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Junge Frau Haniwa

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Schwärzung der Zähne

Schwärzung der Zähne oder Zahnlackierung ist ein Brauch, sich die Zähne schwarz zu färben. Es wurde vor allem in südostasiatischen und ozeanischen Kulturen praktiziert, insbesondere bei austronesischen, austroasiatischen und Kra-Dai-sprechenden Völkern. Es wurde auch in Japan vor der Meiji-Ära sowie in Indien praktiziert. [1] [2] Es wurde auch von einigen Gruppen in Amerika durchgeführt, vor allem von den Shuar im Norden Perus und Ecuadors. [3]

Die Schwärzung der Zähne erfolgt in der Regel während der Pubertät. Sie diente in erster Linie dem Erhalt der Zähne bis ins hohe Alter, da sie Karies ähnlich dem Wirkmechanismus moderner Zahnversiegelungen vorbeugt. Es wurde als Zeichen von Reife, Schönheit und Zivilisation angesehen. Es wird allgemein angenommen, dass geschwärzte Zähne Menschen von Tieren unterscheiden. Das Schwärzen der Zähne wird oft in Verbindung mit Traditionen des Zähneschärfens und -ausstoßens sowie mit anderen Bräuchen zur Körpermodifikation wie Tätowierungen durchgeführt. Das Schwärzen und Feilen der Zähne wurde von frühen europäischen Entdeckern und Kolonisten mit Faszination und Missbilligung betrachtet. Die Praxis überlebt in einigen isolierten ethnischen Gruppen in Südostasien und Ozeanien, ist aber nach der Einführung westlicher Schönheitsstandards während der Kolonialzeit weitgehend verschwunden [1] [2] [3] und setzt sich bei vielen Minderheitengruppen in China, den pazifischen Inseln und . fort Südostasien. Es ist hauptsächlich bei älteren Frauen verbreitet, obwohl die Praxis von einigen jüngeren Frauen immer noch praktiziert wird. Manchmal werden künstliche Zähne verwendet, um geschwärzte Zähne zu erzielen.

Die Schwärzung der Zähne wird häufig mit den rot gefärbten Zähnen durch Betelkauen verwechselt. Das Kauen von Beteln schädigt jedoch die Zähne und das Zahnfleisch, während das Schwarzwerden der Zähne dies nicht tut. [1] [2]


Inhalt

Die Geschichte spielt 50 Jahre nach dem Original und enthält eine neue Besetzung – in erster Linie die neue Hauptfigur Kenji Kusanagi, ein Gymnasiast und Motorradrennfahrer, der zu Koutetsushin Jeeg wird, um gegen das plötzliche Wiederauftauchen von „Haniwa Genjin“ („Haniwa Phantom Gods" oder Tonroboter) aus dem Great Jama Kingdom, das von Königin Himika regiert wird. Andere Charaktere sind Tsubaki Tamashiro (Enkelin von Miwa Uzuki) und Kyo Misumi, Kenjis Partner. Andere Hauptfiguren aus der Originalserie erscheinen ebenfalls.

1975, Kyushu. Der Krieg gegen das Great Jama Kingdom wendet sich gegen die japanischen Sicherheitskräfte. Während eines heftigen Zusammenstoßes zwischen Königin Himika und ihren Generälen gegen den ersten Jeeg, der von Hiroshi Shiba gesteuert wird, wird die in Jeeg eingebettete Bronzeglocke aktiviert und er wird in den Krater eines erloschenen Vulkans transportiert. Dort ergreift er ein riesiges Schwert und erzeugt einen Energiewirbel, der die gesamte Insel umgibt. Dunkle Wolken wirbeln und Kyushu wird von einem undurchdringlichen Raum verschlungen, der später als "Zone" bezeichnet wird. Jegliche Kommunikation mit Kyushu hört auf. Im Laufe der Jahre, in denen keine Veränderungen in der Zone verzeichnet wurden, verlieren die Menschen und sogar die Regierungen der Welt ihr Interesse an der Zone, und die Welt bewegt sich weiter. Die japanische Regierung beschließt jedoch, eine neue Baubasis zu bauen, um die Zone in Vorbereitung auf einen möglichen Angriff zu überwachen.

Basis erstellen Bearbeiten

  • Kenji Kusanagi ( 草薙 剣児 , Kusanagi Kenji ) - 17 Jahre alt. Der Hauptprotagonist der Serie. Ein Gymnasiast, der auch ein geübter Motorradrennfahrer und Kampfsportler ist. Er und Kyo sind HMB-Rennfahrer (Hyper Motor Bike) für das Team Shiba, aber trotzdem sind sie klare Rivalen. Er wird der Pilot von Koutetsushin Jeeg, als ein Haniwa Genjin erwacht und seine Stadt bedroht. Er ist nicht dafür bekannt, ein großer Denker zu sein, da er normalerweise pervers gegenüber Frauen und vorschnell im Kampf handelt. Er hat auch einen unglaublichen Appetit und wird immer in der Cafeteria gesehen, wie er nach jedem Kampf riesige Mengen an Essen isst. Er hat eine Schwäche für seinen Jugendfreund Tsubaki.
  • Tsubaki Tamashiro ( 珠城 つばき , Tamashiro Tsubaki ) - 17 Jahre alt. Als Jugendfreundin von Kenji besucht sie dieselbe High School und geht in dieselbe Klasse wie Kenji und Kyo. Sie lebt mit ihrer Großmutter in einem Schrein und dient als Schreinmädchen. Sie arbeitet auch in Teilzeit in der Build Base und ist Kyos Co-Pilotin auf dem Big Shooter. Sie ist dafür verantwortlich, Kenji mit den Jeeg-Teilen zu versorgen. Als Kind hat sie Kenji oft gehänselt und zum Weinen gebracht, und in letzter Zeit macht er sie oft wütend, aber sie kümmert sich wirklich um ihn, bis sie sich mit der typischen tsundere-gewalttätigen Haltung benimmt.
  • Kyo Misumi ( 美角 鏡 , Misumi Kyō) - 17 Jahre alt. Kyo ist ziemlich mysteriös und zusammen mit seinem guten Aussehen das Objekt der Zuneigung vieler Mädchen in der High School. Er arbeitet in der Build Base als Pilot des Big Shooter. Er arbeitet viel länger in der Build Base, als Tsubaki einst glaubte. Er und Kenji sind klare Rivalen im HMB-Sport und er drängt ihn immer am härtesten. Er birgt auch ein Geheimnis, von dem Kenji und Tsubaki nichts wissen, das er ihnen aber gegen Ende der Serie enthüllen wird.
  • Miwa Tamashiro ( 珠城 美和 , Tamashiro Miwa) - Früher bekannt als Miwa Uzuki ( 卯月美和 , Uzuki Miwa) oder Micchi, sie war die Pilotin für den ursprünglichen Big Shooter vor 50 Jahren und lieferte die Jeeg-Teile für den damaligen Jeeg, Hiroshi Shiba. Sie wurde von Himika abgeschossen und landete außerhalb von Kyushu, als die Zone errichtet wurde. Sie sah Hiroshi nie wieder. Jetzt, 50 Jahre später, ist sie die Großmutter von Tsubaki, und als die Streitkräfte von Himika wieder lebendig werden, nimmt sie ihren Platz als Kommandantin der neuen Baubasis ein. Sie hat ihr ganzes Leben lang auf Kenji und Tsubaki aufgepasst.
  • Senjiro Shiba ( 司馬 遷次郎 , Shiba Senjir) - Der Vater des ursprünglichen Jeeg, Hiroshi Shiba. Er ist ein kompetenter und äußerst begabter Wissenschaftler. Bei einer archäologischen Ausgrabung im Jahr 1975 entdeckte er ein Gehäuse mit einer Bronzeglocke. Die Glocke enthielt immense Macht und Senjiro integrierte diese Macht in den mächtigen Jeeg, um das Große Jama-Königreich zu bekämpfen. Nachdem er aus Kyushu entkommen war, benutzte er eine zweite Glocke, um einen neuen Jeeg zu erschaffen, und wartete auf den Tag, um zu verhindern, dass das Große Jama-Königreich aufsteigt, um die Erde erneut zu erobern. Er ließ die neue Baubasis an der Küste mit Blick auf die Zone bauen. In der Originalserie und dem Manga wird Professor Shiba sehr früh in der Serie getötet, dies wurde erneut verbunden.
  • Baue Engel - Drei Frauen, die die Hauptverteidigung der Build Base sind und auch die fliegende Unterstützung für Jeeg und Big Shooter sind. Sie werden auch früher in der Serie auf Aufklärungsmissionen geschickt. Zwei der Mitglieder, Tatsuko Mido ( 身堂 竜子 , Mid Tatsuko) und Monko Saotome ( 早乙女 門子 , Saotome Monko) , kamen von der japanischen Verteidigungsstreitmacht auf der Insel Kyushu und waren die letzten überlebenden Piloten ihres F-4-Geschwaders. Als die Zone sich ihnen näherte, beschlossen sie, eine Pause für die Außenwelt einzulegen und schossen ihren Jet durch die Gewitterwolken. Sie konnten durchbrechen, mussten aber ihren zerstörten Kampfjet ins Meer werfen. Sie waren jedoch schockiert, als sie feststellten, dass in der Zeit, die sie brauchten, um die sich noch bildende Barriere zu durchbrechen, 50 Jahre vergangen waren. Während der Nachbesprechung wurden sie einem älteren Senjiro Shiba und einer jungen Frau mit einer Augenklappe vorgestellt, die ihr kommandierender Offizier, Captain ., werden sollte Mitsuko Yagyuu ( 柳生充子 , Yagyuu Mitsuko) . Die drei Frauen würden sich zu den Build Angels zusammenschließen.
  • Hiroshi Shiba ( 司馬 宙 , Shiba Hiroshi ) - Der als "Original Jeeg" bezeichnete Hiroshi ist ein Cyborg-Mensch, der vor 50 Jahren an der Seite von Miwa gekämpft hat, aber mit dem Preis, Miwa an die Zone zu verlieren. Nach 50 Jahren war er wieder mit Miwa vereint, trat zusammen mit Kenji und den anderen auf, um das Great Jama Kingdom ein für alle Mal endgültig zu beenden. Seine Fähigkeit ist Cyborg ändern, wodurch er seine Form zu Jeegs Kopf ändern kann, der dann mit den Original-Jeeg-Teilen des Big Shooter verbunden wurde.

Haniwa Empire Bearbeiten

  • Königin Himika - Die Königin des Haniwa-Reiches und Schöpferin der Phantomgötter. Sie sucht die Bronzeglocke sowie Rache an der Build Base für ihre Niederlage vor fünfzig Jahren. In der letzten Folge verschmilzt sie mit ihren drei Untergebenen zu einem extrem mächtigen Dämon namens Susanoh.
  • Ikima - Der inoffizielle Anführer von Himikas Untergebenen ist mit einem Schwert bewaffnet und verwendet hauptsächlich Elementarmagie basierend auf Blitzen.
  • Amaso - Einer von Himikas drei Untergebenen, erscheint als Gecko mit Kristallen am ganzen Körper, auf den er schießen kann, und verwendet hauptsächlich Elementarmagie, die auf Feuer basiert.
  • Mimashi - Einer von Himikas drei Untergebenen scheint die linke Seite seines Gesichts verbrannt zu haben, der hauptsächlich auf Wasser basierende Elementarmagie verwendet und wie Ikima ein Schwert schwingt.
  • Taikaengu - Eine große Festung des Haniwa-Imperiums, die von ihrer Unterseite aus zwei Laser abfeuert.

Haniwa Phantoms Bearbeiten

Haniwa Phantoms dienen als Monster der Woche für die Serie, ähnlich wie in der Originalserie. In Episode 12 kehren alle zurück, um gegen beide Jeegs auf dem Mond zu kämpfen. Sie werden normalerweise von dem großen mantarochenähnlichen Schiff namens The . transportiert Daikaenguu.

  • Magura: Erscheint in Episode 1 und 2. Zu den Kräften gehören ein blauer Augenstrahl, schwarze Augenschrauben, Mundfeuerbälle, Statuenzerfall, ausfahrbare Arme, elektrischer Impuls und Regeneration. Wird später wiederbelebt und mit erhöhter Geschwindigkeit versehen. Magura ähnelt sehr Neo Ranga und seine wiederbelebte Form ist der ursprünglichen Form von Ranga von Neo Ranga ähnlich.
  • Mezura: Erscheint in Episode 3. Zu den Kräften gehört ein Pferdemodus, der Supergeschwindigkeit, Maulfeuerbälle und scharfe Zähne gewährt. Basiert höchstwahrscheinlich auf Horse-Face aus der chinesischen Mythologie.
  • Ohkaenguu: Erscheine durch die Serie ab Episode 4 als Hauptinfanterie des Jamatai-Imperiums. Zu den Kräften gehören Levitation, violette Blitze und ein Paar Yomi-Soldaten, die mit einem Paar Schwertern bewaffnet sind.
  • Kajira: Erscheint in Episode 4. Zu den Fähigkeiten gehören Schwimmen, Schwertfischnasenschwert und ausziehbare Flossen. In Folge 12 könnte es auch fliegen.
  • Bakura: Erscheint in Episode 5. Nur Macht ist ein weißer dimensionaler Traumstrahl aus dem Mund.
  • Makara: Erscheint in Episode 6. Zu den Kräften gehören ein Holzhammer, drei rote Energiestrahlen aus dem Fischmaul, Körperfett, ein Axtaufsatz für die rechte Hand, ein Streitkolbenaufsatz für die linke Hand und ein Axtkreissägenmodus.
  • Tobira: Erscheint in Episode 8. Zu den Kräften gehören Flug, Mundfeuerbälle, Hurrikanwinde von den Flügeln, Hochtemperaturfedern und scharfe Krallen.
  • Gebura: Erscheint in Episode 9. Zu den Fähigkeiten gehören Schwimmen, Granatenfeuerballkanonen, eine Rüstung, die stark genug ist, um der Jeeg-Bazooka zu widerstehen, und Superfeuerbälle aus dem Granatmund.
  • Banshouaguu: Erscheint in Episode 10. Zu den Kräften gehören ein umlenkendes Kraftfeld und telekinetische Schocks.

Raikoba ( , Raikōba) Bearbeiten

Kenjis Motorrad. Gebaut von Build Base mit der Bronzeglocke als Kern. Während der Fahrt mit dem Motorrad kann Kenji die Verwandlung des Raikoba aktivieren, indem er seine Fäuste zusammenknallt und "Build Up!" schreit. (beim Tragen von speziellen gelben Handschuhen mit einem grünen "S"). Der Raikoba verwandelt sich dann in die Kopfeinheit des Jeeg (ähnlich wie Hiroshi Shiba sich in den Jeeg-Kopf verwandelt hat, außer dass er kein Motorrad brauchte, da er ein Cyborg war). Kenji erfährt später, dass seine eigenen Eltern Teil des Jeeg-Projekts waren und sein Vater Raikoba entworfen hat.

Big Shooter Bearbeiten

Ein großer Jet, der die Körperteile und Waffen des Jeeg beherbergt. Der Big Shooter wird hauptsächlich von Kyo gesteuert, der den Flug und die Bordwaffen des Jets kontrolliert. Der "Shooter" wird vom Co-Piloten Tsubaki bedient. Sie kann die Jeeg-Teile aus den Öffnungen des Jets schießen, wo sie sich aufstellen und zu Jeegs Körper verbinden. Im Gegensatz zum ursprünglichen Big Shooter besteht der Jet von Kyo und Tsubaki tatsächlich aus 2 Einheiten, dem Hauptflugzeug und der darunter angebrachten Schusseinheit. Während des Fluges kann Big Shooter auch Raikoba beherbergen und sie und ihren Fahrer wie ein Katapult abschießen. Miwa hat auch ihren ursprünglichen Big Shooter im Anime verwendet.

Kotetsu Jeeg ( , Kōtetsu Jīgu) Bearbeiten

Der Mecha, der während des größten Teils der Serie verwendet wurde. Wenn sich der Raikoba in das Kopfteil verwandelt hat und der Big Shooter die Jeeg-Teile auf den Markt gebracht hat, werden sie durch das "Aufbauen!" zu Jeeg kombiniert. Prozess. Jeegs Rüstung ist sehr langlebig und kann viel Bestrafung aushalten, bevor Anzeichen von Schäden sichtbar werden. Der Mecha hat verschiedene Waffen, die in das Design eingebettet sind:

  • Knöchelbomber: Der Standard-Rocket Punch, der in praktisch jedem Super Robot-Anime enthalten ist.
  • Jeeg Beam: Ein kurzer Strahl konzentrierten Lichts aus Jeegs "Augen".
  • Höllenschlag: Eine von Jeegs Händen wird mit scharfen Stacheln gefüllt und auf dem Handrücken erscheint ein kleines Düsentriebwerk, das die Hand nach vorne schießt und einen kräftigen Schlag abgibt.
  • Jeeg Breaker: Jeegs Brusthöhle öffnet sich und gibt Reihen scharfer Stacheln frei. Kenji packt den Feind dann um die Taille und benutzt Jeegs Arme und die Bruststacheln, um den Feind zu zerquetschen und in zwei Teile zu brechen.
  • Magnetseil: Die grünen Knöpfe auf Jeegs Brust strahlen 6 Lichterketten aus, mit denen Kenji den Feind fangen und binden kann.
  • Spinnsturm: Jeegs ultimative Waffe. Ein großer rot-schwarzer elektromagnetischer Wirbelwind, der aus einem Loch in Jeegs Bauchregion ausgestrahlt wird, prallt auf den anvisierten Feind und vernichtet ihn oft vollständig.

Jeeg ist auch mit verschiedenen anderen Teilen ausrüstbar, wie den Earth Parts, Sky Parts, den Mach Drills, Jeeg Bazooka und einem Baruba-Fahrermodus, in dem Jeeg auf dem Rücken von Baruba sitzt.

Original Jeeg Bearbeiten

Hiroshis Kampfform, nachdem er sich zum Jeeg-Kopfteil plus den Original-Jeeg-Teilen geändert hat. Es behält die gleichen Waffen wie die alte Serie bei, insbesondere die Earth Parts, Sky Parts, die Mach Drills und die Jeeg Bazooka. In Super Robot Wars K wurde der ursprüngliche Koutetsu Jeeg in "Jiigu" (磁偉倶) umbenannt, um eine Verwechslung mit dem neuen Koutetsu Jeeg zu vermeiden.

Kotetsushin Jeeg ( , Kōtetsushin Jīgu) Bearbeiten

Jeegs letzte Form, nachdem Hiroshi seine Bronzeglocke an Kenji geopfert hat, um sein Leben und die Macht von Baruba zu retten. Der "Stahlgott" genannt, war Jeegs mächtigste Form. Sein stärkster Angriff ist der "Triple Storm".

  • Ursprünglicher Schöpfer: Go Nagai
  • Regie: Jun Kawagoe
  • Serienkomposition: Tadashi Hayakawa
  • Szenario: Shoji Tonoike, Natsuko Takahashi, Yuuko Kakihara
  • Charakterdesign: Akira Kikuchi
  • Animationsdirektor: Akira Kikuchi
  • Mechanisches Design: Hiroshi Ogawa
  • Haniwa Genjin Design: Hiroshi Kobayashi
  • Art Director: Nobuhito Sakamoto
  • Farbdesign: Sachiko Harada
  • Kamera: Yasuhiko Abe
  • CGI: Umschalt-R (?)
  • Herausgeber: Jun Takuma
  • Hintergrundkunst: BIC Studio
  • Fotografie: SELTENE TRICK
  • Tonregie: Yoshikazu Iwanami
  • Tonproduktion: Jinnan Studio
  • Musikproduzent: Shunji Inoue
  • Musikproduktion: Lantis
  • Titelsong-Künstler JAM PROJECT (OP)
  • Animationsproduktion: Actas

Koutetsushin Jeeg trat in den Super Robot Wars-Spielen, Super Robot Wars K und Super Robot Wars L für den Nintendo DS auf.


Inhalt

Es kann eine Kontinuität in der Herstellung der geben Hundū, humanoide Figuren, von der alten Jōmon-Kultur in Japan (8000–200 v. Chr.) und in den Haniwa-Grabfiguren der späteren Kofun-Kultur (um 300–600 n. Chr.). Der Experte Alan Pate stellt fest, dass sich Tempelaufzeichnungen auf die Herstellung einer Graspuppe beziehen, die im Jahr 3 v. Chr. gesegnet und in den Fluss am Ise-Schrein geworfen werden sollte .

Im frühen elften Jahrhundert, um den Höhepunkt der Heian-Zeit, wurden bereits mehrere Puppentypen definiert, wie aus Lady Murasakis Roman bekannt Die Geschichte von Genji. Mädchen spielten mit Puppen und Puppenhäuser, Frauen stellten Schutzpuppen für ihre Kinder her oder Enkelpuppen wurden in religiösen Zeremonien verwendet, um die Sünden einer Person auf sich zu nehmen, die sie berührt hatten.

Hōko, wenn auch nicht explizit erwähnt in Die Geschichte von Genji, waren Puppen mit weichem Körper, die jungen Frauen im Alter und insbesondere schwangeren Frauen zum Schutz der Mutter und des ungeborenen Kindes gegeben wurden. [1] Quellen, die sie namentlich erwähnen, tauchen in der Heian-Zeit auf, sind jedoch in der Muromachi-Zeit offensichtlicher. [2]

Okiagari-koboshi sind Rollos aus Pappmaché, die mindestens bis ins 14. Jahrhundert zurückreichen. Sie sind Glücksbringer und Symbole für Ausdauer und Belastbarkeit.

Die ersten professionellen Puppenmacher waren wahrscheinlich Tempelbildhauer, die ihr Können nutzten, um gemalte Holzbilder von Kindern (Saga-Puppen) herzustellen. Die Möglichkeiten dieser Kunstform, mit geschnitztem Holz oder Holzkomposition, einem glänzenden weißen "Haut"-Lack namens gofun aus gemahlenen Austernschalen und Leim und Textilien waren riesig.

Während der Edo-Zeit (ca. 1603–1867), als Japan für den größten Teil des Handels geschlossen war, entwickelten sich sowohl feine Puppenmacher als auch ein Markt für wohlhabende Personen, die für die schönsten Puppensets für die Präsentation in ihren Häusern oder als wertvolle Geschenke bezahlten. Puppensets enthielten größere und aufwendigere Figuren und mehr davon. Der wettbewerbsorientierte Handel wurde schließlich von der Regierung reguliert, was bedeutete, dass Puppenmacher verhaftet oder verbannt werden konnten, weil sie Gesetze zu Material und Körpergröße brachen.

Während der Edo-Zeit entwickelten sich die meisten traditionellen Puppen.

  • Hina Puppen sind die Puppen für Hinamatsuri, das Puppenfest am 3. März. Sie können aus vielen Materialien bestehen, aber die klassische Hina-Puppe hat einen pyramidenförmigen Körper aus aufwendigen, vielschichtigen Textilien, die mit Stroh und/oder Holzblöcken gefüllt sind, geschnitzte Holzhände (und in einigen Fällen Füße) bedeckt mit gofun, und ein Kopf aus geschnitztem Holz oder geformter Holzkompo bedeckt mit gofun, mit eingelassenen Glasaugen (obwohl die Augen vor etwa 1850 in die gofun und bemalt) und Menschen- oder Seidenhaar. Ein vollständiges Set umfasst mindestens 15 Puppen, die bestimmte Charaktere darstellen, mit vielen Accessoires (Dogu), obwohl das Grundset ein männlich-weibliches Paar ist, das oft als Kaiser und Kaiserin bezeichnet wird.
  • Kintar Puppen werden japanischen Kindern während der Tango no Sekku Urlaub, um in ihnen den Mut und die Stärke des legendären Kintarō-Kindes zu inspirieren.
  • Musha, oder Kriegerpuppen, bestehen normalerweise aus ähnlichen Materialien wie die hina Puppen, aber die Konstruktion ist oft komplizierter, da die Puppen Männer (oder Frauen) darstellen, die auf Campingstühlen sitzen, stehend oder auf Pferden reiten. Rüstungen, Helme und Waffen bestehen aus lackiertem Papier, oft mit Metallakzenten. Es gibt keinen bestimmten "Satz" solcher Puppen, darunter Kaiser Jimmu, Kaiserin Jingū mit ihrem Premierminister Takenouchi, der ihren neugeborenen kaiserlichen Sohn Shoki den Dämonen-Queller hält, Toyotomi Hideyoshi und seine Generäle und Teemeister sowie Märchenfiguren wie als Momotarō der Pfirsichjunge oder Kintarō der Goldjunge.
  • Gosho Puppen zeigen fette, süße Babys in vereinfachter Form. Das Grundlegende gut ist ein fast nackt sitzender Junge, in einem Stück geschnitzt, mit sehr weißer Haut, obwohl auch Gosho mit aufwendiger Kleidung, Frisur und Accessoires, sowohl weiblich als auch männlich, populär wurde. Sie entwickelten sich als Geschenke, die mit dem kaiserlichen Hof verbunden waren, und "gosho" konnte mit "Palast" oder "Gericht" übersetzt werden.
  • Kimekomi Puppen (ja:木目込人形) sind aus Holz. Die Vorfahren der Kimekomi-Puppen sind die Kamo-Puppen ("Weidenholz"), kleine Puppen, die aus Weiden geschnitzt und mit Stoffresten verziert sind. Kimekomi bezieht sich auf eine Methode zur Herstellung von Puppen. Sie beginnen mit einer geschnitzten und / oder geformten Basis aus Holz, Holzcomposite oder (bei einigen modernen Puppen) Kunststoffschaum. Ein Design aus verschieden gemusterten Stoffresten ist geplant und der Boden ist gerillt, so dass die Stoffkanten in den Rillen versteckt werden können. Das Tuch wird aufgeklebt und die Kanten eingesteckt. Kopf und Hände (falls vorhanden) der Puppe sind in der Regel mit gofun das Haar kann Teil des geformten Kopfes sein oder eine separate Perücke sein. Diese Puppen sind zu einem sehr beliebten Handwerk geworden und Bausätze mit fertigen Köpfen können gekauft werden. Die Methode wird auch von einigen der avantgardistischen Puppenmacher Japans verwendet, die die alten Materialien an neue Visionen anpassen.
  • Karakuri ningyō, Puppen oder Puppen sind mechanisch, dazu gehören die großen Figuren auf Festwagen, für Festivals wie Gion Matsuri in Kyoto und kleinere unterhaltsame Szenen, oft mit einem musikalischen Element, das die Bewegung begleitet. Sie stellen oft legendäre Helden dar.
  • Bunraku Puppen sind eine Theaterform, die mit den Kabuki Theater und überlebt heute.
  • Kokeshi Puppen werden seit 150 Jahren hergestellt und stammen aus Nord-Honsh, der Hauptinsel Japans. Sie wurden ursprünglich als Spielzeug für Bauernkinder hergestellt. Sie haben keine Arme oder Beine, aber einen großen Kopf und einen zylindrischen Körper, die kleine Mädchen darstellen. Aus einem einfachen Spielzeug ist es heute ein berühmtes japanisches Handwerk geworden und heute ein etabliertes Souvenir für Touristen.
  • Iki-ningyō sind lebensgroße lebensechte Puppen, die in misemono zeigt an. [3][4] Künstler schufen Iki-ningyō, die nicht nur wegen ihrer Themen, die die Betrachter schockierten – zum Beispiel Figuren, die in eigenen Blutlachen lagen – neu waren, sondern auch wegen ihres Einflusses auf japanische Puppen. Vor allem die Werke von Matsumoto Kisaburō und Yasumoto Kamehachi trugen zu einem extremen Realismus bei. [5]
  • Ichimatsu Puppen (ja:市松人形) stellen kleine Mädchen oder Jungen dar, richtig proportioniert und meist mit fleischfarbener Haut und Glasaugen. Die ursprünglichen Ichimatsu wurden nach einem Kabuki-Schauspieler aus dem 18. Jahrhundert benannt und müssen einen erwachsenen Mann repräsentiert haben, aber seit dem späten 19. aufwendig gefertigte Gelenke oder mit schlaffen Oberarmen und Oberschenkeln). Babypuppen mit schelmischen Ausdrücken waren am beliebtesten im späten 19. und frühen 20. und die Ästhetik dieser Puppen beeinflusste Puppenmacher, diese Art eines feierlichen, sanft aussehenden kleinen Mädchens in einem kunstvollen Kimono nachzuahmen.
  • Daruma sind kugelförmige Puppen mit roten Körpern und weißen Gesichtern ohne Pupillen. Sie stellen Bodhidharma dar, einen Ostinder, der der Legende nach vor etwa 1500 Jahren das Zen begründete. Daruma-Puppen sind Reize, die Glück, anhaltenden Wohlstand und Stärke bringen, um Ziele zu erreichen. Normalerweise werden Daruma-Puppen ohne Augen gekauft. Ein Auge ist gefüllt, wenn ein Wunsch erfüllt wird, das andere, wenn der Wunsch erfüllt wird. Wünsche können das ganze Jahr über gemacht werden, aber in Japan ist es üblich, dies am Neujahrstag zu tun.
  • Teru Teru Bozu ("Glanz-Glanz-Mönch") ist streng genommen keine Puppe. Es ist handgefertigt aus weißem Papier oder Stoff und wird an einer Schnur an einem Fenster aufgehängt, um gutes Wetter zu bringen und Regen zu verhindern.
  • Hoko-Puppe ("kriechendes Kind") ist eine Puppe mit weichem Körper, die jungen Frauen im Alter und insbesondere schwangeren Frauen in Japan als Talisman zum Schutz von Mutter und ungeborenem Kind gegeben wird.

Mit dem Ende der Edo-Zeit und dem Aufkommen der modernen Meiji-Ära Ende des 19. Jahrhunderts änderte sich auch die Kunst der Puppenherstellung.

  • Puppen mit Seidenhaut oder "Maskengesicht" wurden in den 1920er und 1930er Jahren in Japan zu einem beliebten Handwerk, das es dem Einzelnen ermöglichte, aufwendige Kimonos für Puppen zu entwerfen, die Frauen verschiedener Epochen der japanischen Geschichte, insbesondere der Edo-Zeit, darstellen. Puppen dieser Art wurden weiterhin hergestellt und waren ein beliebter Gegenstand, den Soldaten und Touristen nach dem Zweiten Weltkrieg mitbrachten, obwohl sie möglicherweise auch Puppen wählten, die ähnliche Motive darstellten, die mit hergestellt wurden gofun Gesichter. sind aus gebranntem Ton. Fukuoka ist ein traditionelles Zentrum der Herstellung von Biskuit-Puppen und Hakata ningyō sind in ganz Japan bekannt.
  • Anesama ningyō und shiori ningyō (wörtlich „große Schwesterpuppen“ bzw. „Lesezeichenpuppen“) bestehen aus Washi-Papier. Anesama Ningyo neigen dazu, dreidimensional zu sein, während Shiori Ningyō flach sind. Anesama Ningyo haben oft aufwendige Frisuren und Kostüme aus hochwertigem Washi-Papier. Ihnen fehlen oft Gesichtszüge. Diejenigen aus der Präfektur Shimane sind besonders berühmt.
  • Ein Hybrid aus Anesama Ningyō und shiori ningyō, namens Shikishi Ningyo, ist in den letzten Jahren populär geworden. Shikishi Ningyō sind eine Art japanischer Papierpuppen mit Figuren und Szenen, die auf . montiert sind shikishi, ein rechteckiger ausgefallener Karton von etwa einem Quadratfuß (etwa einem Zehntel Quadratmeter) Größe.
  • Neuere und weniger traditionelle japanische Puppen sind Kugelgelenkpuppen (BJDs), deren Popularität sich seit dem Aufkommen des Super Dollfie, das 1999 erstmals von Volks hergestellt wurde, in den USA und anderen Ländern verbreitet hat. BJDs können sehr realistisch aussehen oder mehr basierend auf der Anime-Ästhetik. Sie bestehen aus Polyurethanharz, was sie sehr langlebig macht. Diese Puppen sind in hohem Maße anpassbar, da die Besitzer sie schleifen, ihre Perücken- und Augenfarben ändern und sogar ihre Gesichtsfarbe ändern können. Aufgrund dieses praktischen Aspekts der Anpassung sind sie nicht nur bei Sammlern, sondern auch bei Bastlern beliebt.

Japanische Puppen sind in mehrere Unterkategorien unterteilt. Zwei der bekanntesten sind der Girl's Day, Hina-ningyo, und der Boy's Day Musha-ningyo oder Schaupuppen, sagu-ningyo, gosho-ningyo und isho-ningyo. Sammlungen können nach dem Material kategorisiert werden, aus dem sie bestehen, wie Holzpuppen Kamo-Ningyo und Nara-Ningyo und Tonformen wie Fushimi Ningyo, Koga Ningyo und Hakata Ningyo.

Im neunzehnten Jahrhundert wurden Ningyo in den Westen eingeführt. Das Puppensammeln ist im Westen inzwischen zu einem beliebten Zeitvertreib geworden. [6] Berühmte bekannte Sammler aus dem Westen sind Persönlichkeiten wie James Tissot (1836–1902), Jules Adeline (1845–1909), Eloise Thomas (1907–1982) und Samuel Pryor (1898–1985). [7] James Tissot war als Maler der Religionsgeschichte bekannt. Nach dem Besuch einer Londoner Ausstellung im Jahr 1862 fühlte er sich von der japanischen Kunst angezogen. In den 1860er Jahren war Tissot als einer der bedeutendsten Sammler japanischer Kunst in Paris bekannt. Seine Sammlungen enthalten kosode-Kimono im Stil, Gemälde, Bronze, Keramik, Paravents und eine Reihe von bijin-ningyo (Puppen aus der späten Edo-Zeit). [8] Adeline war als arbeitender Künstler bekannt und er ist auch als "Mikika" bekannt. Adeline hat im Laufe seiner Karriere als arbeitender Künstler viele Werke geschaffen. Er ist vor allem für seine Radierungen bekannt und erhielt für seinen Vieux-Roven "Le Parvis Notre-Dame" das Kreuz der Ehrenlegion. Im Gegensatz zu Tissot gilt Adeline als wahre Sammlerin. [ Zitat benötigt ] Ein Großteil von Adelines Sammlung bestand aus Ningyo und nur wenigen Drucken.

Während der Meiji-Zeit wurden drei Männer zu Pionieren beim Sammeln von Ningyo, Shimizu Seifū (1851-1913), Nishizawa Senko (1864-1914) und Tsuboi Shōgorō (1863-1913). Die drei Männer werden als "Gangu San Ketsu" (die drei großen Spielzeugsammler) bezeichnet. Sie führten einen systematischen Ansatz zum Sammeln von Ningyo ein, um die verschiedenen Formen von Ningyo zu bewahren und zu dokumentieren. Shimizu, ein Künstler und Kalligraph, setzte seine künstlerischen Fähigkeiten ein, indem er einen illustrierten Katalog seiner eigenen Sammlung von 440 Ningyo-Puppen erstellte. Der Katalog erschien 1891 unter dem Titel Unai no Tomo. Nishizawa, ein Bankier, hat eine bedeutende Sammlung an hina-ningyo. Er war ein aktiver Forscher, Sammler von Geschichten, Dokumenten und Informationen zur Entwicklung von hina-ningyo während der Edo-Zeit. Nishizawas Sohn Tekiho (1889-1965) erbte seine Sammlung, aber ein großer Teil der Sammlung ging beim Kanto-Erdbeben von 1923 verloren. Tsuboi, Gründer der Tokyo Anthropological Society, war der am besten ausgebildete der drei und brachte ein wissenschaftliches Element mit zum Sammeln von Ningyo. [9] Puppen sind seit vielen Jahren ein Teil der japanischen Kultur, und das Phänomen des Sammelns wird immer noch praktiziert. Viele Sammlungen werden in Museen aufbewahrt, darunter das Peabody Essex Museum, das Kyoto National Museum und das Yodoko Guest House.


Utagawa Kunisada I, Besuch in Komachi, aus der Serie Moderne Schönheiten als die sieben Komachi

Utagawa Kunisada I (Toyokuni III), Besuch von Komachi (Kayoi Komachi) , aus der Serie Moderne Schönheiten als die sieben Komachi (Tōsei Bijin Nana Komachi) , C. 1821-22, herausgegeben von Kawaguchiya Uhei (Fukusendō), Holzschnitt: Tusche und Farbe auf Papier, 36,5 x 25,5 cm ( Museum of Fine Arts, Boston )

Eine junge Frau, die einen gestreiften Umhang über ihrem Kimono trägt, verweilt in der Nähe einer leeren Kutsche, ihre Hand berührt zart das Dach. Das Grün der Kutsche (in diesem Fall eigentlich ein Wurf) entspricht der Farbe des Kimonos der Frau, was auf eine Verbindung zwischen der Person und dem Fahrzeug hindeutet. Die äußere Robe und das Kopftuch weisen darauf hin, dass die Szene bei kaltem Wetter stattfinden muss. Was wir also sehen, ist vielleicht eine Frau, die ihr Haus verließ, um sich ihre Kutsche anzusehen. Aber warum schaut sie es sich an? Und warum ist ihr Gesichtsausdruck niedergeschlagen, sogar mutlos?

Bilder der schwebenden Welt

Utagawa Kunisada I (Toyokuni III), Besuch von Komachi (Kayoi Komachi) (Ausschnitt), aus der Serie Moderne Schönheiten als die sieben Komachi (Tōsei Bijin Nana Komachi) , C. 1821-22, herausgegeben von Kawaguchiya Uhei (Fukusendō), Holzschnitt: Tusche und Farbe auf Papier, 36,5 x 25,5 cm ( Museum of Fine Arts, Boston )

Aus dem Titel dieses Drucks von ukiyo-e Meister Utagawa Kunisada I, geschrieben in weißen Buchstaben auf schwarzem Hintergrund in der oberen rechten Ecke, erfahren wir, dass das Bild eine von sieben Darstellungen zeitgenössischer Frauen ist (wörtlich „moderne Schönheiten“ oder tōsei bijin ).

Das Genre von ukiyo-e (wörtlich übersetzt als „Bilder der schwebenden Welt“) umfasst Gemälde und Drucke, wobei Holzschnitte das Hauptmedium waren. Es florierte im 18. und 19. Jahrhundert, unterstützt von der japanischen Mittelschicht. Ukiyo-e Werke waren Kollaborationen zwischen Malern, Verlegern, Schnitzern und Druckern, mit Themen aus dem Vergänglichen (also “schwebend”), aber angenehmen Welten der Vergnügungsviertel, des Volkstheaters und des städtischen Lebens, insbesondere den Straßen von Edo. Ukiyo-e auch Parodien klassischer Themen unter zeitgenössischen Umständen.

Eine legendäre Dichterin

Kunisada, die Künstlerin, repräsentiert hier eine moderne Schönheit in Gestalt der Dichterin Ono no Komachi aus dem 9. Rokkasen) [/einfacher_tooltip] . Jede Szene in Kunisadas „Seven Komachi“-Reihe erzählt eine Geschichte oder Anekdote, die mit Komachis Leben verbunden ist.

Utagawa Kunisada I (Toyokuni III), Besuch von Komachi (Kayoi Komachi) (Ausschnitt), aus der Serie Moderne Schönheiten als die sieben Komachi (Tōsei Bijin Nana Komachi) , C. 1821-22, herausgegeben von Kawaguchiya Uhei (Fukusendō), Holzschnitt: Tusche und Farbe auf Papier, 36,5 x 25,5 cm ( Museum of Fine Arts, Boston )

In diesem Druck hilft uns der leere Wagen zu erkennen, dass die spezifische Geschichte, die von den oben genannten sieben illustriert wird, diejenige ist, die als „Visiting Komachi“ bekannt ist ( Kayoi Komachi ). Der Legende nach zog Komachi, bekannt für ihre Schönheit und ihr Talent, die Aufmerksamkeit vieler Verehrer auf sich, darunter General Fukakusa, der versuchte, ihr Liebhaber zu werden. Komachi testete seine Hingabe, indem er ihn bat, 100 Nächte vor ihrer Tür im Garten zu verbringen, unabhängig von den Wetterbedingungen. Er stimmte zu und markierte jede Nacht auf dem Schacht ihrer Kutsche, starb aber in der letzten Nacht wegen des harten Winters. Die Szene, die in Kunisadas Druck dargestellt ist, stammt möglicherweise vom Ende der Geschichte, als Komachi von seinem Tod erfährt und die Kutsche besucht. Other versions of this story circulated orally in Japan over the centuries, and some were used as plotlines for plays in the Japanese Noh [/ simple_tooltip] tradition of musical drama.

This image leaves it to the viewer to imagine the inner life of the heroine. Is she remorseful? Is she mourning? However, the print’s title reminds us that the depicted woman is not actually Komachi herself, but someone else, from a later era, who is enacting the role of the poetess. The image refers to the “Visiting Komachi” story through her accoutrements and props (especially the carriage as a stand-in for the missing lover). Considering the multilayered aspect of the subject matter, the gauze of the depicted woman may actually suggest that she is engrossed in thinking about the Real Komachi. In providing these references to a larger cultural tradition, Kunisada adds conceptual depth to his portrayal of a beautiful woman.

Pictures within pictures, stories within stories

Utagawa Kunisada I (Toyokuni III), Visiting Komachi (Kayoi Komachi) (detail), from the series Modern Beauties as the Seven Komachi (Tōsei Bijin Nana Komachi) , C. 1821-22, published by Kawaguchiya Uhei (Fukusendō), woodblock print: ink and color on paper, 36.5 x 25.5 cm ( Museum of Fine Arts, Boston )

The artifice of the image is further complicated by the inclusion of a cartouche, or image-within-image (known as gachūga ). Die gachūga functions like a legend for the “main” image, depicting the “real” Komachi, also clad in outerwear, as well as a poem attributed to her. The choice of color for her outer robe— the same green as the carriage and as the kimono of the “modern beauty” —weaves the two images together and creates a visual rhyme between the historical Komachi and the contemporary Komachi. This visual link illustrates the process of channeling the spirit of the poetess.

Placed in the top left corner of the print and framed with floral motifs, the gachūga provides access to another visual realm and calls into question the nature of the space behind the central figure. Is this image-within-image floating in space, as it were, or is it a flat picture affixed to a wall-like surface behind the centrally positioned woman? This ambiguous spatial quality of the image-within-image contributions to the overall richness of the print’s visual message.

A ghostly presence

This form of communication could have also indicated a supernatural dimension, considering the frequent inclusion, in Noh drama, of ghost characters, many of which became subject matter for paintings, prints, and ceramic and lacquer decoration. In the case of Komachi, the ghost character was especially popular because of stories that contrasted her beauty as a young woman with her decaying image in old age other stories described her as a cold-hearted woman (or “femme fatale”). These characterizations set the stage for plots where Komachi’s ghost returned to the world to act on her inner conflicts. In this print, the inclusion of an image of Komachi and of a woman in the guise of Komachi calls to mind the spectral presence of this legendary character and its plotlines from Noh drama.

In the image-within-image, the figure of Komachi is framed by a waka poem attributed to her. It reads:

iro miede / 色 み へ て
utsurou mono wa / う つ ろ ふ も の は
yo no naka no / 世 の 中 の
hito no kokoro no / 人 の こ ゝ ろ の
hana ni zo arikeri / 花 に ぞ あ り け り

I propose the following prose translation as one way of interpreting these lines: “It is by their changing colors that we know the flowers of men’s hearts to fade in this transient world.”

Republished in collections of ancient poems and paired with images of Komachi herself, as in this print, the poem speaks to the connection between the ephemerality of outer appearances and the changes that characterize matters of the heart. This poetic message is at the core of what Komachi came to signify over the centuries in Japanese literary and visual culture.

Layers of legend

Utagawa Toyokuni I, Komachi at Sekidera Temple (Sekidera Komachi) : Actor Sawamura Tanosuke II, from the series Present-day Actors as the Seven Komachi (Imayô yakusha nana Komachi) , 1812, woodblock print: ink and color on paper, 39.2 x 26.3 cm ( Museum of Fine Arts, Boston )

The other stories in the “Seven Komachi” series resonate with this poetic message, too. For example, ” Sekidera Komachi ” invokes a story according to which an aged Komachi forgets about her fading beauty by dancing with a child on the occasion of the stars festival ( Tanabata ). The episode serves as a reminder of the ephemeral and cyclical nature of life, and it was also used by multiple artists, including Kunisada, as a pretext for depicting beautiful women in guise of the poetess.

With no historical evidence to prove the accuracy of any of these narratives, the poems, plays, and images representing Ono no Komachi merged in the Japanese collective imagination, to form a composite legendary character. The Komachi motif occasioned visual representations that playfully combined it with contemporary elements, as is the case with Kunisada’s Kayoi Komachi drucken.

Kunisada’s series is only one of several ukiyo-e series that use Komachi-associated stories in conjunction with some aspect of contemporary life and society (for instance, courtesans in guise of Komachi, young theater actors in the role of Komachi, or pairs of beautiful women in landscapes that evoke the seven stories). Such images spanned multiple centuries and media, from folding screens to painted shells to lacquer boxes, epitomizing the wide circulation of staple motifs and the intimate connection between literature and the visual arts in Japanese culture.

Shûôsai Hidemasa, Clam-shell with the Vindication of Ono No Komachi, early 19th century, stained ivory, 3.1 x 4.4 x 3 cm ( Museum of Fine Arts, Boston )


Personality and Appearance [ edit | Quelle bearbeiten]

Colpis is a friendly, helpful young woman, who has quite possibly done nothing wrong in her entire life. She is open and active in pursuing her interests, which led to her success in both of her chosen fields. Unfortunately, under her optimism, she has trouble coping with her own trauma, and tends to accept it too easily. Thankfully, people like Aster and Tio have been able to help her recover from each individual incident.

Colpis can't even catch a break when she chooses her wardrobe. Her love of green clothes accidentally helped the Hannies convince her that she was a Green Hanny.


Virtual Tour with Nana

Suzanne Ragen has been a SAM docent since 1965 and remembers when the Asian Art Museum was SAM’s only location. Since the museum has had to close for the health and safety of the public during the global pandemic, Ragen has been creating tours for her grandkids called, Nana’s Art History 101 and now she is sharing them with us. Learn more about objects in the newly renovated and expanded Asian Art Museum while you stay home with SAM.

Haniwa warrior figure

Take a moment to look at this sculpture. Who do you think he is? Why do you think he’s wearing armor? What is he standing on?

Members of the ruling royal class in Japan were buried in massive mounds in Japan 1500 years ago. These mounds were surrounded by brown terracotta figures (same clay material as our ordinary flower pots). Figures like this one were placed in these tombs to guard and honor the deceased.

Take a closer look at the figure of the warrior. What weapons does he carry? There’s his sword and sheath, his bow upright in his left hand and the quiver for his arrows held in his right hand. How does he protect himself? There’s his close-fitting helmet and his upper armor was originally made of laced and riveted metal strips. His sturdy leggings and his skirt may have been made of very thick leather.

How would you describe his expression? I think he’s stoic and ready for battle. I have been asked on tours why his arms are so short. My only guess is that made him less liable for breakage as they can be kept close to his body. Was denken Sie?

These warriors also had another purpose beside protecting the ruler who was buried in the mounds. The term haniwa literally means clay cylinder, which is what the warrior stands on. Do you notice the hole that’s in the middle of the haniwa? This would have been sunk into the ground to permit drainage and inhibit erosion. Haniwa were made by a special guild of potters and come in all sorts of shapes. SAM has in its collection a Haniwa Woman and a Haniwa horse. Think of the drama these figures gave to the tombs of people of rank—a tribute to their power. Imagine the awesomeness of walking toward a huge mound sheathed in smooth river rocks, sometimes encircled by a moat, surrounded by these brown haniwa figures. Wondering about the life of the person buried there.

My favorite part of this sculpture are the little carefully tied bows at his neckline and belt and on his leggings. Who would have added such a delicate personal touch? Think back for a moment to Some/One in the first installment of Nana’s Art History—the armored kimono made of steel dog tags by contemporary Korean artist Do Ho Suh. What do you notice when comparing these two warrior’s armors? Which one would you rather wear?

Ankush (elephant goad)

In India, only kings and high royals owned elephants. They were important for grand parades and festivals, for hunting and for battle. Imagine an elephant going into battle it would be as effective as a tank. Elephants are very intelligent but can be volatile and dangerous they need to be strictly controlled.

So who managed these enormous animals? They were controlled and cared for by a mahout, a man who descended from generations of elephant professionals. A boy of mahout lineage is assigned an elephant when both are young. The boy and the elephant grow up together they bond and work together all their lives.

The mahout’s primary tool is an ankush, or prod. It has a sharp point and a curving hook, which on this one is in the shape of a mythical dragon-like creature. This ankush is made of metals covered with gold and chunks of very precious rock crystal. It was surely ceremonial as it is quite impractical, too heavy and too valuable.

The mahout has taught the elephant a very complicated language of jabs and pokes which he administers either from sitting high up behind the enormous head with its huge flaps of ears or leading him from the ground. One source said that there are over 100 spots on an elephant, each when poked, being a particular command. Elephants have a very tough hide.

This ornate ankush was probably taken from a royal armory in India around 1850 by the director of the Victoria and Albert Museum in London. It was exhibited in 1948 to honor the establishment of independent nations such as India after centuries of British rule.

If you go to India today, you can still see elephants elaborately draped in gorgeous fabrics, bejeweled and bearing ornate chair or even sofa-like saddles in royal parades, weddings or important celebrations. Look for the mahout and his ankush. Have you ever read Babar? Quite a different story.

Reduction

OK, kids. We have looked at a lot of old things. Now we are going to see a statue made in 2015.

This statue of a man in meditation pose sits in the huge main entrance hall of the Asian Art Museum, one of only two artworks in that space. (The other is on the ceiling.) It was made by Takahiro Kondo in 2015 in Japan. Kondo uses his own body as his model, so the seated statue is about life size, 34” high. His legs are folded in the lotus position, his hands arranged in meditation mudra, eyes downcast. Try to arrange yourself in that pose. He sits above a tiled water fountain, original to the 1933 building—a perfect location as Kondo says he works with water and fire.

Kondo makes his figures from porcelain (a very fine white clay) and fires them several times with different shades of blue underglaze. Then comes his ground- breaking overglaze that is made of metals- silver, gold, and platinum that he calls “silver mist” or gintekisai. He was granted a patent for this technique in 2004. It produces the bubbled texture that you see. Look at the way the metal glaze drips and bubbles and makes beads—like water or jewels.

Kondo made a series of these Reduction sculptures following the nuclear disaster in 2011 in Fukushima, Japan. He says that this figure is “meditating on the essence of the world,” calling attention to the causes and consequences of nuclear disasters in Japan and all the world. His work and message is in major museums all over the world.

Kondo was born in 1958 and is a 3rd generation ceramicist. His grandfather was named a Living National Treasure in Japan for his underglaze cobalt blue wares. Takahiro is carrying on his grandfather’s tradition in a very modern way, and even lives in his grandfather’s original studio in Kyoto. He graduated from university in Tokyo and got a Masters in Design from Edinburgh College of Arts.


Melanoma is more than 20 times more common in whites than in African Americans. Overall, the lifetime risk of getting melanoma is about 2.6% (1 in 38) for whites, 0.1% (1 in 1,000) for Blacks, and 0.6% (1 in 167) for Hispanics. The risk for each person can be affected by a number of different factors, which are described in Risk Factors for Melanoma Skin Cancer.

Melanoma is more common in men overall, but before age 50 the rates are higher in women than in men.

The risk of melanoma increases as people age. The average age of people when it is diagnosed is 65. But melanoma is not uncommon even among those younger than 30. In fact, it’s one of the most common cancers in young adults (especially young women).


Die schwarze Dahlie

On the morning of January 15, 1947, a mother taking her child for a walk in a Los Angeles neighborhood stumbled upon a gruesome sight: the body of a young naked woman sliced clean in half at the waist.

The body was just a few feet from the sidewalk and posed in such a way that the mother reportedly thought it was a mannequin at first glance. Despite the extensive mutilation and cuts on the body, there wasn’t a drop of blood at the scene, indicating that the young woman had been killed elsewhere.

The ensuing investigation was led by the L.A. Police Department. The FBI was asked to help, and it quickly identified the body—just 56 minutes, in fact, after getting blurred fingerprints via “Soundphoto” (a primitive fax machine used by news services) from Los Angeles.

The young woman turned out to be a 22-year-old Hollywood hopeful named Elizabeth Short—later dubbed the “Black Dahlia” by the press for her rumored penchant for sheer black clothes and for the Blue Dahlia movie out at that time.

Short’s prints actually appeared twice in the FBI’s massive collection (more than 100 million were on file at the time)—first, because she had applied for a job as a clerk at the commissary of the Army’s Camp Cooke in California in January 1943 second, because she had been arrested by the Santa Barbara police for underage drinking seven months later. The Bureau also had her “mug shot” in its files and provided it to the press.

A Los Angeles Police Department flyer on Elizabeth Short

In support of L.A. police, the FBI ran records checks on potential suspects and conducted interviews across the nation. Based on early suspicions that the murderer may have had skills in dissection because the body was so cleanly cut, agents were also asked to check out a group of students at the University of Southern California Medical School. And, in a tantalizing potential break in the case, the Bureau searched for a match to fingerprints found on an anonymous letter that may have been sent to authorities by the killer, but the prints weren’t in FBI files.

Who killed the Black Dahlia and why? It’s a mystery. The murderer has never been found, and given how much time has passed, probably never will be. The legend grows…


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Bemerkungen:

  1. Fera

    Es tut mir leid, ich kann Ihnen nicht helfen, aber ich bin sicher, dass sie Ihnen helfen, die richtige Lösung zu finden. Nicht verzweifeln.

  2. Dillin

    Fehler machen. Wir müssen diskutieren. Schreib mir per PN, es spricht mit dir.

  3. Al-Asfan

    Ich denke du liegst falsch.

  4. Rasool

    die absurde Situation hat sich erwiesen

  5. Braoin

    OM Nom Nom

  6. Kara

    Ich denke, dass Sie sich irren. Ich schlage vor, darüber zu diskutieren. Schreib mir per PN, wir reden.



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