spitze des Gürtels wurde eine Kopflänge darunter gelegt, und die ganze Figur war sieben Köpfe hoch. Der Schritt wurde in der Mitte zwischen der Ober- und Unterseite der Figur platziert. Diese Grundproportionen werden in allen formalen Skulpturen von Mathure eingehalten, unabhängig davon, ob sie jainisch oder buddhistisch sind. Darüber hinaus nehmen die weiblichen Figuren eine besondere Haltung ein, die Tribangha oder "Pose der drei Biegungen" genannt wird, an Hüfte, Taille und Brüsten (manchmal mit geneigtem Kopf), um eine S-ähnliche Form zu erhalten.

Interessant sind diese Proportionen wegen ihrer deutlichen Wiederholung an verschiedenen Orten im zweiten und dritten Jahrhundert, aber auch, weil sie formalisiert und unrealistisch sind. Darüber hinaus sind sie in besonderer Weise unrealistisch. Sie ähneln in mehrfacher Hinsicht den Proportionen, die amerikanische Künstler in den 70er und 80er Jahren für Comicheldinnen verwendeten. Sie sind, kurz gesagt, eine Idealisierung der weiblichen Form. Eine Form, die für ihren Betrachter sofort als Abbild (eher nur als Symbol) der Weiblichkeit erkennbar ist und gleichzeitig für jede echte Frau völlig unerreichbar ist.

Die Proportionen sind auch deshalb wichtig, weil sie auf eine formale künstlerische Ausbildung hinweisen. Sie zeigen dies auf zwei Arten an. Erstens sind die Proportionen von Ort zu Ort sehr konstant, sowohl in Mathura als auch in anderen indischen Teilen des Reiches, und zweitens, weil sie nicht dem Leben entnommen sind. Damit die Bilder die gleichen unrealistischen Proportionen beibehalten, ist es notwendig, dass Künstler formal geschult werden müssen, es reicht nicht aus, einfach gesagt zu werden Spiel 'chinese Whisper' wird verstehen, warum dies nicht durch einfaches Kopieren anderer Bilder erreicht werden konnte.

John F. Mosteller (1987) ist darüber hinaus gegangen und hat gezeigt, dass zumindest für männliche Figuren diese Proportionen mit den Begriffen späterer Quellen erklärt werden können, die implizieren, dass diese Quellen eine echte Aufzeichnung einer älteren künstlerischen Praxis enthalten. Es ist erwähnenswert, dass dies bei Terrakottafiguren nicht der Fall ist, von denen selbst eine kleine Stichprobe ausreicht, um zu zeigen, dass sie keine Proportionsregeln befolgten (siehe Beispiele Srinivasan, 1996). Ob dies daran liegt, dass die Proportionen nicht als wichtig erachtet wurden oder die Produktion weniger kontrolliert und zentralisiert war, ist unklar.

Natürlich reichen die Proportionen nicht aus, um Kushans Frauenbilder zu beschreiben. Es gibt viele andere Aspekte, wie der Schmuck, den sie tragen (Halsketten, Ohrringe, Armreifen an Beinen und Handgelenken), das zurückgebundene Haar, die Gürtel und die Nacktheit, die diesen Figuren ihre sinnliche Qualität verleihen. Wir wenden uns nun einer dieser Eigenschaften zu, die für ein modernes Publikum am auffälligsten ist.

Nacktheit und Heiligkeit: Versöhnung der Erotik

Meinungen zu erotischen Elementen

Lange bevor der moderne Betrachter über Proportionen oder Couture nachdenkt, sticht ein Merkmal von Kushan-Frauenbildern hervor: Nacktheit. Nicht nur der gelegentliche Blick auf weibliches Fleisch, sondern eine vollständige, frontale Nacktheit, die nichts der Fantasie überlässt. Die Antworten und Erklärungen der Wissenschaftler sind unterschiedlich, teilweise weil die Bilder so kurios sind. Teilweise, weil vollständige frontale Nacktheit in der Antike vergleichsweise selten ist (im Gegensatz zur üblichen Wahrnehmung der indischen Kunst), wobei Figuren der Sunga- und Gupta-Zeit im Allgemeinen unter der Taille bedeckt sind. Selbst innerhalb der Kushan-Zeit produzierten die Künstler von Gandhara und Zentralasien nicht diese Art von üppiger weiblicher Nacktheit.

Bis zu einem gewissen Grad scheinen Historiker in dieser Zeit einen blinden Fleck für die Nacktheit gezeigt zu haben. Dies ist zum Beispiel ein Zitat von Richard Salamon:

„Das Grundgewand der Indianerinnen von Mathura in der Kusana-Ära war eine Art Sari, die normalerweise von der Hüfte abwärts hing. Viele Frauen trugen auch einen langen Schal über beiden Schultern. Um die Hüften war ein breiter und kunstvoller Gürtel mit Perlenstickerei und Zierverschluss vorne. Die Brüste wurden normalerweise freigelegt (es gibt einige Kontroversen darüber, ob dies die tatsächliche Praxis oder nur eine künstlerische Konvention war)“ (Salamon, 1989: 40)

Einige Kontroversen! Die Idee ist absurd, um es auch nur vage plausibel klingen zu lassen, musste Salomon die Natur der Bilder grob verfälschen, sie zeigen nicht nur unbedeckte Brüste, sondern sind komplett nackt. Wichtig ist, dass dort, wo der Kontext stark auf die Darstellung einer Spenderin hindeutet, sie vollständig bekleidet gezeigt wird, ähnlich wie es Frauen in der Gandhara-Kunst sind (für einige Beispiele siehe Rosenfield, Tafeln 28, 32, 35, 36, 37 und als mögliche Ausnahme 33). Der Gürtel fehlt fast immer aus dem offensichtlichen Grund, dass er Unterwäsche ist und so von der Kleidung verdeckt wird, und die Kleidung scheint an den Schultern und nicht an der Taille zu hängen.

Historiker, die sich mit Kostümen befassen, ignorieren dies normalerweise, weil die zahlreichen großformatigen Skulpturen die Mehrheit der Beweise sind, und zuzugeben, dass sie so viel Ähnlichkeit mit der Alltagsmode haben wie die Fotografien in Hustler oder Playboy, würde die Übung weitgehend entkräften.

Bei diesen Bildern ist es wichtig, zwei Dinge hervorzuheben. Erstens wurden sie an religiösen Stätten öffentlich ausgestellt. Sie wurden von allen Mitgliedern der Gemeinschaft gesehen und können nicht die gleichen sexuellen Untertöne gehabt haben, die Nacktheit in unserer Gesellschaft hat (tatsächlich war Nacktheit in der heutigen indischen Gesellschaft völlig ausgeschlossen). Zweitens waren dies keine echten Frauen. In fast jedem Fall ist es ziemlich sicher, dass die fragliche Figur einen Geist oder eine Göttin (eine Art göttlicher Figur) darstellt. Die einzigen Darstellungen, die sterbliche Frauen darstellen (die Haremsbilder unter den Begram-Elfenbeinen) waren private Bilder, keine öffentlichen Darstellungen. Was buddhistische oder jainistische Anbeter (männlich oder weiblich) in diesen Bildern wahrnahmen, war nicht das Sexuelle, Sinnliche oder Erotische, das unsere moderne Ästhetik herausgreift. Vielmehr nahmen sie Fruchtbarkeitssymbole oder abstrakte Vorstellungen vom Paradies wahr.

Manchmal wird die nackte Göttin als Abbild der Fruchtbarkeit angesehen, oft wird angenommen, dass Nacktheit der Göttin oder Yakshi ein Gefühl von Macht verleiht, indem sie sie frei von den Einschränkungen der weiblichen Sexualität zeigt, die die Realität der meisten Frauen waren. In diesem zweiten Sinne hat die Göttin viel mit der reichen Kurtisane der buddhistischen Literatur gemeinsam, die sowohl eine starke Frauenfigur als auch gleichzeitig von gewöhnlichen Frauen entfernt ist. Eine andere in der akademischen Literatur oft angenommene Vorstellung ist, dass die Yakshis Versprechen des Paradieses sind – die Belohnung, die der hingebungsvolle Buddhist oder Jain bei seiner Wiedergeburt im Himmel erwarten könnte. Eine andere Möglichkeit besteht darin, dass das Publikum von den Bildern tatsächlich unbehaglich oder abgestoßen war. Seltsam, obwohl es scheint, dass Geschichten in dieser Hinsicht in der buddhistischen Literatur überlebt haben. Zum Beispiel wird in der Mula-Sarvastivada Vinayavastu von Buddhas Besuch in Mathura berichtet und verschiedene Leute versuchen seinen Eintritt zu blockieren. Einer, der Göttin der Stadt, gelingt dies, indem sie nackt erscheint, worauf der Buddha antwortet: 'Eine Frau sieht schlecht genug aus, wenn sie schlecht gekleidet ist, was ohne Kleidung!' (Jaini, ,218).

Wahrscheinlich spielen alle diese Elemente eine Rolle in den Reaktionen der Menschen, und die Bedeutung jedes einzelnen wird je nach Betrachter unterschiedlich sein. Zum Beispiel wird die „Belohnungs“-Bildsprache nur bei Männern Anklang finden, aber auch die Tradition der Meditation über die vergängliche Natur der Schönheit erfordert, dass der Betrachter durch die Exposition gegenüber bestimmten Lehren vorbereitet wurde – und es gibt keinen Grund anzunehmen, dass alle Betrachter waren so vertraut mit buddhistischen Schriften (Brown 2001: 357)

Gandhara: Eine westliche Herausforderung an die östliche Ästhetik

Im Ashmolean Museum gibt es ein Beispiel einer weiblichen Figur im primitiven Stil aus der Region Peshawar in Pakistan (wo viele Gandhara-Arbeiten zu finden sind). Die Herstellung dieser Figur wird durch archäologische Ausgrabungen zwischen 200 v. Chr. und 200 n. Chr. datiert. Die Figur ist eindeutig die gleiche Art von Fruchtbarkeitssymbol, die in Indien sowohl vor als auch nach dem Erscheinen der Bilder zu finden ist, sie hat sowohl die breiten Hüften als auch die großen Brüste verloren (die Brüste sind auf kleine stilisierte Beulen reduziert (Harle, 1987: 6). ist immer noch die gleiche Art von symbolischer Repräsentation, ist aber von einem anderen Ideal des Schönen des schlanken Mädchens geprägt, ein Ideal, das seltsamerweise auf Gandhara beschränkt bleibt.

Einige künstlerische Elemente fließen von Gandhara nach Indien, aber sie sind nicht immer direkt oder offensichtlich. Zum Beispiel erscheinen in der Kushan-Zeit Bilder von Sonnengöttern oft in zentralasiatisch erscheinenden Kleidern, von denen einige Autoren glauben, dass sie den Einfluss eines zentralasiatischen Kults zeigen - eine direkte kulturelle Verbindung. Frenger (2003) hat jedoch gezeigt, dass es sich bei den Bildern tatsächlich um untergeordnete Teile anderer Werke und keineswegs um Kultbilder handelt. Ihre offensichtliche Kopie zentralasiatischer Kleidung ist in der Tat indirekt und stammt aus einer Verbindung zwischen dem Sonnengott und der königlichen Macht. Da die Kushans ihre Herrschaft im Nordwesten des Reiches (Baktrien und Groß-Gandhara) gründeten, wurden die königlichen Bilder der Kushan im zentralasiatischen Stil hergestellt. Wenn Künstler zeitgenössische königliche Bilder als Modelle verwendeten, kopierten sie die zentralasiatische Kleidung.

Kann uns dieses Beispiel des Sonnengottes helfen zu erklären, warum Gandhara-Künstler Hunderte von Jahren in der Lage waren, griechisch-römische Ideale des weiblichen Körpers zu produzieren, ohne dass indische Künstler diese Herausforderung an ihre etablierte Ikonographie jemals annahmen oder sogar damit experimentierten? Beeinflusst die Gandhara-Kunst Indien nicht, weil die beiden versuchen, radikal unterschiedliche Dinge darzustellen? Gandhara-Künstler repräsentieren viel häufiger echte Frauen (Laienspender, Nonnen, weibliche Figuren aus Jataka-Geschichten, Maya), während indische Künstler normalerweise keine bestimmte Frau darstellen, sondern ein Bild, das Frauen im Allgemeinen und oft Fruchtbarkeit oder göttliche Weiblichkeit im Besonderen darstellen soll . (Ajanta könnte als Ausnahme gesehen werden, aber auch dort werden bestimmte Frauen selten differenziert). Das „indische“ Ideal findet sich sicherlich in Gandhara (Cribb & Errington, 1992: 110-11), obwohl dies eher ein Beispiel für divergierende lokale Trends als eine Gandhara-Übernahme externer Ideen sein könnte. Und viel Gandhara-Einfluss findet sich in der indischen Skulptur. Dennoch bleibt Indien (selbst in den Grenzregionen des Kushan-Reiches) bemerkenswert resistent gegen alternative Schönheitsideale, und die Form, die sich aus der frühen Fruchtbarkeit in der Mauryan-Zeit entwickelte, bleibt ein homogenes Einzelideal.

Literarische Bilder der Schönheit

Literatur ergänzt die skulpturalen Frauenbilder. Obwohl es vergleichsweise selten ist, detaillierte Beschreibungen von Schönheit zu finden, liefern kurze Beinamen konsistente Bilder über einen langen Zeitraum der indischen Geschichte.Große Hüften, dünne Taillen, große und kugelförmige Brüste und Lotusblütenaugen. Viele von ihnen sind einfache Phrasen (insbesondere in der epischen Literatur, die aus einer mündlichen Überlieferung stammt), aber die selteneren ausführlichen Beschreibungen bestätigen, dass sie Teil eines konstanten literarischen Ideals sind.

Die literarischen Quellen färben auch die erhaltenen künstlerischen Überreste. Antike Statuen wären gemalt worden (Kumar, 1984) und antike Betrachter wären in ihrer künstlerischen Wertschätzung an eine formale Farbpalette gewöhnt gewesen. Tatsächlich hätte die antike Ästhetik unseren monochromen Blick auf die Vergangenheit ziemlich seltsam gefunden. Für die Menschen, die hier lebten, war die Vergangenheit ein lebendiger, farbenfroher, sogar knalliger Ort. Erst der Lauf der Zeit nimmt ihm die Farbe und verleiht ihm das strenge Aussehen, das wir mit der Antike verbinden. Die Sangam-Dichter Südindiens (die in etwa zeitgenössisch mit der Kushan-Periode sind) helfen uns, einige der Details wie "Haut wie Gold" und "die Dunkelheit schwarzer voller Locken" sowie das Make-up, das hervorgebracht hat, wiederherzustellen. schwarz umrandete Augen“ und ein „Mund rot wie Koralle“ (Varma, 2004: 96-99). Dieselben Farben erscheinen in späteren Quellen und, im Laufe der Zeit gedämpft, in den Höhlenmalereien von Stätten wie Ajanta.

Die Ähnlichkeit zwischen den literarischen Beschreibungen und den Bildern, die in Skulpturen und Terrakotta zu finden sind, ist bemerkenswert. Möglicherweise orientierten sich beide an einem gemeinsamen Ideal weiblicher Schönheit, das in der indischen Gesellschaft vorherrschte, aber es ist auch möglich, dass die literarischen Texte ihre Bildsprache aus früheren Künstlervorstellungen beziehen. Selbst die frühesten Texte sind viel später datiert als die künstlerischen Bilder (auch die Epen erhielten ihre endgültige Form erst in der Kushan- und Gupta-Zeit). Wichtig ist, dass das in der Literatur präsentierte Bild absurd unrealistisch ist, ähnlich wie Künstlerkonzepte, die selbst aus der Fruchtbarkeitssymbolik der historischen Zeit stammen. Wenn sich die Schriftsteller und Dichter nicht von Künstlern inspirieren ließen, ist es schwer vorstellbar, wo sie sonst hätten suchen können.

Literarische Frauenbilder erwähnen die gertenschlanke Figur, die in römischen und griechischen Bildern zu finden ist, nicht. Die Autoren vieler Texte müssen mit dieser Art von Bildern vertraut gewesen sein, entweder durch Gandhara-Bilder, die bis nach Mathura im Süden zirkulierten, oder durch direkten römischen Handel mit Südindien, aber wie die Skulptur von Mathura scheint sie nicht bemerkt, eine Herausforderung, die damals offensichtlich nie anging.

Welchen Unterschied macht es?

„Es ist naiv zu glauben, dass das bloße Vorhandensein eines Symbols des Weiblichen in einer Tradition von einer den Status der Frau bestätigenden Geschlechtervorstellung abgeleitet ist oder dass die Anwesenheit eines solchen Symbols ausreicht, um eine positive Einstellung gegenüber der Frau zu garantieren das Weibliche wird den Frauen oder allgemeiner der Gesellschaft durch dieses Symbol vermittelt“ (Cabezon, 1985, 188)

Nachdem wir die Entwicklung des Ideals verfolgt, seine Eigenschaften skizziert und seine monotone, widerstandsfähige Natur festgestellt haben, stellt sich die Frage, welchen Unterschied es gemacht hat. Es ist vielleicht eine gute Idee, sich an einen modernen Theoretiker zu wenden. Naomi Wolf glaubt, dass Schönheit als Werkzeug verwendet wird, um eine von Männern dominierte Gesellschaft zu erhalten. körperliche und geistige Energie und Wertschätzung. Dadurch werden Frauen geschmeidiger und können ihr wirtschaftliches Potenzial ausschöpfen. Wolf sieht dies als Reaktion auf die größere Unabhängigkeit der Frauen nach der zweiten Welle des Feminismus. Nach den zunehmenden Forderungen westlicher Frauen nach Gleichberechtigung, insbesondere am Arbeitsplatz, in den 1970er und 80er Jahren spürt Wolf einer immer stärker werdenden Schönheitsindustrie nach, die einen unerreichbar dünnen Körper fördert und dies mit dem Unzulänglichkeitsgefühl junger Frauen verbindet. Ihre Analyse des Problems hat eine gewisse Resonanz in der indischen Kunstwissenschaft, wenn man zum Beispiel die monotone Darstellung von kugelförmigen Brüsten in der indischen Kunst mit Wolfs Gedanken vergleicht:

„Die Kultur überprüft Brüste mit tadelloser Gründlichkeit und stellt fast nie solche dar, die weich, asymmetrisch oder reif sind oder die Veränderungen der Schwangerschaft durchgemacht haben. Wenn man sich Brüste in der Kultur ansieht, würde man kaum ahnen, dass es bei echten Brüsten so viele Formen und Variationen gibt wie es Frauen gibt. Da die meisten Frauen selten oder nie die Brüste anderer Frauen sehen oder berühren, haben sie keine Ahnung, wie sie sich fühlen, wie sie sich mit dem Körper bewegen und bewegen oder wie sie beim Liebesspiel wirklich aussehen. Frauen jeden Alters haben eine Fixierung – traurig, angesichts der unterschiedlichen Beschaffenheit der Brüste von Frauen – auf „Kechtheit“ und „Festigkeit““ (Wolf, 1995: 246-7)

Eine detaillierte soziale Studie über die Reaktionen von Frauen auf Schönheit, die Wolf mit der modernen Gesellschaft durchführt, kann im alten Indien nicht durchgeführt werden. Eine begründete Vermutung konnte angenommen werden, dass es für Frauen nicht gut war. Selbst in der Literatur, in der Frauen alternative Wertdefinitionen erhalten (Treue, Gelehrsamkeit, frommer Glaube), bleibt die Tatsache schmerzlich einfach, dass alle Heldinnen schön sind.

Ich bin einem Artikel von Nitin Kumar (2007) zu Dank verpflichtet, der den Kernpunkt hier zusammenfasst. Bei der Besprechung einer Passage im Ramayana, in der die Schönheit der Heldin Sita trotz ihres verzweifelten Zustands bemerkenswert schön sein soll, bemerkt er: „Diese Beschreibung konzentriert sich jedoch zu Recht nur auf das Physische, denn die physische Sphäre ist der Ort der Manifestation innerer Qualitäten“. Dies ist ein zentraler Punkt, um nicht nur die Ästhetik zu verstehen, sondern auch, wie sie sich auf die Frauen im alten Indien ausgewirkt haben muss. Frömmigkeit, Treue, Gelehrsamkeit, spirituelle Leistung wurden geschätzt, aber im Gegensatz zur modernen Welt, die ihre Errungenschaft als völlig unabhängig von körperlicher Schönheit ansieht, erwarteten die Menschen (oder zumindest Dichter) in Indien, dass sich innere Leistungen in körperlichen Formen ausdrücken, und ebenso war die körperliche Form gilt als Zeichen innerer Leistung.

Bei dem Versuch, ein Modell aus der modernen Welt auf die Antike zu übertragen, ist Vorsicht geboten. Diese Art von Determinismus, dass eine Reihe von Umständen zu einem Ergebnis führt, gilt in der Geschichte nicht. In der Kushan-Zeit ist genau der Zeitpunkt, zu dem die indische Kunst das vollständig nackte Bild als Darstellung der weiblichen Form annahm, von dem uns moderne Beispiele sagen, dass sie für Frauen erniedrigend ist, auch der Moment, in dem Frauen ihre größte Autorität erlangen (in Mathura). in religiöser Aktivität, gemessen an den Inschriften von Mathura, bilden Frauen fast ein Drittel der buddhistischen Spender und wahrscheinlich fast die Hälfte der Jain-Spender. Im Gegensatz dazu in Gandhara im Norden und in der gleichen Zeit, in der die Bilder bescheidener und anscheinend weniger gefährlich für Frauen sind, fehlen sie in der öffentlichen religiösen Aktivität.

Es steht außer Zweifel, dass in den indischen Domänen des Kushan-Reiches im zweiten und dritten Jahrhundert n. Chr. Frauen eine wichtige Rolle im öffentlichen religiösen Leben spielten (niemand bezweifelt, dass sie privat immer eine wichtige Rolle gespielt haben). ihre Gemeinden. Und es besteht kein Zweifel, dass in Texten, deren Ursprünge in dieser Zeit liegen (sei es Debatten über die Erlösung der Jaina, buddhistische Bedenken über die Priorität von Mönchen und Nonnen oder das Beharren der Dharmasutras auf der Unterordnung der Frauen), ein starker Ton der Zweideutigkeit, der Besorgnis , des Wettbewerbs über die Geschlechterrollen. Kunst und Schönheitsideale gehören zu dieser Zeit, und wenn immer noch nicht klar ist, was sie sagt, ist es sicher, dass sie uns etwas sagt.

Es ist schwer zu sagen, ob offene Äußerungen weiblicher Sexualität von einer selbstbewussten Gruppe von Mönchs- und Laienfrauen getrieben wurden, die bestrebt sind, die Bedeutung „weiblicher“ Eigenschaften in der religiösen Praxis zu betonen, oder ob sie eine kulturelle Einstellung zeigen, die Fruchtbarkeit und andere Merkmale zur Religion machten eine „getrennte Sphäre“, die für die Beteiligung von Frauen empfänglicher ist, oder wenn sie ein Mittel zur Kontrolle des Frauenbildes durch eine patriarchalische Gesellschaft sind, die von der Idee der Frau zutiefst besorgt ist. Wahrscheinlich resultieren die Bilder aus all diesen Faktoren und einigen anderen.

Es besteht die Gefahr, dass Versuche, eine „indische“ Erfahrung aus diesen Quellen zu interpretieren, die Erfahrung von Frauen zu stark vereinfachen und verallgemeinern. Frauen hatten keine einzigartige, universelle Lebenserfahrung. Die Erfahrung von Prostituierten (mit ihrer größeren finanziellen Unabhängigkeit) war nicht die gleiche wie die von Hausfrauen (die Unabhängigkeit gegen soziale Anständigkeit eintauschten) oder Nonnen. Es variierte mit ihrem Reichtum, ihrer Bildung, zwischen ländlichen und städtischen Umgebungen. Und so müssen ihre Kunsterfahrungen und die Art und Weise, wie sie von künstlerischen Stereotypen von Frauen beeinflusst wurden, unterschiedlich gewesen sein. Zum Beispiel mögen Sanchi und Bharhut dazu beigetragen haben, die Gedanken der reicheren städtischen Patronin zu formen, für die es ein fester Bestandteil ihres Lebens war, aber vielleicht haben ländliche Hindu-Frauen mit niedrigem Einkommen ihr ganzes Leben verbracht, ohne eine solche Stätte zu besuchen. Ihre Erfahrungen mit kleineren, lokal produzierten Terrakottas werden ganz anders gewesen sein. Was auch immer die Erfahrung war, es wird sehr wichtig gewesen sein, denn für alle diese Frauen prägte die Kunst die Vorstellungen von Schönheit, Ideen, die einen wichtigen Teil dessen ausmachten, was es im alten Indien bedeutete, weiblich zu sein.


Faszinierender Reiseführer für Khajuraho – Kamasutra in Stone

Die Khajuraho-Tempel, die als eines der sieben Wunder Indiens und eines der UNESCO-Weltkulturerbestätten des Landes ausgewiesen sind, sind eine Sammlung von etwa 20 Bauwerken, die einst Teil eines größeren Komplexes von etwa 85 Gebäuden waren. Diese prächtigen Monumente, die sich über eine Region von 9 Quadratmeilen erstrecken, vermitteln Antike, Intrigen und Einsamkeit in einer rauen, ländlichen Umgebung. Und Skulpturen von ihnen? Nun, es gibt eine Erklärung, warum und wie sie “Kamasutra-Tempel” genannt wurden. Lesen Sie diesen Reiseführer für Khajuraho, um mehr zu erfahren.

Khajuraho Reiseführer – Kamasutra Tempel – Aktivitäten in Khajuraho

Khajuraho liegt zwar etwas abseits auf dem beliebten Touristenpfad, aber auf dieser Grundlage sollten Sie es nicht verpassen. Nirgendwo sonst finden Sie solch besondere Tempel mit sorgfältig gearbeiteten Schnitzereien. Für erotische Skulpturen sind die Khajuraho-Tempel bekannt. Darüber hinaus spiegeln sie jedoch ein Fest der Leidenschaft, des Lebens und der Anbetung wider. Sie geben auch einen ungehemmten Einblick in die alte hinduistische Religion und Tantra-Rituale.

Wenn Sie genau hinsehen, sind die Details und das Fachwissen, die Sie sehen können, unglaublich, insbesondere angesichts des Alters und der Verwitterung, die diese Sandsteinskulpturen erfahren haben. Dies sind wahrscheinlich einige der prächtigsten Tempel Indiens. In Wirklichkeit sind die Tempel zwar am bemerkenswertesten für ihre erotischen Skulpturen, diese machen jedoch nur 10 % der verschiedenen Skulpturen aus. Die meisten der Khajuraho-Skulpturen stellen das alltägliche mittelalterliche Leben mit Szenen dar, die Götter und Göttinnen, Krieg, Bauern, Landwirtschaft, Reisen, Elefanten und andere tatsächliche oder mythische Kreaturen darstellen.

Wie man dorthin kommt

Der Flughafen Khajuraho ist mit Delhi, Mumbai, Varanasi, Bhopal und Mumbai sowie mit vielen großen indischen Städten verbunden. Von Mumbai und Delhi können ausländische Reisende Direktflüge erhalten.

Sie können auch den Uttar Pradesh Sampark-Kranti (12448) vom Bahnhof Hazrat Nizamuddin, Delhi (Abfahrt 20:10 Uhr Ankunft 06:35 Uhr) oder den Mahamana Superfast Express (22163) von Bhopal nach Khajuraho mit dem Zug nehmen (Abfahrt um 06:30 Uhr). 50 Ankunft 13:30).

Khajuraho ist über die Straße gut mit allen größeren Städten von Uttar Pradesh und Madhya Pradesh verbunden. Von Lucknow (310 km) und Bhopal sind es etwa 8 Autostunden (376 km).

Die Straße von Jhansi nach Khajuraho wurde verbessert. Die Fahrt dauert jetzt etwa 5 Stunden. Die meisten Touristen erreichen Jhansi mit dem Zug (Shatabdi Superfast Express) von Delhi/Agra und nehmen dann ein Taxi, um Khajuraho zu erreichen.

Kurze Geschichte der Khajuraho-Tempel

Die Tempel von Khajuraho sind eine Sammlung von Hindu- und Jain-Tempeln, die mit komplexen Beschreibungen, Symbolen und alter indischer Architektur verziert sind, aber sie sind besser bekannt für die expliziten erotischen Skulpturen, die die alten Steingebäude schmücken und als einige der Welten gelten fabelhafteste Tempelkunst.

Die Khajuraho-Tempel wurden von den Königen der Familie Chandela gegründet, die zwischen dem 9. und 13. Jahrhundert den größten Teil der zentralindischen Region Bundelkhand kontrollierten. Die Dynastie ist bekannt für ihre Kunst und Architektur, insbesondere die Khajuraho-Tempel.

Bis zum Ende des 12. Jahrhunderts, als das Sultanat von Delhi den Besitz Zentralindiens eroberte, wurden die Tempel aktiv für den Gottesdienst genutzt. Bis zum 18. Jahrhundert blieb die muslimische Herrschaft in der Region bestehen, während dieser Zeit wurden viele der Tempel abgerissen oder verfielen.

Nur 20 der ursprünglich 85 Tempel existieren heute. Im 19. Jahrhundert wurden sie vom britischen Landvermesser T.S. Burt.

So besuchen Sie Tempel

Von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang sind die Tempel täglich geöffnet. Es ist ideal, in den kälteren Monaten von November bis März zu gehen.

Tickets sind nur für die Teilnahme der westlichen Tempelgemeinschaft erforderlich. Kostenlos für Kinder unter 15 Jahren. Sie haben auch Zugang zum archäologischen Museum.

Obwohl sich die westliche Tempelgruppe (die wichtigsten und berühmtesten) in der Nähe mehrerer Hotels befinden, ist die östliche Gruppe in einem anderen Dorf ein oder zwei Kilometer entfernt und die südliche Gruppe befindet sich in der Nähe des Flughafens. Das Mieten eines Fahrrads oder einer Autorikscha ist eine gängige Möglichkeit, sich zwischen ihnen zu bewegen. Gehen Sie am besten bei Sonnenuntergang zu den östlichen und südlichen Tempeln.

Was zu sehen

Es gibt drei Tempelklassifikationen: westlich, östlich und südlich. Die westliche Gruppe umfasst die majestätischen Haupttempel Kandariya Mahadev und den Vishwanath-Tempel. In diesen Tempeln im Nagara-Stil finden Sie die meisten der berühmten erotischen Skulpturen. Eine Handvoll exquisit gefertigter Jain-Tempel befindet sich in der östlichen Gruppe. Die Südpartei hat nur zwei Tempel. Sie sind nicht so beeindruckend, aber sehenswert. Der Tempel von Dulhadeo ist der Form des Bräutigams von Shiva gewidmet, während der Tempel von Chaturbhuj eine ungewöhnliche Form von Vishnu als vorsitzender Gottheit hat.

Jeden Abend nach Sonnenuntergang wird in der westlichen Tempelgemeinde eine Ton- und Lichtshow in Hindi und Englisch aufgeführt, die von der Bollywood-Ikone Amitabh Bachchan erzählt wird. Tickets können dort im Vorverkauf am Schalter gekauft werden.

Warum all diese Erotik?

Es ist natürlich normal zu fragen, warum Hunderte von pornografischen Skulpturen geschaffen wurden. Sie sind sehr explizit und zeigen auch Tier- und Gruppensexpositionen. Bemerkenswert ist, dass es andere Tempel in Indien (wie den Konark-Sonnentempel in Odisha) mit identischen erotischen Skulpturen aus dem 9.-12. Jahrhundert gibt, obwohl die Khajuraho-Tempel die größte Anzahl dieser Skulpturen haben.

Es gibt jedoch keine allgemein akzeptierte Erklärung dafür, warum sie bleiben! Einige halten es für glücksverheißend, da an den Tempelwänden sogar Schnitzereien von übernatürlichen Wesen angebracht sind. Andere betrachten es als Sexualerziehung, die darauf abzielt, das Verlangen in den Köpfen von Menschen wiederzubeleben, die zu dieser Zeit möglicherweise vom Buddhismus betroffen waren. Ein weiterer Grund stammt aus dem Hinduismus und der Notwendigkeit, vor dem Betreten des Tempels Lust und Begierden draußen zu lassen. Einige behaupten, die Skulpturen sollen veranschaulichen, wie Menschen ihre tierischen und grundlegenden Instinkte hinter sich lassen, während sie zu glückseligeren und gelasseneren Geisteszuständen aufsteigen.

Auch eine Verbindung zum Tantra-Kult besteht auf jeden Fall. Der 64 Yogini-Tempel, der älteste Tempel in Khajuraho, ist ein tantrischer Tempel, der 64 Göttinnen gewidmet ist, die Dämonenblut verzehren. In Indien gibt es nur vier Tempel dieser Art.

Ich persönlich glaube, dass erotische Kunst, die auf diesen Tempeln gezeigt wird, eine sehr subtile versteckte Botschaft für die persönliche Entwicklung hat – “From Sex to Salvation”. Durch die körperliche Befriedigung kann man den höheren Bewusstseinszustand erreichen, um eins mit dem Gott zu sein.

Das Beste von Khajuraho-Tempeln

Einige der am besten erhaltenen, faszinierendsten und atemberaubendsten Skulpturen der westlichen Tempelkategorie stehen in friedlichen, grünen Gärten und sind die einzigen, für die Sie Eintritt zahlen müssen. Es ist (manchmal) ein Audioguide verfügbar, der Ihnen hilft, die Tempel in Ihrem eigenen Tempo zu durchlaufen, während Sie dem Guide zuhören und mehr über den Hintergrund und den Zweck der Tempel erfahren

Zu den Höhepunkten gehört der Tempel von Lakshmana-Roam rund um die Basis, um einige der explizitesten Kunstwerke von Khajuraho zu sehen, darunter Orgien und sogar ein Mann, der einem Pferd sehr nahe kommt! Kandariya Mahadev ist der größte Tempel in Khajuraho, in dem Sie die berüchtigte Handstandposition finden. Es gibt noch andere Tempel außerhalb der westlichen Einfriedung, darunter Matangesvara, der einzige, der noch in Betrieb ist, und die Ruinen von Chausath Yogini, die einen guten Ort für den Sonnenuntergang bieten.

Mit naturalistischen Details von Ornamenten, Schmuck, Frisuren und sogar gepflegten Nägeln ist das außergewöhnliche Talent der Handwerker durchgehend spürbar. Die Bügel wechseln im Laufe des Tages dezent die Farbe, von einem warmen Rosa bei Sonnenaufgang zu Weiß am Mittag und wieder zu Rosa bei Sonnenuntergang, um den Charme des gesamten Outfits zu unterstreichen. Sie werden die ganze Nacht durch dramatische Flutlichter hervorgehoben und leuchten hell, wenn der Mond scheint.

Wegen der außergewöhnlich energiegeladenen und suggestiven Erotik, die seine drei Schichten schmückt und fast alle Facetten des Äußeren abdeckt, ist Kandariya Mahadeva bei Touristen besonders beliebt. Es ist wahrscheinlich, dass immer noch bewundernde Menschenmengen vor einem besonders schönen Bild eines Paares zu sehen sind, das beim Geschlechtsverkehr mit einem Mädchen auf beiden Seiten eingesperrt ist. Es scheint der Natur zu widersprechen, mit der männlichen Figur, die kopfüber auf seinen Schultern hängt, eines der häufigsten Motive von Khajuraho, nur wenn die verschränkten Gliedmaßen von oben betrachtet einen Sinn ergeben.

Die erotische Tempelkunst

Seit seiner ’ Wiederentdeckung’ im Februar 1838 wurden die konservativen Köpfe von der unverfrorenen Erotik von Khajuraho hypnotisiert. T. S. Burt, ein junger britischer Ingenieuroffizier in Bengalen, war von seiner offiziellen Reiseroute abgewichen, als er über die alten Tempel stolperte, die fast überall von Wald bedeckt waren.

Franks Darstellungen von Oralsex, Masturbation und Kopulation mit Tieren mögen in die Gedanken der Chandellas des 10.

“Ich fand… sieben Hindu-Tempel, sehr schön und handwerklich exquisit gearbeitet, aber der Bildhauer hatte sein Thema zeitweise etwas wärmer entwickeln lassen, als es unbedingt nötig war ja, einige der Skulpturen hier waren extrem unanständig und beleidigend… Trotzdem schienen die Palki-Träger große Freude daran zu haben, um darauf hinzuweisen.”

Auf den Stufen des Vishvanatha-Tempels fand Burt die Inschrift, die den Historikern half, den Ort den Chandellas zuzuordnen und ihre Genealogie zusammenzustellen, aber es dauerte viele Jahre, bis Generalmajor Sir Alexander Cunningham Khajurahos umfassende Pläne erstellte und die Unterscheidung zeichnete zwischen den Gruppen ‘western’ und ‘eastern’.Alle Skulpturen, die Cunningham empfand, waren “höchst unanständig und die meisten von ihnen abscheulich obszön.”

Tantrischer Kult der Göttlichen Unterhaltung

Erotische Fotografien scheinen unter Forschern und interessierten Besuchern überproportional spekuliert und diskutiert zu werden. Die Rolle der Klarheit wird durch die Tatsache erschwert, dass in ihrer Literatur selbst die Chandellas selbst die Tempel kaum aufführten und der Name “Khajuraho” ungenau sein könnte, wörtlich von dem des nahe gelegenen Dorfes übernommen.

Vorschläge für Assoziationen mit tantrischen Kulten, die Sex als einen zentralen Aspekt der Religion verwenden, gehörten zu den Versuchen, den erotischen Inhalt der Schnitzereien zu erklären. Einige behaupten, dass sie vom Kamasutra beeinflusst wurden und gleichermaßen als Liebeshandbuch dienen sollten, während andere behaupten, dass die Skulpturen die Götter unterhalten, ihren Zorn ablenken und dadurch die Tempel vor Naturkatastrophen schützen sollten. Als Beweis dafür, dass jedes ein Yantra, eine bildliche Version eines Mantras, für die Meditation widerspiegelt, wurden alternativ die geometrischen Qualitäten solcher Bilder dargelegt.

Kandariya Mahadeva, Lakshmana und Vishvanatha, die sechzehn breiten Tafeln, die die sexuelle Vereinigung darstellen, die entlang der Nord- und Südseite der drei großen Tempel erscheinen, befassen sich oft mit der Verbindung der männlichen und weiblichen Elemente des Tempels, dem Mandapa und dem Garbha Griha (die ‘Gebärmutter’). Daher könnten sie als visueller Witz gedacht gewesen sein, der mit künstlerischer Freiheit erstellt wurde.

Die Jain-Tempelgruppe

Parsvanaths Tempel, der das ummauerte Gehege der Jain-Gruppe einnimmt, ist möglicherweise älter als Khajurahos Haupttempel, gemessen an seinem vergleichsweise einfachen Grundriss. Seine Quellen bleiben ein Rätsel, obwohl es offiziell als Jain-Denkmal aufgeführt ist, könnte es sich jedoch um einen hinduistischen Tempel gehandelt haben, der zu einem späteren Zeitpunkt den Jains gespendet wurde, die sich hier niederließen. Sicherlich sind auf den beiden horizontalen Bändern an den Wänden die animierten Schnitzereien von Khajurahos anderen Hindu-Tempeln gut dargestellt, und der obere ist voller Hindu-Götter in intimen Positionen.

Die besten Aktivitäten in Khajuraho

Tempeltour

Ein Ort, der Herz und Seele erfüllt, ist Khajuraho. Es ist nicht nur der künstlerische Zauber, den es bietet, sondern auch der tiefe Einblick in die reiche Kulturgeschichte des Lebens der Bürger der Vergangenheit. Um das Leben in seiner wahren Essenz zu spüren und zu schätzen, besuchen Sie Khajuraho.

Licht- und Tonshow

Die Licht- und Tonshow, die von der Westlichen Tempelgruppe gespielt wird, ist ein Anblick, den man für lange Zeit sehen und schätzen kann, unter all den Dingen, die man nachts in Khajuraho unternehmen kann.

Panna-Nationalpark

Ein Muss für einen Tagesausflug von Khajuraho ist der Panna-Nationalpark. Der Park umfasst das Pench Tiger Reserve, die Kulisse von The Jungle Book, dem beliebten Werk von Rudyard Kipling. Nach einem Treffer von Wilderern hat sich die Tigerpopulation kürzlich auf 40 erholt. Einige der seltensten Arten von Wildtieren sind in einem gemeinsamen Tigerreservat untergebracht. Im Stadtteil Chattarpur von Madhya Pradesh liegt dieser Park etwa 57 Kilometer von Khajuraho entfernt. Er lässt sich am besten per Jeep-Safari, Bootsfahrt oder Elefanten-Safari erkunden.

Khajuraho Tanzfestival

Jedes Jahr Ende Februar findet in Khajuraho ein einwöchiges klassisches Tanzfestival statt. Das Festival, das seit 1975 Menschenmassen anzieht, zeigt das Thema des klassischen Tanzes aus ganz Indien. Es bietet eine faszinierende Möglichkeit, die verschiedenen klassischen Formen des indischen Tanzes zu sehen, darunter Kathak, Bharat Natyam, Odissi, Kuchipudi, Manipuri und Kathakali. In der westlichen Tempelgemeinde werden Tänze abgehalten. Auf der Veranstaltung findet auch eine große Kunsthandwerksmesse statt.

Fort Ajaigarh

Zu den Hauptattraktionen der Region gehört das Ajaigarh Fort. Es steht allein im Stadtteil Panna auf einer Hügelkuppe und ist von Khajuraho aus schnell zu erreichen. Diese Festung bietet wirklich atemberaubende Ausblicke auf den Ken River. Nicht viele Leute wissen von dieser Festung, und sie ist relativ verlassen. Denken Sie daran, dass Sie ziemlich viel klettern müssen und es lohnt sich, hier einen Führer mitzunehmen

Museen

In Khajuraho gibt es zwei archäologische Museen, das alte befindet sich vor der Western Temple Community und ist sehr klein. Etwa 500 Meter von der Western Group entfernt beherbergt das neue Museum eine große Auswahl an Skulpturen, die dazu beitragen, die Geschichte von Khajuraho zu erzählen. Es ist möglich, die Museen leicht zu besichtigen und mittags der Sonne zu entfliehen. Mit Zeichnungen, Skulpturen und anderen Objekten gibt es auch ein Stammes- und Volkskunstmuseum, das einen lebendigen Einblick in die Stammeskulturen der Region bietet.

Fort Kalinjar

Erwähnt unter den acht Forts der Chandela-Könige, auf einem flachen felsigen Hügel des Vindhyanchal-Gebirges, ruht das Kalinjar-Fort über den Ebenen. In feinen Kunstwerken, Skulpturen und Steinbildern können Touristen die Spuren jedes Königs finden, der die Festung regierte.

Raneh Falls

Diese Wasserfälle mit atemberaubenden Felsformationen liegen etwa 20 km von Khajuraho entfernt und bieten Naturliebhabern einen Aufenthaltsort in einer malerischen Umgebung, umgeben von üppigen Wäldern. Während der Regenzeit kann der Ort besucht werden, um die Aussicht auf Wasserfälle zu genießen, die in verschiedenen Größen durch die Felsen stürzen. Der Sonnenuntergang ist hier besser zu beobachten.

Pandav-Wasserfälle

Hinter den Vorhängen des Panna-Nationalparks verbergen sich die Pandav-Wasserfälle, die aus einer Höhe von 30 Metern stürzen. Unterhalb des Wasserfalls befindet sich ein Teich, der von einer steilen Schlucht geschaffen wurde, die das gesamte Wasser des Wasserfalls speichert.

Ruinen von Mastani Mahal

In Madhya Pradesh liegt Mastani Mahal im Bezirk Dhubela, 60 km von Khajuraho entfernt. Der Mastani Mahal wurde 1969 von Maharaja Chhatrasal für einen Tänzer namens Mastani gegründet.

Beni Sagar Dam

Der Beni Sagar Dam erstreckt sich über eine Fläche von etwa 7,7 km² und bietet Touristen das, was nur wenige Orte bieten können: Ruhe und Gelassenheit.

Unterkünfte in Khajuraho

Khajuraho bietet viele Optionen für jedes Budget – von Hostels über Gastfamilien bis hin zu Luxushotels ist alles dabei.

Wo kann man in Khajuraho essen?

Außerhalb der Hotels hat Khajuraho eine minimale Auswahl an Restaurants. Die zuverlässigsten davon sind das Raja Café und das Maharaja Restaurant.

Raja Café ist beliebt für seine kontinentalen und europäischen Angebote wie Pizza, Pasta, Brownies und Sandwiches mit seinem begrünten Innenhof, Sitzgelegenheiten im Freien und einem idealen Veranstaltungsort. Auf der anderen Seite ist das Maharaja Restaurant besser an die einfache nordindische Küche angepasst. Beide befinden sich nur wenige Schritte voneinander entfernt auf dem Hauptplatz.

Wo kann man in Khajuraho einkaufen?

Khajuraho ist eine abgelegene Stadt ohne High Streets, Einkaufszentren oder Labels. Was es jedoch gibt, sind viele kleine Kunstgeschäfte, die lokal hergestellten Schmuck, Souvenirs, Figuren und Nachbildungen der erotischen Statuen anbieten, für die die Tempelstadt bekannt ist.

Das MP State Emporium, Mrignayani, wo Sie sich auf Service und Kosten verlassen können, ist der beste Ort, um hier einzukaufen.

Seien Sie bereit zu verhandeln, wenn Sie gerne an den nahe gelegenen Ständen auf dem Marktplatz in der Nähe der westlichen Tempelgruppe einkaufen.

Der Charme der Statuen bleibt im Laufe der Zeit ungebrochen, was auch immer die wahre Botschaft hinter den Tempeln von Khajuraho ist.


Was können Sie aus dem Kamasutra lernen?

Um eine moderne Übersetzung dieses alten Textes vorzubereiten, müssen zunächst einige offensichtliche Fragen beachtet werden. Wie wird das Kamasutra heute allgemein gesehen? Ist es von Interesse, abgesehen von Gelehrten oder Gelehrten? Kann es eine breitere Anziehungskraft haben? Und könnte das eine zeitgenössische Relevanz haben? Die Antworten können natürlich variieren, aber der objektive Hintergrund für die Betrachtung dieser Fragen ist der gleiche.

Das Kamasutra wurde vor etwa 2000 Jahren in Indien verfasst. Die Geschichte zeigt, dass es in diesem Land ein lebendiger Text blieb und seine Kunst und Literatur beeinflusste. In der modernen Welt wurde es erst vor etwa einem Jahrhundert mit seiner ersten Übersetzung aus dem ursprünglichen Sanskrit ins Englische durch den Entdecker und Linguisten Sir Richard Burton im viktorianischen Zeitalter bekannt. Seitdem wurde es in viele Sprachen rückübersetzt und erlangte als erstes Werk seiner Art in der Weltliteratur sowohl Berühmtheit als auch Bekanntheit.

Etwas mehr als hundert Jahre seiner wiederholten Präsentationen haben dazu tendiert, das Bild des Kama-Sutra zu stereotypisieren. Dies geschah im Westen und dann aufgrund des wachsenden westlichen Einflusses auf die Massenkommunikation von Ideen auch in der weiteren Welt. Indien bildete da keine Ausnahme, da auch es begann, sich selbst zunehmend durch Prismen zu betrachten, die es aus seiner kolonialen Vergangenheit geerbt hatte.

Das stereotype Bild des Kamasutra ist derzeit ein Inbegriff für Sex. Auf der einen Seite geht es um Techniken und Positionen des menschlichen Zusammenlebens. Andererseits hat es eine esoterisch-spirituelle Dimension des physischen Akts. Ein weiterer Aspekt ist, dass in den meisten Präsentationen jetzt Bilder das Wort überschatten. Das Kamasutra wird heute mehr angeschaut als gelesen. In einer weiteren Entwicklung wurde der Titel auch zu einem Markennamen für eine Vielzahl von Produkten und Dienstleistungen.

Wie es zu dieser Stereotypisierung kam, könnte eines Tages Thema einer Hochschularbeit sein. Der allmähliche Wandel der westlichen Werte, Macht und Wirtschaft sowie deren zunehmende Verbreitung und weltweiter Einfluss während des 20. Jahrhunderts spielten zweifellos eine Rolle. Das Endergebnis für das Kamasutra war, dass seine wissenschaftlichen Interpretationen bald von vielen weiteren Ausgaben überholt wurden, die hauptsächlich für die bildliche Erregung gedacht waren.

Im 21. Jahrhundert ist vielleicht die Zeit gekommen, das Werk jenseits dieses Stereotyps zu sehen. Das Kamasutra handelt sicherlich von Sex und Stellungen für den Geschlechtsverkehr, aber das ist nur eines seiner sieben Bücher. Eine vollständige Lektüre ohne Hinzufügungen oder Abzüge zeigt ihre Gesamtheit auch als Arbeit über verschiedene andere Aspekte der menschlichen Beziehungen. Es richtet sich sowohl an Männer als auch an Frauen. Zu seinen anderen Aspekten gehören Werbung und Ehe, Familie und soziales Leben, außereheliche und gleichgeschlechtliche Beziehungen, Rezepte für Schönheit, Leidenschaft und Macht sowie ein interessanter konzeptioneller Rahmen dafür, was menschliche Beziehungen eigentlich sind.

Das Kamasutra war auch ein Leitfaden für Genuss und raffiniertes Leben. Es beschreibt anschaulich die Lebensstile kultivierter Männer und modischer Frauen, aber auch zahlreiche soziale und künstlerische Fähigkeiten, die zu einem eleganten Wohnen gehören. Diese reichten von Musik und Gastronomie über Bücher und Sport bis hin zu Witz und Schlagfertigkeit und tragen zum Wert des Werks als Zeitdokument bei.

Was ist mit Fragen von dauerhafterer Bedeutung wie Ethik, Moral und Spiritualität? Der Text des Kamasutra hält sich von solchen Fragen weitgehend fern. Sein Ansatz ist amoralisch und bodenständig, nicht weltfremd oder urteilend zwischen Gut und Böse. Aber es sieht menschliche Beziehungen so vor, dass sie sich um andere kümmern und ihnen keinen Schaden zufügen.

Es konzeptualisiert auch drei grundlegende Ziele weltlichen menschlichen Handelns: Dharma oder Tugend und Rechtschaffenheit, Artha oder Reichtum und Macht und Kama oder Vergnügen. Das Streben nach jedem ist legitim, heißt es, aber alle müssen im Gleichgewicht verfolgt werden. Auf dieser Ebene gibt es eine übergreifende Ethik für die Arbeit als Ganzes.

Vor diesem Hintergrund geht es im Kamasutra zwar hauptsächlich um Sex, aber es hat auch einen breiteren Bogen, der ihm einen Platz im Mainstream der allgemeineren Lektüre verleiht. Es gibt faszinierende Einblicke in das Leben und Denken im alten Indien, von denen einige Facetten bis heute existieren. Dabei geht es auch auf zeitlose Aspekte menschlicher Beziehungen ein. Und das alles in einem Stil, der durch einige ironische Beschreibungen und augenzwinkernde Beobachtungen belebt wird. Über das Klischee hinauszugehen und das Ganze akkurat in einer zeitgemäß lesbaren Sprache darzustellen, die auch einen Hauch des Originals vermittelt, ist die größte Herausforderung eines modernen Übersetzers.

Aditya Haksar übersetzte eine neue Ausgabe des Kama Sutra [Penguin Classics, $15.00]


Was kommt vor dem Schlangensex? Ein Kamasutra der Balzbewegungen

Sein Kinn über ihre Haut ziehen. Schlinge seinen Körper um ihren. Verführerisch mit dem Kopf zucken, sie beißen und seinen Schwanz vibrieren lassen.

Im Kamasutra des Schlangengeschlechts sind dies die wichtigsten Paarungsbewegungen unter den Colubroiden, der weltweit größten Familiengruppierung von Schlangen mit etwa 2.500 Arten.

Um zu sehen, wie sich die Schlangenwerbung entwickelt hat, untersuchte der Herpetologe und Paläontologe Phil Senter der Fayetteville (North Carolina) State University Daten von 76 Schlangen der Gruppen Colubroidea und Boidae.

Aus Forschungen, die Untersuchungen von Fossilienfunden aus der Kreidezeit umfassten, fand er heraus, dass einige Colubroid-Anfälle uralt sind - Kinnreiben, Zucken -, während der "Koitalbiss" und "Schwanzköcher" später begannen. Alles in allem, sagt er, ist es "eine ganze Reihe von Tanzbewegungen".

Die Position der Schlangen-auf-Schlangen-Werbung, die als Montage bezeichnet wird, ist in der untersuchten Art "fast universell", schrieb Senter im September 2014 in der Zeitschrift PLUS EINS.

Er stellte jedoch mit klinischer Delikatesse fest, dass das Besteigen für die "Einführung", auch bekannt als Kopulation, nicht erforderlich ist. (Siehe auch "Bug Kama Sutra: Flexible Moth Evolved Many Ways to Mate".)

Um sich zu paaren, müssen Schlangen nur ihren Schwanzansatz an der Kloake ausrichten, einer Öffnung, die sowohl dem Fortpflanzungs- als auch dem Ausscheidungssystem dient. Das Männchen streckt seine Hemipenes, das zweizackige Geschlechtsorgan, das in seinem Schwanz gespeichert ist, aus und gibt mit jeder Hälfte Sperma in die Kloake des Weibchens ab.

Der Geschlechtsakt kann Stunden dauern, sagt Senter – normalerweise länger als die Werbung.


Schau das Video: Kamasutra (Juli 2022).


Bemerkungen:

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