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Alfred Hitchcock - Geschichte

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Alfred Hitchcock

1899- 1980

Direktor

Der legendäre Filmregisseur Sir Alfred Hitchcock wurde am 13. August 1899 in Leyonstone, England, geboren. Seine Beherrschung der Leinwandspannung steht allein in der Geschichte des Kinos. 1929 drehte er auch das erste "Talking Picture" in England. Seine Filme wie Der Mann der zu viel wusste (1934), Die neununddreißig Schritte (1935), Rebecca (1940), Fremde in einem Zug (1951), Schwindel (1958) und Psycho (1960) begeisterten und verängstigten neben vielen anderen Kinogänger auf der ganzen Welt.

Hitchcock produzierte in den 1950er und 1960er Jahren auch eine wöchentliche Fernsehsendung. Obwohl er fünfmal nominiert wurde, gewann Hitchcock nie einen Oscar. Trotzdem bleibt Hitchcock der Maßstab, an dem sich alle Regisseure im Spannungsfeld messen lassen.


Biografie

Alfred Hitchcock wurde am 13. August 1899 in Leytonstone, England, geboren. Er war das jüngste von drei Kindern von William und Emma Jane Hitchcock.

Nach dem Besuch einer technischen Schule im Alter von 15 Jahren verbrachte Hitchcock die ersten Jahre seiner Karriere als Zeichner, Werbedesigner und Autor. Sein Interesse an der Fotografie führte dazu, dass er in der Londoner Filmindustrie arbeitete, zunächst als Titelkartendesigner für Stummfilme und nur fünf Jahre später als Regisseur.

1926 heiratete Hitchcock seine Regieassistentin Alma Reville, und 1928 bekamen sie eine Tochter, Patricia.

Hitchcock erlangte schnell Berühmtheit als Regisseur, der Spannung, verdrehte Enden und dunkle Themen lieferte. Seine eigene Persönlichkeit und sein Galgenhumor wurden durch Interviews, Filmtrailer und Cameo-Auftritte in seinen eigenen Filmen in die Populärkultur eingebettet. Er war beim Publikum im In- und Ausland beliebt, und 1939 zog die Familie Hitchcock nach Hollywood. In den folgenden drei Jahrzehnten festigte er sein Vermächtnis, indem er seine erfolgreichsten und nachhaltigsten Werke inszenierte und produzierte. Seine Fernsehanthologie Alfred Hitchcock Presents lief von 1955 bis 1965 und machte ihn zu einem bekannten Namen.

Während seiner Karriere schuf er über fünfzig Spielfilme in einer Karriere, die nicht nur die Entwicklung von Hitchcocks eigenem unverwechselbarem Regiestil, sondern auch bahnbrechende Innovationen im Kino sah. 1929 war Blackmail sein erster Spielfilm mit Ton und 1948 war sein erster Farbfilm Rope. Hitchcock selbst wird als Pionier vieler Kamera- und Schnitttechniken zugeschrieben, denen Kollegen und aufstrebende Regisseure nacheifern können.

Hitchcock erhielt viele professionelle Auszeichnungen, darunter zwei Golden Globes, acht Laurel Awards und fünf Auszeichnungen für sein Lebenswerk. Er war fünfmal für den Oscar als bester Regisseur nominiert und 1940 gewann sein Film Rebecca den Oscar für den besten Film. 1980 wurde er von Königin Elizabeth II. zum Ritter geschlagen.

Sir Alfred Hitchcock, Ehemann, Vater, Regisseur und Master of Suspense, starb am 29. April 1980.


Alfred Hitchcocks Anthologie

Alfred Hitchcocks Anthologie (AHA) war eine saisonal gedruckte Sammlung von spannenden und spannenden Kurzgeschichten, die von . nachgedruckt wurden Alfred Hitchcocks Mystery-Magazin. Die Anthologie wurde von 1977 bis 1989 produziert und enthält Geschichten von Autoren wie Patricia Highsmith, Robert Bloch, Bill Pronzini, Isaac Asimov und Lawrence Block. Die Anthologie wird als alles vermarktet, was man "vom Master of Suspense" erwarten würde, obwohl Hitchcock nie direkt an den Veröffentlichungen beteiligt war.

Alfred Hitchcocks Anthologie
KategorienKrimis, Detektivromane
FrequenzSaisonal
Gründungsjahr1977
Letzte Ausgabe
Nummer
1989
Lautstärke 27
GesellschaftDavis-Publikationen (Taschenbuch)
Zifferblatt drücken (Hardcover)
LandVereinigte Staaten
Mit Sitz inNew York, NY
SpracheEnglisch
OCLC2985567

  • Alfred Hitchcocks Anthologie – Band 1
  • Alfred Hitchcocks Anthologie – Band 2
  • Alfred Hitchcocks Anthologie – Band 3
  • Alfred Hitchcocks Anthologie – Band 4
  • Alfred Hitchcocks Anthologie – Band 5

Dieser Artikel über Mystery-Fiction ist ein Stummel. Sie können Wikipedia helfen, indem Sie es erweitern.

Dieser Artikel über eine in den USA veröffentlichte Literaturzeitschrift ist ein Stummel. Sie können Wikipedia helfen, indem Sie es erweitern.

Siehe Tipps zum Schreiben von Artikeln über Zeitschriften. Weitere Vorschläge finden Sie auf der Diskussionsseite des Artikels.


Filmografie

Weitere Arbeiten finden Sie auf der Hauptseite der Filmografie

  • Der Lustgarten (1925)
  • Der Bergadler (1926)
  • The Lodger: Eine Geschichte des Londoner Nebels (1927)
  • Der Ring (1927)
  • Bergab (1927)
  • Champagner (1928)
  • Leichte Tugend (1928)
  • Die Frau des Bauern (1928)
  • Bestechung (1929)
  • Der Manxman (1929)
  • Juno und der Paycock (1930)
  • Mord! (1930)
  • Das Hautspiel (1931)
  • Reich und seltsam (1931)
  • Nummer siebzehn (1932)
  • Walzer aus Wien (1934)
  • Der Mann der zu viel wusste (1934)
  • Die 39 Schritte (1935)
  • Geheimagent (1936)
  • Sabotage (1936)
  • Jung und unschuldig (1937)
  • Die Dame verschwindet (1938)
  • Jamaika Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Auslandskorrespondent (1940)
  • Herr & Frau Smith (1941)
  • Verdacht (1941)
  • Saboteur (1942)
  • Hauch eines Zweifels (1943)
  • Rettungsboot (1944)
  • Gebannt (1945)
  • Berüchtigt (1946)
  • Der Fall Paradine (1947)
  • Seil (1948)
  • Unter Steinbock (1949)
  • Lampenfieber (1950)
  • Fremde in einem Zug (1951)
  • Ich gebe zu (1953)
  • Wähle M für Mord (1954)
  • Heckscheibe (1954)
  • Einen Dieb fangen (1955)
  • Der Ärger mit Harry (1955)
  • Der Mann, der zu viel wusste (1956)
  • Der falsche Mann (1956)
  • Schwindel (1958)
  • Von Norden nach Nordwesten (1959)
  • Psycho (1960)
  • Die Vögel (1963)
  • Marnie (1964)
  • Zerrissener Vorhang (1966)
  • Topas (1969)

Alfred Hitchcock

Der Regisseur und Produzent Alfred Hitchcock hat mit seinen Filmen sowohl den Begriff "MacGuffin" als auch die Technik populär gemacht Nummer siebzehn (1932) und Die 39 Schritte (1935) sind frühe Beispiele für das Konzept.

Einigen Quellen zufolge soll der Begriff ursprünglich vom Schriftsteller Angus MacPhail geprägt worden sein.

Hitchcock erklärte den Begriff "MacGuffin" 1939 in einer Vorlesung an der Columbia University:

[Wir] haben einen Namen im Studio, und wir nennen ihn "MacGuffin". Es ist das mechanische Element, das normalerweise in jeder Geschichte auftaucht. In Gaunergeschichten sind es fast immer die Halsketten und in Spionagegeschichten meistens die Papiere.

1944, ZEIT berichtete Hitchcock, der sagte: "Der McGuffin ist das, was der Held jagt, das, worum es in dem Bild geht. Es ist sehr notwendig", bevor er weiter erklärte: [1]

Bei Hitchcock keineswegs originell, der McGuffin ist ein alter britischer Witz über einen Paketträger in einem Zug, der einen anderen Mann trifft, der sich erkundigt:
"Was ist in dem Paket?"
"Ein McGuffin."
"Was ist ein McGuffin?"
"Ein McGuffin ist ein kleines Tier mit einem langen, gelben, gefleckten Schwanz, das in New York für die Tigerjagd verwendet wird."
"Aber in New York gibt es keine Tiger."
"Ah, aber das ist kein echter McGuffin."

Der folgende Monat, ZEIT veröffentlichte einen Brief von Jack Moffitt von Warner Bros.: [2]

Regisseur Alfred Hitchcock ist ein britischer Emporkömmling ohne Kenntnisse der Hollywood-Sprache. Das Ding, das der Held jagt, ist kein McGuffin, sondern ein Wenie und das schon seit den Tagen von Mack Sennett. Die gestohlenen Perlen wurden in einen Wenie gelegt. Der Wenie wurde von einem Hund gestohlen. Und der Hund wurde von allen verfolgt, auch von den Keystone Cops. Sie verfolgen ihn immer noch.

Im Jahr 1966 von François Truffaut interviewt, illustrierte Alfred Hitchcock den Begriff "MacGuffin" mit dieser Geschichte:

Es könnte ein schottischer Name sein, der einer Geschichte über zwei Männer in einem Zug entnommen ist. Ein Mann sagt: 'Was ist das für ein Paket da oben in der Gepäckablage?' Und der andere antwortet: 'Oh, das ist ein McGuffin.' Der erste fragt 'Was ist ein McGuffin?' "Nun", sagt der andere Mann, "es ist ein Gerät, um Löwen in den schottischen Highlands zu fangen." Der erste Mann sagt: 'Aber in den schottischen Highlands gibt es keine Löwen' und der andere antwortet 'Nun, dann ist das kein McGuffin!' Sie sehen also, ein McGuffin ist überhaupt nichts.


DVD-Veröffentlichungen

Die folgenden offiziellen DVD-Veröffentlichungen enthalten Episoden von Die Alfred-Hitchcock-Stunde:

The Alfred Hitchcock Hour: The Complete First Season - Madman Entertainment (Australien, 2013)
PAL 1.33:1
enthält 32 Folgen
Die Alfred Hitchcock Hour: Die komplette zweite Staffel - Madman Entertainment (Australien, 2013)
PAL 1.33:1
enthält 32 Folgen
Die Alfred Hitchcock Hour: Die komplette dritte Staffel - Madman Entertainment (Australien, 2013)
PAL 1.33:1
enthält 29 Folgen
Alfred Hitchcock zeigt: Teil 2 - Koch Media Home Entertainment (Deutschland, 2008)
PAL 1.33:1
enthält 10 Folgen
Alfred Hitchcock zeigt: Teil 1 - Koch Media Home Entertainment (Deutschland, 2008)
PAL 1.33:1
enthält 10 Folgen
Alfred Hitchcock Présente: La Série TV, Les Épisodes en VOST - Universal (Frankreich, 2006) - erschienen am 14. Februar 2006
PAL 1.33:1
enthält "Ich habe das Ganze gesehen"


Hitchcock präsentiert: Eine kurze Geschichte der seltsamen, wilden Hitchcock-Shows, die einst das Fernsehen dominierten

1960 war Alfred Hitchcock überall. Eines der wahren Meisterwerke des Regisseurs, „Psycho“, wurde in diesem Jahr veröffentlicht, nach „North by Northwest“ im Jahr zuvor, das auf „Vertigo“ und „The Wrong Man“ und „The Man Who Knew Too Much“ folgte. ” „The Birds“ lag vor ihm.

Der 60-jährige Regisseur, der einigen wegen seiner schlauen Cameo-Auftritte in seinen Filmen schon immer ein Begriff war, war durch seine Filme und seine TV-Show „Alfred Hitchcock Presents“ zu einem bekannten Namen geworden. Die halbstündige Anthologie-Reihe begann 1955 und lief über 10 Jahre, einschließlich der Jahre, in denen sie erweitert und in "The Alfred Hitchcock Hour" umbenannt wurde.

Hinzu kommt "Alfred Hitchcock's Mystery Magazine", das 1956 durch eine Lizenzvereinbarung für den Namen des Regisseurs begonnen hatte, sowie eine Reihe von Thriller- und spannenden Geschichtensammlungen, und Hitchcocks Ruhm als Regisseur war unvergleichlich, bis Steven Spielberg ein bekannt in den 1970er Jahren.

Die Details von Hitchcocks Leben – manchmal schmutzig und schrecklich, insbesondere in Bezug auf die Berichte über sein entmenschlichendes Verhalten gegenüber Frauen, einschließlich einiger, die in seinen Filmen mitwirkten – sind zum Futter für viele Biografien geworden.

Heute jedoch ein Blick in die Fernsehsendungen, die seinen Namen trugen und die er mit makaberem Genuss moderierte.

Können Sie heutzutage eine Berühmtheit benennen, die anhand einer Karikatur ihres Profils leicht zu erkennen ist? Hitchcocks Profil – in neun Strichen vom Regisseur selbst gezeichnet, heißt es in der Geschichte – und Schatten waren Teil des Vorspanns für den größten Teil der Serie.

Das ist Branding in der Größenordnung von Princes Glyphensymbol.

Als "Alfred Hitchcock Presents" 1955 auf CBS uraufgeführt wurde, war das Fernsehen noch nicht einmal in seiner Jugend. Während 1955 noch 47 Millionen Haushalte einen Fernseher besaßen, begann diese Zahl in den nächsten Jahren zu wachsen und erreichte 1960 fast 53 Millionen und in den 1990er Jahren mehr als 200 Millionen.

In den Jahrzehnten vor Kabel- und Pay-Kanälen wie HBO haben die meisten Zuschauer nur drei Netzwerke, einschließlich CBS, und ein oder zwei lokale Sender empfangen. Der schiere Mangel an Auswahl trug dazu bei, die Zuschauer zu Shows wie den von Hitchcock produzierten zu treiben. Viele Zuschauer schalteten jede Woche ein und hörten sein Markenzeichen „Guten Abend“ und sein Einatmen zwischen den Sätzen.

Das Erscheinen der Hitchcock-Silhouette zu Charles Gounods „Trauermarsch einer Marionette“ und die witzigen und oft grausamen Einführungen des Regisseurs neckten das, was in jeder Episode kommen sollte: ein Moralstück – ein Unmoralisches Stück, wirklich – nicht unähnlich einem Comic Buchleser sahen von EC Comics, bevor sie aus dem Markt vertrieben wurden. Im Gegensatz zu EC richtete sich die Hitchcock-Show jedoch nicht an Jugendliche.

Die Serie war die meiste Zeit lang eine mundgerechte halbe Stunde und bot intelligente und schnelllebige Geschichten mit großartigen Besetzungen. Hitchcock inszenierte nur etwa eineinhalb Dutzend Episoden der Serie, aber sein Image und seine drollige Darstellung am Anfang und Ende jeder der 361 Episoden – die beiden Serien mitgezählt – stärkten seinen Kultstatus.

Ungeachtet von Rod Serling und seiner „Twilight Zone“-Serie, einem Zeitgenosse der Hitchcock-Show, oder den Filmen von M. Night Shyamalan und ihren bald zu erwartenden Wendungen, baute Hitchcocks Serie die öffentliche Persönlichkeit des Regisseurs und Moderators auf und verstärkte sie kontinuierlich.

Die besten Autoren und Regisseure – und der junge Robert Redford

Apropos „The Twilight Zone“, es gibt eine besonders grausige Episode aus dem Jahr 1964 namens „The Jar“, in der ein von Pat Buttram gespielter Country-Dick von einem nicht identifizierbaren, aber … kopfähnlichen Ding in einem Glas in einer Karnevals-Nebenshow besessen wird. Buttram kauft das Glas und bringt es zurück in seine kleine Stadt, wo er zum Toast der kleinen Burg wird. Dann geht alles furchtbar schief.

Aber warte … „The Jar“ ist keine „Twilight Zone“-Folge. Es ist eine 1964er Episode von "The Alfred Hitchcock Hour", und es ist eine viel grausamere Geschichte als die meisten, die Hitchcocks Autoren erzählt haben. Und „The Jar“ ist legendär eine Fernsehstunde, von der die meisten Leute fälschlicherweise glauben, dass es sich um eine Episode von „The Twilight Zone“ handelt.

Aber während die Hitchcock-Shows normalerweise zurückhaltender waren als "The Twilight Zone", hatte die Serie mehr als ihren Anteil an denkwürdigen Episoden, Autoren und Regisseuren.

Sydney Pollack, der bei Filmen wie „Tootsie“, „Three Days of the Condor“ und „Absence of Malice“ Regie führte, führte bei zwei Hitchcock-Episoden Regie. Einer, "Diagnosis: Danger", wurde 1963 ausgestrahlt, scheint aber von diesem Moment beängstigend zu sein, da Ermittler des öffentlichen Gesundheitswesens in Los Angeles versuchen, die Ausbreitung von Milzbrand in der Stadt zu verfolgen und zu stoppen.

„Off Season“, eine Episode aus dem Jahr 1965, fühlt sich an wie ein „Psycho“-Reunion. Es wurde von Robert Bloch geschrieben, dem Autor, der Norman Bates und seine Mutter in einem Roman von 1959 geschaffen hat. Der Star ist John Gavin, der in "Psycho" mitspielte. Es gibt sogar ein Motel am Straßenrand und einen etwas gruseligen Motelangestellten. Aber anstelle von Hitchcock hinter der Kamera war es William Friedkin, der ein paar Jahre später den vielleicht besten Horrorfilm aller Zeiten „The Exorcist“ inszenieren sollte.

Einige der Folgen der Hitchcock-Serie sind wie kleine Mini-Meisterwerke und lassen sich gut mit dem Goldstandard „The Twilight Zone“ vergleichen. Einige wirken ein wenig überstürzt oder beinhalten eine Wendung um der Wendung willen.

Aber wo sonst findet man Robert Redford und Gig Young als Brüder in einem High-Stakes-Pokerspiel gegen Gangster mit juckenden Fingern am Abzug? Nun, in "A Piece of the Action", der ersten einstündigen Episode aus dem Jahr 1962.

Tropen und natürlich ein Neustart

Ich würde nicht versuchen zu argumentieren, dass Hitchcock und all diese Unternehmen die Art von Synergie hatten, die Disney heute macht, indem Filme gemacht werden, die auf den Disney+-Streaming-Dienst übergehen, der wiederum Abonnements fördert.

Aber der Geschäftsbetrieb, der sich um Hitchcock und all diese Projekte drehte, war bemerkenswert eng. „Psycho“ wurde bei Revue Studios eingereicht, einer Produktionsfirma für Hitchcocks TV-Serie, mit Crew aus der TV-Serie.

Die Serie hatte laut einem Artikel der Palm Beach Post aus dem Jahr 1964 zunächst die Rechte, Geschichten aus dem „Alfred Hitchcock Mystery Magazine“ zu filmen. (Das Magazin wurde 1956 in New York gegründet, aber seine Büros wurden 1959 nach Florida verlegt.) Henry Slesar, ein bekannter Autor der Hitchcock-Serie, sah seine ersten Geschichten in dem Magazin, das immer noch erfolgreich ist.

Seien Sie gewarnt: Einige der Episoden der TV-Show sind sehr aus der Zeit, mit Wegwerfwitzen, die zu dieser Zeit nicht einmal politisch korrekt waren, und Handlungssträngen, die sich ein wenig zu sehr auf die Frau in Gefahr stützten. Die Schauspielerin Phyllis Thaxter, die die ursprüngliche Lois Lane in der TV-Serie "Adventures of Superman" war, trat neunmal in der Hitchcock-Serie auf. Es scheint, als hätte sie in jeder Folge, in der ich sie gesehen habe, eine emotional geschädigte Frau gespielt, die dem damaligen Fernsehstereotyp von Frauen wahrscheinlich näher war als die mutige Draufgängerin Lois.

Hitchcocks Verbindung mit dem Fernsehen und der gleichnamigen Show wurde nach seinem Tod im Jahr 1980 fortgesetzt. Für vier Staffeln und 76 Episoden ab 1985 strahlten NBC und USA eine überarbeitete Version von „Alfred Hitchcock Presents“ aus, die einige der Einführungen des Regisseurs aus dem Original enthielt Serie. Es war Teil eines TV-Trends der 1980er-Jahre und darüber hinaus von Anthologieserien und Wiederbelebungen von Serien wie „The Twilight Zone“.

Aber der Neustart von Hitchcock ist jetzt kaum noch ein Gedanke, während die Originalserie – oder zwei Serien – weiterhin auf Kabelfernsehsendern wie MeTV gespielt wird, die die Show an den meisten Abenden der Woche in einem Late-Night-Slot „entfernen“.

Der Meister des Makabren würde sich um Mitternacht wie zu Hause fühlen.


Meister der Spannung

Hitchcock besuchte die Jesuitenschule St. Ignatius College, bevor er an der University of London Kunstkurse belegte. Schließlich erhielt er eine Stelle als Zeichner und Werbedesigner bei der Kabelgesellschaft Henley&aposs. Während seiner Arbeit bei Henley&aposs begann er zu schreiben und reichte kurze Artikel für die hausinterne Veröffentlichung ein. Von seinem allerersten Stück an setzte er mit beeindruckendem Geschick Themen wie falsche Anschuldigungen, widersprüchliche Emotionen und verdrehte Enden um. Im Jahr 1920 trat Hitchcock mit einer Vollzeitstelle bei der Famous Players-Lasky Company in die Filmindustrie ein und entwarf Titelkarten für Stummfilme. Innerhalb weniger Jahre arbeitete er als Regieassistent.

1925 führte Hitchcock bei seinem ersten Film Regie und begann mit der Produktion der "Thriller", für die er weltweit bekannt wurde. Sein Film von 1929 Bestechung gilt als erster britischer "Talkie". In den 1930er Jahren drehte er so klassische Spannungsfilme wie Der Mann der zu viel wusste (1934) und Die 39 Schritte (1935).


Inhalt

Frühes Leben: 1899–1919 Bearbeiten

Frühe Kindheit und Bildung Bearbeiten

Hitchcock wurde am 13. August 1899 in der Wohnung über dem von seinen Eltern gepachteten Lebensmittelladen in der 517 High Road, Leytonstone, am Stadtrand von East London (damals Teil von Essex), als jüngstes von drei Kindern geboren: William Daniel (1890–1943) , Ellen Kathleen ("Nellie") (1892-1979) und Alfred Joseph (1899-1980). Seine Eltern, Emma Jane Hitchcock ( geborene Whelan 1863–1942) und William Edgar Hitchcock (1862–1914) waren beide römisch-katholisch, mit teilweisen Wurzeln in Irland [12] [13] William war Gemüsehändler wie sein Vater. [14]

Es gab eine große Großfamilie, darunter Onkel John Hitchcock mit seinem viktorianischen Haus mit fünf Schlafzimmern in der Campion Road, Putney, komplett mit Dienstmädchen, Koch, Chauffeur und Gärtner. Jeden Sommer mietete John ein Haus am Meer für die Familie in Cliftonville, Kent. Hitchcock sagte, dass er dort zuerst klassenbewusst wurde und die Unterschiede zwischen Touristen und Einheimischen bemerkte. [fünfzehn]

Hitchcock beschrieb sich selbst als einen braven Jungen – sein Vater nannte ihn sein „kleines Lamm ohne Fleck“ – und sagte, er könne sich nicht erinnern, jemals einen Spielkameraden gehabt zu haben.[16] Eine seiner Lieblingsgeschichten für Interviewer war, dass sein Vater ihn mit einer Notiz zur örtlichen Polizeistation schickte, als er fünf Jahre alt war was wir mit ungezogenen Jungs machen." Die Erfahrung habe ihn mit einer lebenslangen Angst vor Polizisten zurückgelassen. 1973 sagte er zu Tom Snyder, dass er "vor allem, was mit dem Gesetz zu tun hat, große Angst habe" und nicht einmal Auto fahren würde, falls er einen Strafzettel bekommen würde . [17]

Als er sechs Jahre alt war, zog die Familie nach Limehouse und pachtete zwei Geschäfte in der Salmon Lane 130 und 175, die sie als Fisch-und-Chips-Laden bzw. [18] Hitchcock besuchte seine erste Schule, das Howrah House Convent in Poplar, die er 1907 im Alter von 7 Jahren betrat. [19] Laut dem Biografen Patrick McGilligan blieb er höchstens zwei Jahre im Howrah House. Er besuchte auch eine Klosterschule, die Wode Street School "für die Töchter von Gentlemen und kleinen Jungen", die von den Treuen Gefährten Jesu geleitet wird. Anschließend besuchte er eine Grundschule in der Nähe seines Wohnortes und war für kurze Zeit Internatsschüler am Salesian College in Battersea. [20]

Als er 11 Jahre alt war, zog die Familie erneut um, diesmal nach Stepney, und am 5. Oktober 1910 wurde Hitchcock auf das St . [22] Die Priester benutzten die Jungen immer am Ende des Tages mit einem harten Gummistock, so dass die Jungen den Unterricht abwarten mussten, um die Bestrafung zu erwarten, wenn sie dafür geschrieben worden waren. Später sagte er, dass er hier sein Angstgefühl entwickelt habe. [23] Das Schulregister verzeichnet sein Geburtsjahr als 1900 und nicht als 1899 Biograf Donald Spoto sagt, er sei absichtlich als 10-Jähriger eingeschrieben worden, weil er mit seiner Schulbildung ein Jahr im Rückstand war. [24]

Während der Biograf Gene Adair berichtet, dass Hitchcock "ein durchschnittlicher oder leicht überdurchschnittlicher Schüler" war, [25] sagte Hitchcock, dass er "normalerweise unter den vier oder fünf an der Spitze der Klasse" [26] am Ende des Jahres war In seinem ersten Jahr wurde seine Arbeit in Latein, Englisch, Französisch und Religionsunterricht erwähnt. [27] Sein Lieblingsfach war Geographie, und er interessierte sich für Karten, Bahn- und Busfahrpläne nach John Russell Taylor, er konnte alle Haltestellen des Orient-Express aufsagen. [28] Er sagte Peter Bogdanovich: "Die Jesuiten haben mir Organisation, Kontrolle und bis zu einem gewissen Grad auch Analyse beigebracht." [25]

Henleys Edit

Hitchcock teilte seinen Eltern mit, dass er Ingenieur werden wollte, [26] und am 25. Juli 1913 [29] verließ er St. Ignatius und schrieb sich für Nachtkurse an der London County Council School of Engineering and Navigation in Poplar ein. In einem buchlangen Interview im Jahr 1962 erzählte er François Truffaut, dass er "Mechanik, Elektrizität, Akustik und Navigation" studiert habe. [26] Dann starb am 12. Dezember 1914 sein Vater, der an einem Emphysem und einer Nierenerkrankung litt, im Alter von 52 Jahren Job für 15 Schilling pro Woche (73 £ im Jahr 2017), [31] als technischer Angestellter bei der Henley Telegraph and Cable Company in der Blomfield Street in der Nähe der London Wall. [32] Er setzte Nachtkurse fort, diesmal in Kunstgeschichte, Malerei, Wirtschaft und Politikwissenschaft. [33] Sein älterer Bruder führte die Familiengeschäfte, während er und seine Mutter weiterhin in der Salmon Lane lebten. [34]

Als der Erste Weltkrieg im Juli 1914 begann, war Hitchcock zu jung, um sich einzuziehen, und als er 1917 das erforderliche Alter von 18 Jahren erreichte, erhielt er eine C3-Klassifizierung ("frei von schweren organischen Krankheiten, fähig, die Dienstbedingungen in den Garnisonen zu Hause auszuhalten". . nur für sitzende Tätigkeiten geeignet"). [35] Er trat einem Kadettenregiment der Royal Engineers bei und nahm an theoretischen Briefings, Wochenendübungen und Übungen teil. John Russell Taylor schrieb, dass Hitchcock in einer Sitzung praktischer Übungen im Hyde Park verpflichtet war, Kittel zu tragen. Er konnte es nie meistern, sie um seine Beine zu wickeln, und sie fielen immer wieder um seine Knöchel. [36]

Nach dem Krieg interessierte sich Hitchcock für kreatives Schreiben. Im Juni 1919 wurde er Gründungsherausgeber und Geschäftsführer von Henleys hauseigener Publikation, Der Henley-Telegraph (sixpence a copy), zu dem er mehrere Kurzgeschichten einreichte. [37] [d] Henley beförderte ihn in die Werbeabteilung, wo er Texte schrieb und Grafiken für Werbungen für elektrische Kabel zeichnete. Er genoss den Job und blieb lange im Büro, um die Beweise zu prüfen, die er Truffaut sagte, dass dies sein "erster Schritt in Richtung Kino" sei. [26] [45] Er sah sich gerne Filme an, insbesondere amerikanisches Kino, und ab seinem 16. Der müde Tod (1921). [26]

Zwischenkriegskarriere: 1919–1939 Bearbeiten

Berühmte Spieler-Lasky Bearbeiten

Noch bei Henley's las er in einer Fachzeitung, dass Famous Players-Lasky, der Produktionsarm von Paramount Pictures, ein Studio in London eröffnete. [46] Sie planten zu filmen Die Leiden Satans von Marie Corelli, so fertigte er einige Zeichnungen für die Titelkarten an und schickte seine Arbeiten ins Atelier. [47] Sie stellten ihn ein und 1919 begann er als Titelkarten-Designer für die Islington Studios in der Poole Street, Hoxton, zu arbeiten. [46]

Donald Spoto schrieb, dass die meisten Mitarbeiter Amerikaner mit strengen Jobspezifikationen seien, aber die englischen Arbeiter wurden ermutigt, sich an allem zu versuchen, was bedeutete, dass Hitchcock an mindestens 18 Silents Erfahrungen als Co-Autor, Art Director und Produktionsleiter sammelte Filme. [48] Die Zeiten schrieb im Februar 1922 über die "spezielle Kunsttitelabteilung des Studios unter der Leitung von Herrn A. J. Hitchcock". [49] Sein Werk umfasste Nummer 13 (1922), auch bekannt als Frau Peabody es wurde wegen finanzieller Probleme abgesagt – die wenigen fertigen Szenen sind verloren [50] – und Sag es immer deiner Frau (1923), das er und Seymour Hicks gemeinsam beendeten, als Hicks kurz davor war, es aufzugeben. [46] Hicks schrieb später darüber, dass ihm "ein fetter Jugendlicher, der für das Eigentumszimmer verantwortlich war, geholfen wurde. [n] ein anderer als Alfred Hitchcock". [51]

Gainsborough Bilder und Arbeit in Deutschland Bearbeiten

Als Paramount 1922 London verließ, wurde Hitchcock als Regieassistent von einer neuen Firma angestellt, die am selben Ort von Michael Balcon, später bekannt als Gainsborough Pictures, geführt wurde. [46] [53] Hitchcock arbeitete an Frau zu Frau (1923) mit dem Regisseur Graham Cutts, der das Set designte, das Drehbuch schrieb und produzierte. Er sagte: "Es war der erste Film, den ich wirklich in die Finger bekommen habe." [53] Die Redakteurin und "Scriptgirl" auf Von Frau zu Frau war Alma Reville, seine zukünftige Frau. Er arbeitete auch als Assistent von Cutts on Der weiße Schatten (1924), Das leidenschaftliche Abenteuer (1924), Die Schwarzgarde (1925), und Der Fall der Prude (1925). [54] Die Schwarzgarde wurde in den Babelsberg Studios in Potsdam produziert, wo Hitchcock einen Teil der Dreharbeiten zu F. W. Murnaus Film beobachtete Das letzte Lachen (1924). [55] Er war beeindruckt von Murnaus Arbeit und verwendete später viele seiner Techniken für das Bühnenbild in seinen eigenen Produktionen. [56]

Im Sommer 1925 bat Balcon Hitchcock, Regie zu führen Der Lustgarten (1925) mit Virginia Valli, einer Koproduktion von Gainsborough und der deutschen Firma Emelka im Studio Geiselgasteig bei München. Reville, damals Hitchcocks Verlobte, war Regieassistentin. [57] [50] Obwohl der Film ein kommerzieller Flop war, [58] mochte Balcon Hitchcocks Arbeit ebenso wie Täglicher Express Schlagzeile nannte ihn den "Jungen Mann mit Meistergeist". [59] Herstellung von Der Lustgarten stieß auf Hindernisse, von denen Hitchcock später erfahren sollte: Bei der Ankunft am Brenner versäumte er es, seinen Filmbestand beim Zoll anzumelden, und es wurde beschlagnahmt Geld von den Schauspielern leihen. [60] Hitchcock brauchte auch einen Übersetzer, um den Darstellern und der Crew Anweisungen zu geben. [60]

In Deutschland beobachtete Hitchcock die Nuancen des deutschen Kinos und Filmemachens, die ihn stark beeinflussten. [61] Wenn er nicht arbeitete, besuchte er Berliner Kunstgalerien, Konzerte und Museen. Er traf sich auch mit Schauspielern, Schriftstellern und Produzenten, um Verbindungen aufzubauen. [62] Balcon bat ihn, in München bei einem zweiten Film Regie zu führen. Der Bergadler (1926), basierend auf einer Originalgeschichte mit dem Titel Angst vor Gott. [63] Der Film ist verloren, und Hitchcock nannte ihn "einen sehr schlechten Film". [59] [64] Ein Jahr später schrieb und inszenierte Hitchcock Der Ring obwohl das Drehbuch allein seinem Namen zugeschrieben wurde, half ihm Elliot Stannard beim Schreiben. [65] Der Ring positive Bewertungen erhalten Bioskop Zeitschriftenkritiker nannten ihn "den großartigsten britischen Film aller Zeiten". [66]

Als er nach England zurückkehrte, war Hitchcock eines der ersten Mitglieder der 1925 neu gegründeten London Film Society. [67] Durch die Gesellschaft wurde er von den Werken sowjetischer Filmemacher fasziniert: Dziga Vertov, Lev Kuleshov, Sergei Eisenstein, und Wsewolod Pudowkin. Er pflegte auch Kontakte zu anderen englischen Filmemachern Ivor Montagu und Adrian Brunel und Walter C. Mycroft. [68]

Hitchcocks Glück kam mit seinem ersten Thriller, The Lodger: Eine Geschichte des Londoner Nebels (1927), über die Jagd nach einem Serienmörder, ermordet in einem schwarzen Umhang und einer schwarzen Tasche junge blonde Frauen in London, und das nur dienstags. [69] Eine Vermieterin vermutet, dass ihr Untermieter der Mörder ist, der sich jedoch als unschuldig herausstellt. Um den Eindruck zu vermitteln, dass aus einem oberen Stockwerk Schritte zu hören waren, ließ Hitchcock einen Glasboden anfertigen, damit der Betrachter den Untermieter in seinem Zimmer über der Vermieterin auf und ab gehen sehen konnte. [70] Hitchcock hatte gewollt, dass der Hauptdarsteller schuldig ist oder dass der Film zumindest zweideutig endet, aber der Star war Ivor Novello, ein Matinée-Idol, und das "Sternensystem" bedeutete, dass Novello nicht der Bösewicht sein konnte. Hitchcock sagte zu Truffaut: „Sie müssen es deutlich in großen Buchstaben ausdrücken: ‚Er ist unschuldig‘.“ (Er hatte das gleiche Problem Jahre später mit Cary Grant in Verdacht (1941).) [71] Erschienen im Januar 1927, Die Untermieter war ein kommerzieller und kritischer Erfolg in Großbritannien. [72] [73] Hitchcock erzählte Truffaut, dass der Film der erste sei, der vom deutschen Expressionismus beeinflusst sei: "In Wahrheit könnte man fast sagen, dass Die Untermieter war mein erstes Bild." [74] Er hatte seinen ersten Cameo-Auftritt in dem Film, in dem er in einer Nachrichtenredaktion sitzend dargestellt wurde, und im zweiten, in einer Menschenmenge stehend, als der Hauptdarsteller verhaftet wird. [75] [76]

Ehe Bearbeiten

Am 2. Dezember 1926 heiratete Hitchcock im Brompton Oratory in South Kensington die englisch-amerikanische Drehbuchautorin Alma Reville (1899–1982). [77] Das Paar verbrachte seine Flitterwochen in Paris, am Comer See und in St. Moritz, bevor es nach London zurückkehrte, um in einer Mietwohnung in den oberen beiden Stockwerken der Cromwell Road 153, Kensington, zu leben. [78] Reville, die nur wenige Stunden nach Hitchcock geboren wurde, [79] konvertierte vom Protestantismus zum Katholizismus, anscheinend auf Drängen von Hitchcocks Mutter wurde sie am 31. Mai 1927 getauft und am 5. Juni in der Westminster Cathedral von Kardinal Francis Bourne konfirmiert. [80]

Als sie 1928 erfuhren, dass Reville schwanger war, kauften die Hitchcocks "Winter's Grace", ein Tudor-Bauernhaus auf einem 11 Hektar großen Grundstück in der Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, für 2.500 Pfund. [81] Ihre Tochter und ihr einziges Kind, Patricia Alma Hitchcock, wurden am 7. Juli desselben Jahres geboren. [82]

Reville wurde die engste Mitarbeiterin ihres Mannes. Charles Champlin schrieb 1982: "Der Hitchcock-Touch hatte vier Hände, und zwei waren Almas." [83] Als Hitchcock 1979 den AFI Life Achievement Award entgegennahm, sagte er, er wolle „vier Personen erwähnen, die mir die größte Zuneigung, Wertschätzung und Ermutigung und ständige Zusammenarbeit entgegengebracht haben. der zweite ist eine Drehbuchautorin, der dritte ist die Mutter meiner Tochter Pat, und der vierte ist eine so gute Köchin, wie sie jemals in einer häuslichen Küche Wunder vollbracht hat. Und sie heißen Alma Reville." [84] Reville schrieb oder schrieb an vielen von Hitchcocks Filmen, darunter Hauch eines Zweifels, Verdacht und Die 39 Schritte.

Frühe Tonfilme Bearbeiten

Hitchcock begann mit der Arbeit an seinem zehnten Film, Bestechung (1929), als seine Produktionsfirma British International Pictures (BIP) seine Elstree-Studios auf Ton umstellte. Der Film war der erste britische "Talkie", der der rasanten Entwicklung des Tonfilms in den Vereinigten Staaten folgte, von der Verwendung kurzer Tonsegmente in Der Jazzsänger (1927) zum ersten Full-Sound-Feature Die Lichter von New York (1928). [4] Bestechung begann die Hitchcock-Tradition, berühmte Wahrzeichen als Kulisse für Spannungssequenzen zu verwenden, wobei der Höhepunkt auf der Kuppel des British Museums stattfand. [85] Es zeigt auch einen seiner längsten Cameo-Auftritte, der zeigt, wie er von einem kleinen Jungen belästigt wird, während er ein Buch in der Londoner U-Bahn liest. [86] In der PBS-Serie Die Männer, die die Filme gemacht habenHitchcock erklärte, wie er frühe Tonaufnahmen als besonderes Element des Films einsetzte und betonte das Wort "Messer" in einem Gespräch mit der des Mordes verdächtigten Frau. [87] [ Klärung nötig ] Während dieser Zeit leitete Hitchcock Segmente für eine BIP-Revue, Elstree Calling (1930) und führte Regie bei einem Kurzfilm, Eine elastische Angelegenheit (1930), mit zwei Filmwoche Stipendiatinnen und Stipendiaten. [88] Eine elastische Angelegenheit ist einer der verlorenen Filme. [89]

1933 unterzeichnete Hitchcock einen Mehrfilmvertrag mit Gaumont-British, der wieder für Michael Balcon arbeitete. [90] [91] Sein erster Film für die Firma, Der Mann der zu viel wusste (1934), war ein Erfolg sein zweiter, Die 39 Schritte (1935), wurde in Großbritannien gefeiert und in den Vereinigten Staaten anerkannt. Es etablierte auch die typisch englische "Hitchcock blonde" (Madeleine Carroll) als Vorlage für seine Nachfolge eiskalter, eleganter Hauptdarstellerinnen. Drehbuchautor Robert Towne bemerkte: „Es ist nicht übertrieben zu sagen, dass alle zeitgenössische eskapistische Unterhaltung mit beginnt Die 39 Schritte". [92] Dieser Film war einer der ersten, der das "MacGuffin"-Plot-Gerät einführte, ein Begriff, der vom englischen Drehbuchautor Angus MacPhail geprägt wurde. [93] Der MacGuffin ist ein Gegenstand oder ein Ziel, das der Protagonist verfolgt, eines, das ansonsten kein erzählerischer Wert in Die 39 Schritte, der MacGuffin ist ein gestohlenes Set von Designplänen. [94]

Hitchcock veröffentlichte 1936 zwei Spionagethriller. Sabotage basierte lose auf Joseph Conrads Roman, Der Geheimagent (1907), über eine Frau, die entdeckt, dass ihr Mann ein Terrorist ist, und Geheimagent, basierend auf zwei Geschichten in Ashenden: Oder der britische Agent (1928) von W. Somerset Maugham. [e]

Zu dieser Zeit wurde Hitchcock auch für Streiche gegen die Besetzung und die Crew berüchtigt. Diese Witze reichten von einfach und unschuldig bis verrückt und wahnsinnig. Zum Beispiel veranstaltete er eine Dinnerparty, bei der er alle Lebensmittel blau färbte, weil er behauptete, es gäbe nicht genug blaue Lebensmittel. Er ließ auch ein Pferd in die Umkleidekabine seines Freundes, des Schauspielers Gerald du Maurier, liefern. [95] Hitchcock folgte mit Jung und unschuldig 1937 ein Krimi nach dem Roman von 1936 Ein Schilling für Kerzen von Josephine Tey. [96] Mit Nova Pilbeam und Derrick De Marney in den Hauptrollen war der Film für die Besetzung und die Crew relativ angenehm. [96] Um Vertriebszwecken in Amerika gerecht zu werden, wurde die Laufzeit des Films gekürzt und dabei eine von Hitchcocks Lieblingsszenen entfernt: eine Kinderteeparty, die für die Protagonisten bedrohlich wird. [97]

Hitchcocks nächster großer Erfolg war Die Dame verschwindet (1938), "einer der größten Eisenbahnfilme aus der goldenen Ära des Genres", so Philip French, in dem Miss Froy (May Whitty), eine britische Spionin, die sich als Gouvernante ausgibt, auf einer Zugfahrt durch das fiktive europäische Land verschwindet von Bandrika. [98] Für den Film erhielt Hitchcock 1938 den New York Film Critics Circle Award für die beste Regie. [99] Benjamin Crisler von der New York Times schrieb im Juni 1938: "Drei einzigartige und wertvolle Institutionen haben die Briten, die wir in Amerika nicht haben: Magna Carta, die Tower Bridge und Alfred Hitchcock, der größte Regisseur von Leinwandmelodramen der Welt." [100]

1938 war sich Hitchcock bewusst, dass er in Großbritannien seinen Höhepunkt erreicht hatte. [101] Er hatte zahlreiche Angebote von Produzenten in den Vereinigten Staaten erhalten, aber er lehnte alle ab, weil er die vertraglichen Verpflichtungen nicht mochte oder die Projekte abstoßend fand. [102] Produzent David O. Selznick unterbreitete ihm jedoch einen konkreten Vorschlag, einen Film über den Untergang von RMS . zu drehen Titanic, die schließlich eingestellt wurde, aber Selznick überredete Hitchcock, nach Hollywood zu kommen. Im Juli 1938 flog Hitchcock nach New York und stellte fest, dass er bereits eine Berühmtheit war. Er wurde in Zeitschriften vorgestellt und gab Radiosendern Interviews. [103] In Hollywood traf Hitchcock zum ersten Mal auf Selznick. Selznick bot ihm einen Vier-Film-Vertrag an, etwa 40.000 US-Dollar für jedes Bild (entspricht 735.414 US-Dollar im Jahr 2020). [103]

Frühe Hollywood-Jahre: 1939–1945 Bearbeiten

Selznick Vertrag Bearbeiten

Selznick unterschrieb Hitchcock zu einem Siebenjahresvertrag, der im April 1939 begann, [104] und die Hitchcocks zogen nach Hollywood. [105] Die Hitchcocks lebten in einer geräumigen Wohnung am Wilshire Boulevard und gewöhnten sich langsam an die Gegend von Los Angeles. Er und seine Frau Alma hielten sich zurück und waren nicht daran interessiert, Partys zu besuchen oder Prominente zu sein. [106] Hitchcock entdeckte seine Vorliebe für gutes Essen in West Hollywood, führte seine Lebensweise aber dennoch von England aus weiter. [107] Er war beeindruckt von der Filmkultur Hollywoods, den expansiven Budgets und der Effizienz, [107] im Vergleich zu den Grenzen, denen er in Großbritannien oft begegnet war. [108] Im Juni dieses Jahres Leben Magazin nannte ihn den "größten Meister des Melodrams in der Geschichte der Leinwand". [109]

Obwohl Hitchcock und Selznick sich respektierten, waren ihre Arbeitsvereinbarungen manchmal schwierig. Selznick litt unter ständigen finanziellen Problemen, und Hitchcock war oft unglücklich über Selznicks kreative Kontrolle und Einmischung in seine Filme. Selznick war auch unzufrieden mit Hitchcocks Methode, nur das zu drehen, was im Drehbuch stand, und nicht mehr, was bedeutete, dass der Film später nicht anders geschnitten und neu gemacht werden konnte.[110] Sie beschwerten sich nicht nur über Hitchcocks "gottverdammtes Puzzleschneiden", [111] ihre Persönlichkeiten waren nicht übereinstimmend: Hitchcock war zurückhaltend, während Selznick extravagant war. [112] Schließlich lieh Selznick Hitchcock großzügig an die größeren Filmstudios. [113] Selznick drehte jedes Jahr nur wenige Filme, ebenso wie sein unabhängiger Produzent Samuel Goldwyn, daher hatte er nicht immer Projekte für Hitchcock zu leiten. Goldwyn hatte auch mit Hitchcock über einen möglichen Vertrag verhandelt, nur um von Selznick überboten zu werden. In einem späteren Interview sagte Hitchcock: „[Selznick] war der große Produzent. . Produzent war König. Das schmeichelhafteste, was Herr Selznick über mich gesagt hat – und es zeigt Ihnen, wie viel Kontrolle er hat – er sagte, ich sei der ‚einzige‘ Regisseur' würde er 'einem Film anvertrauen'." [114]

Hitchcock näherte sich dem amerikanischen Kino vorsichtig, sein erster amerikanischer Film spielte in England, in dem die "Amerikanizität" der Charaktere nebensächlich war: [115] Rebecca (1940) spielt in einer Hollywood-Version des englischen Cornwall und basiert auf einem Roman der englischen Schriftstellerin Daphne du Maurier. Selznick bestand auf einer getreuen Adaption des Buches und widersprach Hitchcock mit der Verwendung von Humor. [116] [117] Der Film mit Laurence Olivier und Joan Fontaine handelt von einer namenlosen naiven jungen Frau, die einen verwitweten Aristokraten heiratet. Sie lebt in seinem großen englischen Landhaus und kämpft mit dem Ruf seiner eleganten und weltlichen ersten Frau Rebecca, die unter mysteriösen Umständen starb. Der Film wurde bei den 13. Academy Awards als bester Film ausgezeichnet, die Statuette wurde dem Produzenten Selznick überreicht. Hitchcock erhielt seine erste Nominierung als Bester Regisseur, seine erste von fünf Nominierungen. [5] [118]

Hitchcocks zweiter amerikanischer Film war der Thriller Auslandskorrespondent (1940), spielt in Europa, basierend auf Vincent Sheeans Buch Persönliche Geschichte (1935) und produziert von Walter Wanger. Es wurde in diesem Jahr für den besten Film nominiert. Hitchcock fühlte sich unwohl, in Hollywood zu leben und zu arbeiten, während Großbritannien im Krieg war. Seine Sorge führte zu einem Film, der die britischen Kriegsanstrengungen offen unterstützte. [119] 1939 gedreht, wurde es von den sich schnell ändernden Ereignissen in Europa inspiriert, wie sie von einem amerikanischen Zeitungsreporter, gespielt von Joel McCrea, berichtet wurden. Durch das Mischen von Filmmaterial europäischer Szenen mit Szenen, die auf einem Hollywood-Backlot gedreht wurden, vermied der Film direkte Verweise auf den Nationalsozialismus, Nazi-Deutschland und die Deutschen, um dem damaligen Filmproduktionskodex zu entsprechen. [120] [ fehlgeschlagene Überprüfung ]

Frühe Kriegsjahre Bearbeiten

Im September 1940 kauften die Hitchcocks die 200 Acres (0,81 km 2 ) große Cornwall Ranch in der Nähe von Scotts Valley, Kalifornien, in den Santa Cruz Mountains. [121] Ihr Hauptwohnsitz war ein Haus im englischen Stil in Bel Air, das 1942 gekauft wurde. [122] Hitchcocks Filme waren in dieser Zeit vielfältig, von der romantischen Komödie Herr & Frau Smith (1941) zum düsteren Film Noir Hauch eines Zweifels (1943).

Verdacht (1941) markierte Hitchcocks ersten Film als Produzent und Regisseur. Es spielt in England Hitchcock nutzte die Nordküste von Santa Cruz für die englische Küstensequenz. Der Film ist der erste von vier Filmen, in denen Cary Grant von Hitchcock besetzt wurde, und es ist eine der seltenen Gelegenheiten, dass Grant einen finsteren Charakter spielt. Grant spielt Johnnie Aysgarth, einen englischen Hochstapler, dessen Handlungen bei seiner schüchternen jungen englischen Frau Lina McLaidlaw (Joan Fontaine) Misstrauen und Angst auslösen. [123] In einer Szene stellte Hitchcock ein Licht in ein Glas Milch, vielleicht vergiftet, das Grant seiner Frau bringt. Das Licht sorgt dafür, dass die Aufmerksamkeit des Publikums auf das Glas gerichtet ist. Grants Charakter ist eigentlich ein Mörder, wie im Buch beschrieben, Vor der Tatsache von Francis Iles, aber das Studio war der Meinung, dass Grants Image dadurch getrübt würde. Hitchcock entschied sich daher für ein zweideutiges Finale, obwohl er es vorgezogen hätte, mit dem Mord an der Frau zu enden. [124] [f] Fontaine wurde für ihre Leistung als beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet. [126]

Saboteur (1942) ist der erste von zwei Filmen, die Hitchcock während des Jahrzehnts für die Universal Studios drehte. Hitchcock wurde von Universal gezwungen, den Universal-Vertragsspieler Robert Cummings und Priscilla Lane einzusetzen, eine Freiberuflerin, die einen Ein-Bild-Vertrag mit dem Studio unterzeichnet hat, die beide für ihre Arbeit in Komödien und leichten Dramen bekannt sind. [127] Die Geschichte zeigt eine Konfrontation zwischen einem mutmaßlichen Saboteur (Cummings) und einem echten Saboteur (Norman Lloyd) auf der Freiheitsstatue. Hitchcock unternahm eine dreitägige Tour durch New York City, um nach zu suchen Saboteur s Drehorte. [128] Er führte auch Regie Hast du gehört? (1942), eine fotografische Dramatisierung für Leben Magazin über die Gefahren von Gerüchten in Kriegszeiten. [129] 1943 schrieb er eine Krimigeschichte für Aussehen Zeitschrift "The Murder of Monty Woolley", [130] eine Abfolge von Bildunterschriften, die den Leser einladen, Hinweise auf die Identität des Mörders zu finden. [ Zitat benötigt ]

Zurück in England war Hitchcocks Mutter Emma schwer krank, sie starb am 26. September 1942 im Alter von 79 Jahren. Hitchcock sprach nie öffentlich über seine Mutter, aber sein Assistent sagte, er bewundere sie. [131] Vier Monate später, am 4. Januar 1943, starb sein Bruder William im Alter von 52 Jahren an einer Überdosis. [132] Hitchcock stand William nicht sehr nahe, [133] aber sein Tod machte Hitchcock sich seiner eigenen Ess- und Trinkgewohnheiten bewusst . Er war übergewichtig und litt unter Rückenschmerzen. Sein Neujahrsvorsatz 1943 war, mit Hilfe eines Arztes seine Ernährung ernst zu nehmen. [134] Im Januar dieses Jahres Hauch eines Zweifels wurde veröffentlicht, an die Hitchcock gute Erinnerungen hatte. [135] In dem Film vermutet Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright) ihren geliebten Onkel Charlie Oakley (Joseph Cotten) als Serienmörder. Hitchcock drehte ausgiebig vor Ort, diesmal in der nordkalifornischen Stadt Santa Rosa. [136]

Bei 20th Century Fox wandte sich Hitchcock mit einer Idee für einen Film an John Steinbeck, der die Erfahrungen der Überlebenden eines deutschen U-Boot-Anschlags festhält. Steinbeck begann mit der Arbeit am Drehbuch, das zum Rettungsboot (1944). Steinbeck war jedoch mit dem Film unzufrieden und verlangte vergeblich, seinen Namen aus dem Abspann zu entfernen. Die Idee wurde von Harry Sylvester in eine Kurzgeschichte umgeschrieben und veröffentlicht in Colliers 1943. Die Actionsequenzen wurden in einem kleinen Boot im Wassertank des Studios gedreht. Das Gebietsschema stellte Probleme für Hitchcocks traditionellen Cameo-Auftritt dar. Es wurde gelöst, indem Hitchcocks Bild in einer Zeitung erschien, die William Bendix im Boot liest, und den Regisseur in einer Vorher-Nachher-Werbung für "Reduco-Obesity Slayer" zeigt. [137] Er sagte Truffaut 1962:

Zu dieser Zeit machte ich eine anstrengende Diät und arbeitete mich mühsam von 300 auf 200 Pfund hoch. Also beschloss ich, meinen Verlust zu verewigen und meinen Teil davon zu bekommen, indem ich für "Vorher"- und "Nachher"-Bilder posierte. . Ich war buchstäblich überflutet von Briefen von dicken Leuten, die wissen wollten, wo und wie sie Reduco bekommen könnten. [138]

Hitchcocks typisches Abendessen vor seinem Gewichtsverlust bestand aus einem Brathähnchen, gekochtem Schinken, Kartoffeln, Brot, Gemüse, Relish, Salat, Dessert, einer Flasche Wein und etwas Brandy. Um Gewicht zu verlieren, bestand seine Ernährung aus schwarzem Kaffee zum Frühstück und Mittagessen und Steak und Salat zum Abendessen, [134] aber es war schwer zu behaupten, dass Donald Spoto schrieb, dass sein Gewicht in den nächsten 40 Jahren erheblich schwankte. Ende 1943 lehnte die Occidental Insurance Company von Los Angeles trotz des Gewichtsverlusts seinen Antrag auf eine Lebensversicherung ab. [139]

Sachfilme aus Kriegszeiten Bearbeiten

Hitchcock kehrte Ende 1943 und Anfang 1944 für einen längeren Besuch nach Großbritannien zurück. Dort drehte er zwei kurze Propagandafilme, Gute Reise (1944) und Aventure Malgache (1944), für das Informationsministerium. Im Juni und Juli 1945 diente Hitchcock als "Behandlungsberater" bei einer Holocaust-Dokumentation, die Filmmaterial der Alliierten über die Befreiung der Nazi-Konzentrationslager verwendete. Der Film wurde in London zusammengestellt und von Sidney Bernstein vom Informationsministerium produziert, der Hitchcock (einen Freund) mit ins Boot holte. Ursprünglich sollte es an die Deutschen gesendet werden, aber die britische Regierung hielt es für zu traumatisch, um es einer schockierten Nachkriegsbevölkerung zu zeigen. Stattdessen wurde es 1952 aus den Filmtresoren des britischen Kriegsministeriums in das Londoner Imperial War Museum überführt und blieb bis 1985 unveröffentlicht, als eine bearbeitete Version als Episode von PBS ausgestrahlt wurde Frontlinie, unter dem Titel, den das Imperial War Museum ihm gegeben hatte: Erinnerung an die Lager. Die abendfüllende Version des Films, Faktenübersicht über deutsche Konzentrationslager, wurde 2014 von Gelehrten des Imperial War Museum restauriert. [141] [142] [143]

Hollywood-Jahre der Nachkriegszeit: 1945–1953 Bearbeiten

Spätere Selznick-Filme Bearbeiten

Hitchcock arbeitete wieder für David Selznick, als er Regie führte Gebannt (1945), das die Psychoanalyse erforscht und eine von Salvador Dalí entworfene Traumsequenz enthält. [144] Die Traumsequenz, wie sie im Film erscheint, ist zehn Minuten kürzer als ursprünglich gedacht. Selznick hat sie bearbeitet, um sie effektiver "spielen" zu lassen. [145] Gregory Peck spielt den amnesischen Dr. Anthony Edwardes unter der Behandlung des Analytikers Dr. Peterson (Ingrid Bergman), der sich in ihn verliebt, während er versucht, seine unterdrückte Vergangenheit aufzudecken. [146] Zwei Point-of-View-Aufnahmen wurden durch den Bau einer großen Holzhand (die zu der Figur zu gehören scheint, deren Blickwinkel die Kamera einnahm) und übergroßen Requisiten zum Halten erreicht: ein eimergroßes Glas Milch und eine große Holzpistole. Für zusätzliche Neuheit und Wirkung wurde der Höhepunkt des Schusses auf einigen Kopien des Schwarzweißfilms handkoloriert. Die Originalpartitur von Miklós Rózsa verwendet das Theremin, und ein Teil davon wurde später vom Komponisten in Rozsas Klavierkonzert op. 31 (1967) für Klavier und Orchester. [147] [ fehlgeschlagene Überprüfung ]

Der Spionagefilm Berüchtigt folgte 1946 als nächstes. Hitchcock erzählte François Truffaut, dass Selznick ihn, Ingrid Bergman, Cary Grant und Ben Hechts Drehbuch als "Paket" für 500.000 US-Dollar (entspricht 6.635.666 US-Dollar im Jahr 2020) an RKO Radio Pictures verkauft habe, weil die Kosten für Selznicks Duell in der Sonne (1946). [ Zitat benötigt ] Berüchtigt Die Hauptrollen spielen Bergman und Grant, beides Hitchcock-Kollaborateure, und zeigt eine Handlung über Nazis, Uran und Südamerika. Seine vorausschauende Verwendung von Uran als Verschwörungsgerät führte dazu, dass er kurzzeitig vom Federal Bureau of Investigation überwacht wurde. [148] Laut Patrick McGilligan konsultierten Hitchcock und Hecht im oder um den März 1945 Robert Millikan vom California Institute of Technology über die Entwicklung einer Uranbombe. Selznick beschwerte sich, dass der Begriff "Science-Fiction" sei, nur um mit der Nachricht von der Detonation zweier Atombomben auf Hiroshima und Nagasaki in Japan im August 1945 konfrontiert zu werden. [149]

Transatlantische Bilder Bearbeiten

Hitchcock gründete mit seinem Freund Sidney Bernstein die unabhängige Produktionsfirma Transatlantic Pictures. Mit Transatlantic drehte er zwei Filme, einer davon war sein erster Farbfilm. Mit Seil (1948) experimentierte Hitchcock mit dem Sammeln von Spannung in einer begrenzten Umgebung, wie er es zuvor mit . getan hatte Rettungsboot. Der Film erscheint als eine sehr begrenzte Anzahl von Serienaufnahmen, aber tatsächlich wurde er in 10 Minuten gedreht, die jeweils von 4-1 ⁄ 2 bis 10 Minuten reichen . Einige Übergänge zwischen den Walzen wurden ausgeblendet, indem für einen Moment ein dunkles Objekt den gesamten Bildschirm ausfüllte. Hitchcock benutzte diese Punkte, um den Schnitt zu verbergen, und begann die nächste Aufnahme mit der Kamera an derselben Stelle. Der Film zeigt James Stewart in der Hauptrolle und war der erste von vier Filmen, die Stewart mit Hitchcock drehte. Es wurde vom Fall Leopold und Loeb der 1920er Jahre inspiriert. [150] Die damalige kritische Reaktion war gemischt. [151]

Unter Steinbock (1949), das im Australien des 19. Jahrhunderts spielt, verwendet ebenfalls die kurzlebige Technik der langen Einstellungen, jedoch in geringerem Umfang. In dieser Produktion verwendete er erneut Technicolor und kehrte dann für mehrere Jahre zu Schwarzweiß zurück. Transatlantic Pictures wurde nach den letzten beiden Filmen inaktiv. [152] [153] Hitchcock gefilmt Lampenfieber (1950) in den Elstree Studios in England, wo er viele Jahre zuvor während seines British International Pictures-Vertrags gearbeitet hatte. [154] Er paarte einen von Warner Bros.' beliebtesten Stars, Jane Wyman, mit der im Ausland lebenden deutschen Schauspielerin Marlene Dietrich und mit mehreren prominenten britischen Schauspielern, darunter Michael Wilding, Richard Todd und Alastair Sim. [155] Dies war Hitchcocks erste richtige Produktion für Warner Bros Seil und Unter Steinbock, weil Transatlantic Pictures in finanzielle Schwierigkeiten geriet. [156]

Sein Thriller Fremde in einem Zug (1951) basiert auf dem gleichnamigen Roman von Patricia Highsmith. Hitchcock kombinierte viele Elemente aus seinen vorangegangenen Filmen. Er wandte sich an Dashiell Hammett, um den Dialog zu schreiben, aber Raymond Chandler übernahm und hinterließ dann Meinungsverschiedenheiten mit dem Regisseur. In dem Film treffen sich zwei Männer beiläufig, von denen einer über eine narrensichere Mordmethode spekuliert. Farley Grangers Rolle war das unschuldige Opfer des Plans, während Robert Walker, der zuvor für "Junge-von-nebenan"-Rollen bekannt war, den Bösewicht spielte. [157] Ich gebe zu (1953) spielte in Quebec mit Montgomery Clift als katholischer Priester. [158]

Spitzenjahre: 1954-1964 Bearbeiten

Wähle M für Mord und Heckscheibe Bearbeiten

Ich gebe zu Es folgten drei Farbfilme mit Grace Kelly in der Hauptrolle: Wähle M für Mord (1954), Heckscheibe (1954), und Einen Dieb fangen (1955). In Wähle M für Mord, Ray Milland spielt den Bösewicht, der für ihr Geld versucht, seine untreue Frau (Kelly) zu ermorden. Sie tötet den angeheuerten Attentäter in Notwehr, also manipuliert Milland die Beweise, um es wie Mord aussehen zu lassen. Ihr Geliebter Mark Halliday (Robert Cummings) und Polizeiinspektor Hubbard (John Williams) retten sie vor der Hinrichtung. [159] Hitchcock experimentierte mit 3D-Kinematografie für Wähle M für Mord. [160]

Hitchcock ist zu Paramount Pictures gewechselt und hat gefilmt Heckscheibe (1954) mit James Stewart und Grace Kelly sowie Thelma Ritter und Raymond Burr. Stewarts Figur ist ein Fotograf namens Jeff (nach Robert Capa), der vorübergehend einen Rollstuhl benutzen muss. Aus Langeweile beginnt er, seine Nachbarn auf der anderen Seite des Hofes zu beobachten, und ist dann überzeugt, dass einer von ihnen (Raymond Burr) seine Frau ermordet hat. Jeff schafft es schließlich, seinen Polizisten-Kumpel (Wendell Corey) und seine Freundin (Kelly) zu überzeugen. Wie bei Rettungsboot und Seil, werden die Hauptfiguren in beengten oder beengten Räumen dargestellt, in diesem Fall in Stewarts Atelierwohnung. Hitchcock verwendet Nahaufnahmen von Stewarts Gesicht, um die Reaktionen seines Charakters zu zeigen, "vom komischen Voyeurismus, der sich an seine Nachbarn richtet, bis zu seinem hilflosen Terror, der Kelly und Burr in der Wohnung des Bösewichts beobachtet". [161]

Alfred Hitchcock präsentiert Bearbeiten

Von 1955 bis 1965 war Hitchcock der Moderator der Fernsehserie Alfred Hitchcock präsentiert. [162] Mit seiner drolligen Darbietung, seinem Galgenhumor und seinem ikonischen Image machte die Serie Hitchcock zu einer Berühmtheit. Die Titelsequenz der Ausstellung zeigte eine minimalistische Karikatur seines Profils (er hat es selbst gezeichnet, es besteht aus nur neun Strichen), die dann seine echte Silhouette füllte. [163] Die Titelmelodie der Serie war Trauermarsch einer Marionette des französischen Komponisten Charles Gounod (1818–1893). [164]

Seine Einführungen enthielten immer eine Art ironischen Humor, wie die Beschreibung einer kürzlich erfolgten Hinrichtung von mehreren Personen, die dadurch behindert wurde, dass nur ein elektrischer Stuhl vorhanden war, während zwei mit einem Schild "Zwei Stühle - kein Warten!" Er führte bei 18 Folgen der Serie Regie, die von 1955 bis 1965 ausgestrahlt wurde Die Alfred-Hitchcock-Stunde 1962, und NBC strahlte die letzte Episode am 10. Mai 1965 aus. In den 1980er Jahren wurde eine neue Version von Alfred Hitchcock präsentiert wurde für das Fernsehen produziert, wobei die Originaleinführungen von Hitchcock in kolorierter Form verwendet wurden. [162]

Hitchcocks Erfolg im Fernsehen brachte eine Reihe von Kurzgeschichtensammlungen in seinem Namen hervor, darunter auch Alfred Hitchcocks Anthologie, Geschichten, die sie mich nicht im Fernsehen machen lassen würden, und Geschichten, die meine Mutter mir nie erzählt hat. [165] 1956 lizenzierte HSD Publications auch den Namen des Regisseurs, um Alfred Hitchcocks Mystery-Magazin, eine monatliche Zusammenfassung, die sich auf Kriminalität und Detektivliteratur spezialisiert hat. [165] Hitchcocks Fernsehserien waren sehr profitabel, und seine fremdsprachigen Buchversionen brachten Einnahmen von bis zu 100.000 US-Dollar pro Jahr (entspricht 874.803 US-Dollar im Jahr 2020). [166]

Von Einen Dieb fangen zu Schwindel Bearbeiten

1955 wurde Hitchcock US-amerikanischer Staatsbürger. [167] Im selben Jahr erschien sein dritter Grace Kelly-Film, Einen Dieb fangen, wurde veröffentlicht, spielt an der französischen Riviera und spielt Kelly und Cary Grant. Grant spielt den pensionierten Dieb John Robie, der zum Hauptverdächtigen für eine Flut von Raubüberfällen an der Riviera wird. Eine abenteuerlustige amerikanische Erbin, gespielt von Kelly, ahnt seine wahre Identität und versucht, ihn zu verführen. "Trotz des offensichtlichen Altersunterschieds zwischen Grant und Kelly und einer leichtgewichtigen Handlung erwiesen sich das witzige Drehbuch (mit Doppeldeutigkeiten) und das gutmütige Schauspiel als kommerzieller Erfolg." [168] Es war Hitchcocks letzter Film mit Kelly, die sie 1956 Prinz Rainier von Monaco heiratete und ihre Filmkarriere danach beendete. Hitchcock hat dann seinen eigenen Film von 1934 neu verfilmt Der Mann der zu viel wusste 1956. Diesmal spielten James Stewart und Doris Day die Hauptrolle, die den Titelsong "Que Sera, Sera" sangen, der den Oscar für den besten Originalsong gewann und ein großer Hit wurde. Sie spielen ein Paar, dessen Sohn entführt wird, um zu verhindern, dass sie sich in ein Attentat einmischen. Der Höhepunkt findet wie im Film von 1934 in der Royal Albert Hall statt. [169]

Der falsche Mann (1957), Hitchcocks letzter Film für Warner Bros., ist eine zurückhaltende Schwarz-Weiß-Produktion, die auf einem realen Fall von Verwechslung basiert, über den in . berichtet wurde Leben Zeitschrift 1953.Dies war der einzige Film von Hitchcock, in dem Henry Fonda die Hauptrolle spielte, einen Stork Club-Musiker, der mit einem Dieb aus einem Spirituosengeschäft verwechselt wurde, der verhaftet und wegen Raubes angeklagt wird, während seine Frau (Vera Miles) unter der Belastung emotional zusammenbricht. Hitchcock erzählte Truffaut, dass ihn seine lebenslange Angst vor der Polizei zu dem Thema ziehe und in viele Szenen eingebettet sei. [170]

Bei der Regie von Episoden für Alfred Hitchcock präsentiert Im Sommer 1957 wurde Hitchcock wegen Hernien und Gallensteinen ins Krankenhaus eingeliefert und musste seine Gallenblase entfernen lassen. Nach einer erfolgreichen Operation kehrte er sofort zur Arbeit zurück, um sich auf sein nächstes Projekt vorzubereiten. [171] [151] Hitchcocks nächster Film, Schwindel (1958) spielte wieder James Stewart mit Kim Novak und Barbara Bel Geddes. Er hatte gewollt, dass Vera Miles die Hauptrolle spielte, aber sie war schwanger. Er sagte Oriana Fallaci: „Ich habe ihr eine große Rolle angeboten, die Chance, eine schöne, anspruchsvolle Blondine zu werden, eine echte Schauspielerin. Wir hätten einen Haufen Dollar dafür ausgegeben, und sie hat den schlechten Geschmack, schwanger zu werden hasse schwangere Frauen, weil sie dann Kinder haben." [172]

In Schwindel, Stewart spielt Scottie, einen ehemaligen Polizeiermittler, der an Höhenangst leidet, der eine Besessenheit von einer Frau entwickelt, die er zu beschatten (Novak) angeheuert hat. Scotties Besessenheit führt zu einer Tragödie, und dieses Mal entscheidet sich Hitchcock nicht für ein Happy End. Einige Kritiker, darunter Donald Spoto und Roger Ebert, stimmen dem zu Schwindel ist der persönlichste und aufschlussreichste Film des Regisseurs, der sich mit dem Pygmalion-wie die Obsessionen eines Mannes, der aus einer Frau die Frau macht, die er begehrt. Schwindel erforscht sein Interesse an der Beziehung zwischen Sex und Tod offener und ausführlicher als jede andere Arbeit in seiner Filmografie. [173]

Schwindel enthält eine von Irmin Roberts entwickelte Kameratechnik, die allgemein als Dolly-Zoom bezeichnet wird und von vielen Filmemachern kopiert wurde. Der Film wurde beim San Sebastián International Film Festival uraufgeführt und Hitchcock gewann den Silver Seashell-Preis. [174] Schwindel gilt als Klassiker, zog aber damals gemischte Kritiken und schlechte Kasseneinnahmen an [175] der Kritiker aus Vielfalt Magazin meinte, der Film sei "zu langsam und zu lang". [176] Bosley Crowther von der New York Times hielt es für "teuflisch weit hergeholt", lobte aber die Darstellerleistungen und Hitchcocks Regie. [177] Das Bild war auch die letzte Zusammenarbeit zwischen Stewart und Hitchcock. [178] Im 2002 Sicht & Ton Umfragen, es rangierte knapp dahinter Citizen Kane (1941) zehn Jahre später wählten ihn Kritiker in derselben Zeitschrift zum besten Film aller Zeiten. [8]

Von Norden nach Nordwesten und Psycho Bearbeiten

Nach Schwindel, war der Rest des Jahres 1958 ein schwieriges Jahr für Hitchcock. Während der Vorproduktion von Von Norden nach Nordwesten (1959), was ein "langsamer" und "qualvoller" Prozess war, wurde bei seiner Frau Alma Krebs diagnostiziert. [179] Während Alma im Krankenhaus war, beschäftigte sich Hitchcock mit seiner Fernseharbeit und besuchte sie jeden Tag. Alma wurde operiert und erholte sich vollständig, aber Hitchcock stellte sich zum ersten Mal ein Leben ohne sie vor. [179]

Hitchcock folgte mit drei weiteren erfolgreichen Filmen, die ebenfalls zu seinen besten zählen: Von Norden nach Nordwesten, Psycho (1960) und Die Vögel (1963). In Von Norden nach Nordwesten, Cary Grant porträtiert Roger Thornhill, einen Werbemanager der Madison Avenue, der für einen Geheimagenten der Regierung gehalten wird. Er wird in den Vereinigten Staaten von feindlichen Agenten, darunter Eve Kendall (Eva Marie Saint), heiß verfolgt. Zuerst glaubt Thornhill, dass Kendall ihm hilft, aber dann erkennt er, dass sie eine feindliche Agentin ist. Er erfährt, dass sie verdeckt für die CIA arbeitet. Während seiner zweiwöchigen Eröffnung in der Radio City Music Hall spielte der Film 404.056 US-Dollar (entspricht 3.587.150 US-Dollar im Jahr 2020) ein und stellte damit einen Rekord im Nicht-Ferien-Brutto dieses Theaters auf. [180] Zeit Magazin bezeichnete den Film als „sanft gespachtelt und durch und durch unterhaltsam“. [181]

Psycho (1960) ist wohl der bekannteste Film von Hitchcock. [182] Nach Robert Blochs Roman von 1959 Psycho, die vom Fall Ed Gein inspiriert wurde, [183] ​​wurde der Film mit einem knappen Budget von 800.000 US-Dollar (entspricht 6.998.425 US-Dollar im Jahr 2020) produziert und in Schwarzweiß auf einem Ersatzset mit Crewmitgliedern von gedreht Alfred Hitchcock präsentiert. [184] Die beispiellose Gewalt der Duschszene, [h] der frühe Tod der Heldin und das Auslöschen unschuldiger Leben durch einen verstörten Mörder wurden zum Markenzeichen eines neuen Horrorfilm-Genres. [186] Der Film erwies sich beim Publikum als beliebt, mit Warteschlangen vor den Theatern, die auf die nächste Vorführung warteten. Es brach Box-Office-Rekorde in Großbritannien, Frankreich, Südamerika, den Vereinigten Staaten und Kanada und war für kurze Zeit ein mäßiger Erfolg in Australien. [187] [ Seite benötigt ]

Psycho war der profitabelste in Hitchcocks Karriere, und er verdiente persönlich über 15 Millionen US-Dollar (entspricht 131,22 Millionen US-Dollar im Jahr 2020). Anschließend tauschte er seine Rechte an Psycho und seine TV-Anthologie für 150.000 MCA-Aktien, was ihn zumindest theoretisch zum drittgrößten Aktionär und zu seinem eigenen Chef bei Universal machte, obwohl das sie nicht davon abhielt, ihn zu stören. [187] [ Seite benötigt ] [188] Nach dem ersten Film, Psycho wurde ein amerikanisches Horror-Franchise: Psycho II, Psycho III, Bates-Motel, Psycho IV: Der Anfang, und ein Farbremake von 1998 des Originals. [189]

Truffaut-Interview Bearbeiten

Am 13. August 1962, Hitchcocks 63. Geburtstag, begann der französische Regisseur François Truffaut ein 50-stündiges Interview mit Hitchcock, das acht Tage lang in den Universal Studios gedreht wurde und in dem Hitchcock sich bereit erklärte, 500 Fragen zu beantworten. Es dauerte vier Jahre, die Bänder zu transkribieren und die Bilder zu organisieren, die 1967 als Buch veröffentlicht wurden, das Truffaut den Spitznamen "Hitchbook" gab. Die Tonbänder dienten 2015 als Grundlage für einen Dokumentarfilm. [190] [191] Truffaut suchte das Interview, weil ihm klar war, dass Hitchcock nicht nur der Massen-Entertainer war, als den die amerikanischen Medien ihn darstellten. Aus seinen Filmen sei offensichtlich, schrieb Truffaut, dass Hitchcock „mehr über das Potenzial seiner Kunst nachgedacht habe als jeder seiner Kollegen“. Er verglich das Interview mit "Ödipus' Konsultation des Orakels". [192]

Die Vögel Bearbeiten

Das schrieb der Filmwissenschaftler Peter William Evans Die Vögel (1963) und Marnie (1964) gelten als "unumstrittene Meisterwerke". [151] Hitchcock hatte vorgehabt zu filmen Marnie zuerst, und im März 1962 wurde bekannt gegeben, dass Grace Kelly, Prinzessin Grace von Monaco seit 1956, aus dem Ruhestand kommen würde, um darin mitzuspielen. [193] Als Kelly Hitchcock bat, zu verschieben Marnie bis 1963 oder 1964 rekrutierte er Evan Hunter, den Autor von Der Tafel-Dschungel (1954), um ein Drehbuch zu entwickeln, das auf einer Daphne du Maurier-Kurzgeschichte "The Birds" (1952) basiert, die Hitchcock in seinem Meine Favoriten in Spannung (1959). Er engagierte Tippi Hedren, um die Hauptrolle zu spielen. [194] Es war ihre erste Rolle als Model in New York, als Hitchcock sie im Oktober 1961 in einer NBC-Fernsehwerbung für Sego, ein Diätgetränk, sah: [195] „Ich habe sie unter Vertrag genommen, weil sie eine klassische Schönheit ist . Filme haben sie nicht mehr. Grace Kelly war die letzte." Er bestand ohne Erklärung darauf, dass ihr Vorname in einfache Anführungszeichen geschrieben wurde: „Tippi“. [ich]

In Die Vögel, Melanie Daniels, eine junge Prominente, trifft in einem Vogelladen den Anwalt Mitch Brenner (Rod Taylor) Jessica Tandy spielt seine besitzergreifende Mutter. Hedren besucht ihn in Bodega Bay (wo Die Vögel wurde gefilmt) [196] trägt ein Paar Turteltauben als Geschenk. Plötzlich beginnen sich Wellen von Vögeln zu sammeln, zu beobachten und anzugreifen. Die Frage: "Was wollen die Vögel?" bleibt unbeantwortet. [198] Hitchcock drehte den Film mit Equipment aus dem Revue Studio, das Alfred Hitchcock präsentiert. Er sagte, es sei sein technisch anspruchsvollster Film, in dem er eine Kombination aus trainierten und mechanischen Vögeln vor einer Kulisse wilder Vögel verwendet. Jede Aufnahme wurde im Voraus skizziert. [196]

Ein HBO/BBC-Fernsehfilm, Das Mädchen (2012), schilderte Hedrens Erfahrungen am Set, sie sagte, Hitchcock sei von ihr besessen und habe sie sexuell belästigt. Berichten zufolge isolierte er sie vom Rest der Crew, ließ sie verfolgen, flüsterte ihr Obszönitäten zu, ließ ihre Handschrift analysieren und ließ eine Rampe von seinem Privatbüro direkt in ihren Wohnwagen bauen. [199] [200] Diane Baker, ihr Co-Star in Marnie, sagte: "[N]nichts hätte für mich schrecklicher sein können, als an diesem Filmset anzukommen und zu sehen, wie sie so behandelt wird, wie sie war." [201] Während der Dreharbeiten zu der Angriffsszene auf dem Dachboden – die Dreharbeiten dauerten eine Woche – wurde sie in einen Käfigraum gesperrt, während zwei Männer mit ellenbogenlangen Schutzhandschuhen lebende Vögel auf sie warfen. Um zu verhindern, dass die Vögel zu früh von ihr wegfliegen, wurde gegen Ende der Woche ein Bein jedes Vogels mit Nylonfäden an Gummibändern befestigt, die in ihre Kleidung eingenäht waren. Sie brach zusammen, nachdem ein Vogel ihr unteres Augenlid geschnitten hatte, und die Dreharbeiten wurden auf ärztliche Anordnung eingestellt. [202]

Marnie Bearbeiten

Im Juni 1962 gab Grace Kelly bekannt, dass sie sich gegen einen Auftritt in entschieden habe Marnie (1964). Hedren hatte im Oktober 1961 mit Hitchcock einen exklusiven Siebenjahresvertrag über 500 Dollar pro Woche unterschrieben, [203] und er beschloss, sie in der Hauptrolle neben Sean Connery zu besetzen. Im Jahr 2016 bezeichnete Richard Brody Hedrens Leistung als "eine der größten in der Geschichte des Kinos". , und das liegt daran, dass Hitchcock krank war, er litt sein ganzes Leben lang unter wütendem sexuellem Verlangen, litt unter dem Mangel an seiner Befriedigung, litt unter der Unfähigkeit, die Fantasie in die Realität umzusetzen, und tat es dann virtuell durch seine Kunst." [204] Ein 1964 New York Times Filmkritik nannte es Hitchcocks "enttäuschendster Film seit Jahren" und zitierte Hedrens und Connerys mangelnde Erfahrung, ein amateurhaftes Drehbuch und "extrem gefälschte Papphintergründe". [205]

Im Film stiehlt Marnie Edgar (Hedren) ihrem Arbeitgeber 10.000 Dollar und macht sich auf die Flucht. Sie bewirbt sich um eine Stelle bei Mark Rutlands (Connery) Firma in Philadelphia und stiehlt auch von dort. Zuvor wurde sie gezeigt, wie sie während eines Gewitters eine Panikattacke hat und die Farbe Rot fürchtet. Mark spürt sie auf und erpresst sie, ihn zu heiraten. Sie erklärt, dass sie nicht angefasst werden möchte, aber während der "Flitterwochen" vergewaltigt Mark sie. Marnie und Mark entdecken, dass Marnies Mutter eine Prostituierte war, als Marnie ein Kind war, und dass Marnie, während die Mutter während eines Gewitters mit einem Klienten kämpfte – die Mutter glaubte, der Klient habe versucht, Marnie zu belästigen – den Klienten getötet, um ihn zu retten ihrer Mutter. Von ihren Ängsten geheilt, als sie sich daran erinnert, was passiert ist, beschließt sie, bei Mark zu bleiben. [204] [206]

Hitchcock sagte dem Kameramann Robert Burks, dass die Kamera so nah wie möglich an Hedren platziert werden musste, wenn er ihr Gesicht filmte. [207] Evan Hunter, der Drehbuchautor von Die Vögel wer hat geschrieben Marnie auch, erklärte Hitchcock, dass, wenn Mark Marnie liebte, er sie trösten und nicht vergewaltigen würde. Hitchcock antwortete angeblich: "Evan, wenn er sie in sie steckt, will ich die Kamera direkt auf ihr Gesicht!" [208] Als Hunter zwei Versionen des Drehbuchs einreichte, eine ohne die Vergewaltigungsszene, ersetzte Hitchcock ihn durch Jay Presson Allen. [209]

Spätere Jahre: 1966-1980 Bearbeiten

Finale Filme Bearbeiten

Mangelnde Gesundheit reduzierte Hitchcocks Leistung in den letzten zwei Jahrzehnten seines Lebens. Der Biograf Stephen Rebello behauptete, Universal habe ihm zwei Filme auferlegt. Zerrissener Vorhang (1966) und Topas (1969), letzteres basiert auf einem Roman von Leon Uris, der teilweise in Kuba spielt. [210] Beide waren Spionagethriller mit Themen des Kalten Krieges. Zerrissener Vorhang, mit Paul Newman und Julie Andrews, leitete das bittere Ende der 12-jährigen Zusammenarbeit zwischen Hitchcock und dem Komponisten Bernard Herrmann ein. [211] Hitchcock war mit Herrmanns Partitur unzufrieden und ersetzte ihn durch John Addison, Jay Livingston und Ray Evans. [212] Nach der Entlassung Zerrissener Vorhang war ein Kassenfehler, [213] und Topas wurde von Kritikern und dem Studio nicht gemocht. [214]

Hitchcock kehrte nach Großbritannien zurück, um seinen vorletzten Film zu drehen. Raserei (1972), nach dem Roman Auf Wiedersehen Piccadilly, Abschied vom Leicester Square (1966). Nach zwei Spionagefilmen markierte die Handlung eine Rückkehr zum Mord-Thriller-Genre. Richard Blaney (Jon Finch), ein flüchtiger Barkeeper mit einer Geschichte explosiver Wut, wird zum Hauptverdächtigen in den Ermittlungen zu den "Necktie Murders", die tatsächlich von seinem Freund Bob Rusk (Barry Foster) begangen werden. Dieses Mal macht Hitchcock das Opfer und den Bösewicht zu Verwandtschaften und nicht zu Gegensätzen wie in Fremde in einem Zug. [215]

In RasereiHitchcock erlaubte erstmals Nacktheit. Zwei Szenen zeigen nackte Frauen, von denen eine vergewaltigt und erwürgt wird [151] Donald Spoto bezeichnete letztere als "eines der abstoßendsten Beispiele für einen detaillierten Mord in der Filmgeschichte". Beide Schauspieler, Barbara Leigh-Hunt und Anna Massey, weigerten sich, die Szenen zu machen, daher wurden stattdessen Modelle verwendet. [216] Biographen haben festgestellt, dass Hitchcock immer die Grenzen der Filmzensur überschritten hat und es oft geschafft hat, Joseph Breen, den Leiter des Motion Picture Production Code, zu täuschen. Hitchcock fügte subtile Hinweise auf Unrichtigkeiten hinzu, die bis Mitte der 1960er Jahre durch die Zensur verboten waren. Dennoch schrieb Patrick McGilligan, dass Breen und andere oft erkannten, dass Hitchcock solches Material einfügte, und sie waren tatsächlich amüsiert und beunruhigt über Hitchcocks „unausweichliche Schlussfolgerungen“. [217]

Familiengrundstück (1976) war Hitchcocks letzter Film. Es erzählt die Eskapaden von "Madam" Blanche Tyler, gespielt von Barbara Harris, einer betrügerischen Spiritualistin, und ihrem Taxifahrer-Liebhaber Bruce Dern, die von ihren falschen Kräften leben. Während Familiengrundstück basiert auf dem Roman von Victor Canning Das Rainbird-Muster (1972) ist der Ton des Romans düsterer. Drehbuchautor Ernest Lehman schrieb den Film ursprünglich unter dem Arbeitstitel Deception mit einem dunklen Ton, wurde aber von Hitchcock zu einem helleren, komischeren Ton getrieben, wo er den Namen Deceit und schließlich Family Plot annahm. [218]

Ritterschaft und Tod Bearbeiten

Gegen Ende seines Lebens arbeitete Hitchcock am Drehbuch für einen Spionagethriller. Die kurze Nacht, in Zusammenarbeit mit James Costigan, Ernest Lehman und David Freeman. Trotz Vorarbeit wurde es nie verfilmt. Hitchcocks Gesundheitszustand verschlechterte sich und er machte sich Sorgen um seine Frau, die einen Schlaganfall erlitten hatte. Das Drehbuch wurde schließlich in Freemans Buch veröffentlicht Die letzten Tage von Alfred Hitchcock (1999). [219]

Nachdem er 1962 eine CBE abgelehnt hatte, [220] wurde Hitchcock bei den New Year Honours 1980 zum Knight Commander of the Most Excellent Order of the British Empire (KBE) ernannt. [11] [221] Er war zu krank, um nach London zu reisen – er hatte einen Herzschrittmacher und bekam Kortison-Injektionen wegen seiner Arthritis – und so überreichte ihm der britische Generalkonsul am 3. Januar 1980 die Papiere in den Universal Studios. Auf die Frage eines Reporters nach der Zeremonie, warum die Queen so lange gebraucht habe, witzelte Hitchcock: "Ich nehme an, es war eine Frage der Unachtsamkeit." Cary Grant, Janet Leigh und andere nahmen danach an einem Mittagessen teil. [222] [223]

Sein letzter öffentlicher Auftritt war am 16. März 1980, als er den Preisträger des nächsten Jahres des American Film Institute vorstellte. [222] Er starb im folgenden Monat, am 29. April, in seinem Haus in Bel Air an Nierenversagen. [122] [224] Donald Spoto, einer von Hitchcocks Biografen, schrieb, Hitchcock habe es abgelehnt, einen Priester zu sehen, [225] aber laut Jesuitenpriester Mark Henninger feierten er und ein anderer Priester, Tom Sullivan, die Messe im Haus des Filmemachers. und Sullivan hörte sein Geständnis. [226] Hitchcock wurde von seiner Frau und seiner Tochter überlebt. Seine Beerdigung fand am 30. April in der katholischen Kirche Good Shepherd in Beverly Hills statt, wonach sein Leichnam eingeäschert wurde. Seine sterblichen Überreste wurden am 10. Mai 1980 über den Pazifischen Ozean verstreut. [227]

Stil und Themen Bearbeiten

Hitchcocks Filmproduktionskarriere entwickelte sich von kleinen Stummfilmen zu finanziell bedeutenden Tonfilmen. Hitchock bemerkte, dass er von den frühen Filmemachern George Méliès, D.W. Griffith und Alice Guy-Blaché. [228] Seine Stummfilme zwischen 1925 und 1929 waren in den Genres Crime und Suspense, umfassten aber auch Melodramen und Komödien. Während visuelles Geschichtenerzählen während der Stummfilmzeit relevant war, verließ sich Hitchcock auch nach der Ankunft des Tons im Kino immer noch auf Visuals. In Großbritannien verfeinerte er sein Handwerk, sodass der Regisseur, als er nach Hollywood zog, seinen Stil und seine Kameratechnik perfektioniert hatte. Hitchcock sagte später, seine britische Arbeit sei die "Sensation des Kinos", während die amerikanische Phase seine "Ideen befruchtete". [229] Der Gelehrte Robin Wood schreibt, dass die ersten beiden Filme des Regisseurs, Der Lustgarten und Der Bergadler, wurden vom deutschen Expressionismus beeinflusst. Danach entdeckte er das sowjetische Kino und die Montagetheorien von Sergej Eisenstein und Wsewolod Pudowkin. [67] 1926 Die Untermieter wurde sowohl von der deutschen als auch von der sowjetischen Ästhetik inspiriert, Stile, die den Rest seiner Karriere festigten. [230] Obwohl Hitchcocks Arbeit in den 1920er Jahren einigen Erfolg hatte, kritisierten mehrere britische Rezensenten Hitchcocks Filme als unoriginell und eingebildet. [231] Raymond Durgnat meinte, dass Hitchcocks Filme sorgfältig und intelligent konstruiert wurden, dachte aber, dass sie oberflächlich sein können und selten eine "kohärente Weltanschauung" präsentieren. [232]

Mit dem Titel "Master of Suspense" experimentierte der Regisseur mit Möglichkeiten, Spannungen in seiner Arbeit zu erzeugen. [231] Er sagte: „Meine spannende Arbeit entsteht dadurch, dass ich Albträume für das Publikum erschaffe abspielen mit Publikum. Ich bringe sie zum Keuchen und überrasche sie und schockiere sie. Wenn Sie einen Albtraum haben, ist es schrecklich lebendig, wenn Sie träumen, dass Sie zum elektrischen Stuhl geführt werden. Dann bist du beim Aufwachen so glücklich wie möglich, weil du erleichtert bist." [233] Während der Dreharbeiten zu Von Norden nach Nordwesten, erklärte Hitchcock seine Gründe für die Nachbildung des Sets von Mount Rushmore: „Das Publikum reagiert proportional darauf, wie realistisch man es macht.Einer der dramatischen Gründe für diese Art der Fotografie ist, dass sie so natürlich aussieht, dass sich das Publikum einmischt und vorerst glaubt, was da oben auf der Leinwand passiert." [233]

Hitchcocks Filme, von der Stumm- bis zur Tonära, enthielten eine Reihe wiederkehrender Themen, für die er berühmt ist. Seine Filme erkundeten das Publikum als Voyeur, insbesondere in Heckscheibe, Marnie und Psycho. Er verstand, dass Menschen voyeuristische Aktivitäten genießen und ließ das Publikum durch die Handlungen der Figur daran teilhaben. [234] Von seinen 53 Filmen drehten sich elf um Verwechslungsgeschichten, in denen ein unschuldiger Protagonist eines Verbrechens angeklagt und von der Polizei verfolgt wird. In den meisten Fällen ist es ein gewöhnlicher, alltäglicher Mensch, der sich in einer gefährlichen Situation befindet. [235] Hitchcock sagte zu Truffaut: "Das liegt daran, dass das Thema des unschuldigen Angeklagten meiner Meinung nach den Zuschauern ein größeres Gefühl der Gefahr vermittelt. Es ist einfacher für sie, sich mit ihm zu identifizieren als mit einem schuldigen Mann auf der Flucht." [235] Eines seiner ständigen Themen war der Kampf einer zwischen "Ordnung und Chaos" zerrissenen Persönlichkeit [236] bekannt als der Begriff "Doppel", was ein Vergleich oder Kontrast zwischen zwei Charakteren oder Objekten ist: das Doppel repräsentiert eine dunkle oder böse Seite. [151]

Laut Robin Wood hatte Hitchcock gemischte Gefühle gegenüber Homosexualität, obwohl er in seiner Karriere mit schwulen Schauspielern zusammengearbeitet hatte. [237] Donald Spoto schlägt vor, dass Hitchcocks sexuell repressive Kindheit zu seiner Erforschung der Abweichung beigetragen haben könnte. [237] Während der 1950er Jahre verbot der Motion Picture Production Code direkte Verweise auf Homosexualität, aber der Regisseur war bekannt für seine subtilen Verweise [238] und das Überschreiten der Grenzen der Zensoren. Außerdem, Hauch eines Zweifels hat ein doppeltes Inzestthema durch die Handlung, das implizit durch Bilder ausgedrückt wird. [239] Die Autorin Jane Sloan argumentiert, dass Hitchcock in seiner Arbeit sowohl von konventionellem als auch von unkonventionellem sexuellem Ausdruck angezogen wurde, [240] und das Thema der Ehe normalerweise in einer "düsteren und skeptischen" Weise präsentiert wurde. [241] Erst nach dem Tod seiner Mutter 1942 porträtierte Hitchcock mütterliche Gestalten als "berüchtigte Monstermütter". [131] Der Hintergrund der Spionage und Morde, die von Charakteren mit psychopathischen Tendenzen begangen wurden, waren ebenfalls gängige Themen. [242] In Hitchcocks Darstellung von Schurken und Mördern waren sie normalerweise charmant und freundlich und zwangen die Zuschauer, sich mit ihnen zu identifizieren. [243] Die strenge Kindheit und jesuitische Erziehung des Regisseurs mag zu seinem Misstrauen gegenüber autoritären Figuren wie Polizisten und Politikern geführt haben, ein Thema, das er erforscht hat. [151] Außerdem benutzte er den „MacGuffin“ – die Verwendung eines Objekts, einer Person oder eines Ereignisses, um die Handlung am Laufen zu halten, auch wenn dies für die Geschichte nicht wesentlich war. [244] Einige Beispiele sind der Mikrofilm in Von Norden nach Nordwesten und die $40.000 gestohlenes Geld in Psycho.

Hitchcock erscheint kurz in den meisten seiner eigenen Filme. Zum Beispiel kämpft er darum, einen Kontrabass in einen Zug zu bekommen (Fremde in einem Zug), Hunde aus einer Zoohandlung (Die Vögel), die Uhr eines Nachbarn reparieren (Heckscheibe), als Schatten (Familiengrundstück), sitzend an einem Tisch in einem Foto (Wähle M für Mord) und Busfahren (Von Norden nach Nordwesten, Einen Dieb fangen). [86]

Vertretung von Frauen Bearbeiten

Hitchcocks Darstellung von Frauen war Gegenstand vieler wissenschaftlicher Debatten. Bidisha schrieb in Der Wächter 2010: "Da ist der Vamp, der Landstreicher, der Schnatz, die Hexe, der Schleicher, der Doppelgänger und vor allem die Dämonenmama. Keine Sorge, am Ende werden sie alle bestraft." [245] In einem viel zitierten Essay aus dem Jahr 1975 führte Laura Mulvey die Idee des männlichen Blicks ein, die Sicht des Zuschauers in Hitchcocks Filmen sei die des heterosexuellen männlichen Protagonisten. [246] „Die weiblichen Charaktere in seinen Filmen spiegelten immer wieder die gleichen Qualitäten wider“, schrieb Roger Ebert 1996. „Sie waren blond. Sie waren eisig und distanziert. Sie waren in Kostümen gefangen, die Mode mit Fetischismus subtil kombinierten hypnotisierte die Männer, die oft körperliche oder psychische Behinderungen hatten. Früher oder später wurde jede Hitchcock-Frau gedemütigt." [247] [j]

Die Opfer in Die Untermieter sind alle blond. In Die 39 Schritte, Madeleine Carroll wird in Handschellen gelegt. Ingrid Bergman, bei der Hitchcock dreimal Regie führte (Gebannt, Berüchtigt, und Unter Steinbock), ist dunkelblond. In Heckscheibe, Lisa (Grace Kelly) riskiert ihr Leben, indem sie in Lars Thorwalds Wohnung einbricht. In Einen Dieb fangenFrancie (auch Kelly) bietet einem Mann an, den sie für einen Einbrecher hält. In Schwindel und Von Norden nach Nordwesten Kim Novak und Eva Marie Saint spielen die blonden Heldinnen. In Psycho, Janet Leighs Charakter stiehlt 40.000 Dollar und wird von Norman Bates, einem zurückgezogenen Psychopathen, ermordet. Tippi Hedren, eine Blondine, scheint im Mittelpunkt der Angriffe zu stehen Die Vögel. In Marnie, die Titelfigur, wiederum gespielt von Hedren, ist ein Dieb. In TopasDie französischen Schauspielerinnen Dany Robin als Staffords Frau und Claude Jade als Staffords Tochter sind blonde Heldinnen, die Geliebte wurde von der brünetten Karin Dor gespielt. Hitchcocks letzte blonde Heldin war Barbara Harris als gefälschte Hellseherin, die zur Amateurdetektivin wurde Familiengrundstück (1976), sein letzter Film. Im selben Film trägt die von Karen Black gespielte Diamantenschmugglerin in mehreren Szenen eine lange blonde Perücke.

Seine Filme zeigen oft Charaktere, die in ihrer Beziehung zu ihren Müttern kämpfen, wie Norman Bates in Psycho. In Von Norden nach Nordwesten, Roger Thornhill (Cary Grant) ist ein unschuldiger Mann, der von seiner Mutter verspottet wird, weil er darauf besteht, dass schattenhafte, mörderische Männer hinter ihm her sind. In Die Vögel, die Rod Taylor-Figur, ein unschuldiger Mann, wird von bösartigen Vögeln angegriffen und kämpft darum, sich von einer anhänglichen Mutter (Jessica Tandy) zu befreien. Der Mörder in Raserei hasst Frauen, vergöttert aber seine Mutter. Der Bösewicht Bruno in Fremde in einem Zug hasst seinen Vater, hat aber eine unglaublich enge Beziehung zu seiner Mutter (gespielt von Marion Lorne). Sebastian (Claude Rains) in Berüchtigt hat eine eindeutig widersprüchliche Beziehung zu seiner Mutter, die seiner neuen Braut Alicia Huberman (Ingrid Bergman) (zu Recht) misstrauisch gegenübersteht. [249]

Beziehung zu Schauspielern Bearbeiten

Hitchcock wurde dafür bekannt, dass er bemerkte, dass "Schauspieler wie Vieh behandelt werden sollten". [251] [k] Während der Dreharbeiten zu Herr & Frau Smith (1941) brachte Carole Lombard drei Kühe mit den Namensschildern von Lombard, Robert Montgomery und Gene Raymond, den Stars des Films, ans Set, um ihn zu überraschen. [251] In einer Folge von Die Dick Cavett-Show, ursprünglich am 8. Juni 1972 ausgestrahlt, erklärte Dick Cavett als Tatsache, dass Hitchcock einst Schauspieler Rinder genannt habe. Hitchcock antwortete, indem er sagte, er sei einmal beschuldigt worden, Schauspieler Rinder zu nennen. „Ich sagte, dass ich niemals so etwas gefühlloses, unhöfliches über Schauspieler sagen würde. Was ich wahrscheinlich gesagt habe, war, dass alle Schauspieler wie Vieh behandelt werden sollten. Auf eine schöne Art natürlich.“ Dann beschrieb er mit einem Lächeln den Witz von Carole Lombard. [252]

Hitchcock glaubte, dass Schauspieler sich auf ihre Darbietungen konzentrieren und die Arbeit an Drehbuch und Charakter den Regisseuren und Drehbuchautoren überlassen sollten. Er sagte Bryan Forbes im Jahr 1967: „Ich erinnere mich, dass ich mit einem Methodenschauspieler darüber gesprochen habe, wie er unterrichtet wurde und so weiter. Er sagte: ‚Wir werden mit Improvisation unterrichtet wir wollen.' Ich sagte 'Das ist keine Schauspielerei. Das ist Schreiben.' “ [125]

In Erinnerung an ihre Erfahrungen mit Rettungsboot für Charles Chandler, Autor von Es ist nur ein Film: Alfred Hitchcock Eine persönliche Biografie, Walter Slezak sagte, dass Hitchcock „mehr darüber wusste, wie man einem Schauspieler hilft, als jeder andere Regisseur, mit dem ich jemals zusammengearbeitet habe“, und Hume Cronyn wies die Idee zurück, dass Hitchcock sich nicht um seine Schauspieler kümmerte, als „völlig irreführend“ und beschrieb ausführlich den Prozess der Proben und filmen Rettungsboot. [253]

Kritiker stellten fest, dass Schauspieler, die mit ihm zusammenarbeiteten, trotz seines Rufs als Mann, der Schauspieler nicht mochte, oft brillante Leistungen lieferten. Er verwendete in vielen seiner Filme die gleichen Schauspieler, Cary Grant und James Stewart arbeiteten beide viermal mit Hitchcock, [254] und Ingrid Bergman und Grace Kelly dreimal. James Mason sagte, dass Hitchcock Schauspieler als "animierte Requisiten" betrachtete. [255] Für Hitchcock waren die Schauspieler Teil der Kulisse des Films. Er sagte zu François Truffaut: "Die wichtigste Voraussetzung für einen Schauspieler ist die Fähigkeit, nichts gut zu machen, was keineswegs so einfach ist, wie es sich anhört. Er sollte bereit sein, von Regisseur und Kamera eingesetzt und vollständig ins Bild integriert zu werden." . Er muss der Kamera erlauben, die richtige Betonung und die effektivsten dramatischen Höhepunkte zu bestimmen." [256]

Schreiben, Storyboards und Produktion Bearbeiten

Hitchcock plante seine Drehbücher detailliert mit seinen Autoren. In Schreiben mit Hitchcock (2001) bemerkte Steven DeRosa, dass Hitchcock sie bei jedem Entwurf beaufsichtigte und sie bat, die Geschichte visuell zu erzählen. [257] Hitchcock sagte 1969 zu Roger Ebert:

Wenn das Drehbuch fertig ist, würde ich den Film einfach nicht mehr machen. Der ganze Spaß ist vorbei. Ich habe einen stark visuellen Verstand. Ich visualisiere ein Bild bis zu den letzten Schnitten. Ich schreibe das alles bis ins kleinste Detail im Drehbuch auf und schaue mir das Drehbuch dann nicht an, während ich drehe. Ich kenne es auswendig, so wie ein Orchesterdirigent nicht auf die Partitur schauen muss. Es ist melancholisch, ein Bild zu schießen. Wenn das Drehbuch fertig ist, ist der Film perfekt. Aber beim Schießen verlieren Sie vielleicht 40 Prozent Ihrer ursprünglichen Vorstellung. [258]

Hitchcocks Filme wurden ausführlich bis ins kleinste Detail mit Storyboards versehen. Es wurde berichtet, dass er sich nie die Mühe gemacht hat, durch den Sucher zu blicken, da er es nicht brauchte, obwohl er auf Werbefotos so gezeigt wurde. Er nutzte dies auch als Ausrede, um seine Filme nie von seiner ursprünglichen Vision ändern zu müssen. Wenn ein Studio ihn aufforderte, einen Film zu ändern, behauptete er, dass er bereits auf eine einzige Weise gedreht wurde und dass es keine alternativen Einstellungen zu berücksichtigen gab. [259]

Diese Ansicht von Hitchcock als Regisseur, der sich mehr auf die Vorproduktion als auf die eigentliche Produktion verließ, wurde von Bill Krohn, dem amerikanischen Korrespondenten des französischen Filmmagazins, in Frage gestellt Cahiers du cinéma, in seinem Buch Hitchcock bei der Arbeit. Nach der Untersuchung von Drehbuchüberarbeitungen, Notizen an andere Produktionsmitarbeiter, die von oder an Hitchcock geschrieben wurden, und anderem Produktionsmaterial stellte Krohn fest, dass Hitchcocks Arbeit oft von der Schreibweise des Drehbuchs oder der ursprünglichen Vorstellung des Films abwich. [260] Er stellte fest, dass der Mythos der Storyboards in Bezug auf Hitchcock, der von Generationen von Kommentatoren seiner Filme oft wiedergewürgt wurde, zu einem großen Teil von Hitchcock selbst oder der Werbeabteilung der Studios verewigt wurde. Zum Beispiel die berühmte Sprühsequenz von Von Norden nach Nordwesten war überhaupt kein Storyboard. Nachdem die Szene gedreht wurde, bat die Werbeabteilung Hitchcock, Storyboards zu erstellen, um den Film zu bewerben, und Hitchcock stellte wiederum einen Künstler ein, um die Szenen im Detail abzugleichen. [261] [ Verifizierung erforderlich ]

Selbst wenn Storyboards erstellt wurden, unterschieden sich die gedrehten Szenen erheblich davon. Krohns Analyse der Produktion von Hitchcock-Klassikern wie Berüchtigt zeigt, dass Hitchcock flexibel genug war, die Konzeption eines Films während seiner Produktion zu ändern. Ein weiteres Beispiel, das Krohn anmerkt, ist das amerikanische Remake von Der Mann der zu viel wusste, deren Drehplan ohne fertiges Drehbuch begann und außerdem den Zeitplan überschritt, was, wie Krohn feststellt, in vielen von Hitchcocks Filmen keine Seltenheit war, einschließlich Fremde in einem Zug und Topas. Obwohl Hitchcock sich für alle seine Filme sehr gut vorbereitete, war er sich bewusst, dass der eigentliche Filmherstellungsprozess oft von den besten Plänen abwich und sich flexibel an die Veränderungen und Bedürfnisse der Produktion anpassen konnte, da seine Filme dies nicht waren frei von den üblichen Schwierigkeiten und üblichen Routinen, die bei vielen anderen Filmproduktionen verwendet werden. [261] [ Verifizierung erforderlich ]

Krohns Arbeit beleuchtet auch Hitchcocks Praxis, in der Regel in chronologischer Reihenfolge zu drehen, die viele Filme über das Budget und den Zeitplan hinaus schickte und, was noch wichtiger ist, sich von der Standardarbeitsweise Hollywoods in der Studiosystem-Ära unterschied. Ebenso wichtig ist Hitchcocks Tendenz, alternative Szeneneinstellungen zu drehen. Dies unterschied sich von der Berichterstattung darin, dass die Filme nicht unbedingt aus unterschiedlichen Blickwinkeln gedreht wurden, um dem Cutter die Möglichkeit zu geben, den Film nach seiner Wahl zu gestalten (oft unter der Ägide des Produzenten). [262] [ fehlgeschlagene Überprüfung ] Vielmehr repräsentierten sie Hitchcocks Tendenz, sich im Schnittraum Optionen zu geben, wo er seinen Redakteuren Ratschläge gab, nachdem er einen Rohschnitt des Werkes gesehen hatte.

Laut Krohn widerlegen diese und viele andere Informationen, die durch seine Recherchen in Hitchcocks persönlichen Papieren, Drehbuchrevisionen und dergleichen aufgedeckt wurden, die Vorstellung von Hitchcock als einem Regisseur, der immer die Kontrolle über seine Filme hatte, dessen Vision von seinen Filmen nicht der Fall war Veränderung während der Produktion, die Krohn feststellt, ist der zentrale und langjährige Mythos von Alfred Hitchcock geblieben. Seine Sorgfalt und Liebe zum Detail fanden auch seinen Weg in jedes Filmplakat seiner Filme. Hitchcock zog es vor, mit den besten Talenten seiner Zeit zusammenzuarbeiten – Filmplakatdesignern wie Bill Gold [263] und Saul Bass – die Poster produzierten, die seine Filme genau repräsentierten. [261]

Auszeichnungen und Ehrungen Bearbeiten

Hitchcock wurde am 8. Februar 1960 mit zwei Stars in den Hollywood Walk of Fame aufgenommen: einen für das Fernsehen und einen zweiten für seine Kinofilme. [264] Im Jahr 1978 beschrieb ihn John Russell Taylor als "die universellste Person der Welt" und "einen einfachen Engländer der Mittelklasse, der zufällig ein künstlerisches Genie war". [223] 2002 Filmemacher nannte ihn den einflussreichsten Regisseur aller Zeiten, [265] und einen 2007 Der tägliche Telegraph In einer Kritikerumfrage wurde er zum größten Regisseur Großbritanniens gekürt. David Gritten, der Filmkritiker der Zeitung, schrieb: „Hitchcock ist zweifellos der größte Filmemacher, der von diesen Inseln hervorgegangen ist (von seinen Charakteren und von uns) und die Emotionen des Publikums wie kein anderer einfangen." [266] 1992 wurde die Sicht & Ton Die Top-Ten-Umfrage der Kritiker belegte Hitchcock auf Platz 4 der Liste der „Top 10 Directors“ aller Zeiten. Im Jahr 2002 wurde Hitchcock 2. in der Top-Ten-Umfrage der Kritiker und 5. in der Top-Ten-Umfrage des Regisseurs in der Liste der größten Regisseure aller Zeiten von derselben Zeitschrift zusammengestellt. Hitchcock wurde in einer Umfrage des japanischen Filmmagazins zum "größten Regisseur des 20. Jahrhunderts" gewählt kinema Junpo.

Er gewann zwei Golden Globes, acht Laurel Awards und fünf Auszeichnungen für sein Lebenswerk, darunter den ersten BAFTA Academy Fellowship Award [268] und 1979 einen AFI Life Achievement Award. [11] Er wurde fünfmal für einen Oscar als bester Regisseur nominiert. Rebecca, nominiert für 11 Oscars, gewann den Oscar für den besten Film von 1940, ein weiterer Hitchcock-Film. Auslandskorrespondent, wurde in diesem Jahr ebenfalls nominiert. [269] Bis 2018 wurden acht seiner Filme von der US National Film Registry zur Erhaltung ausgewählt: Rebecca (1940 aufgenommen 2018), Hauch eines Zweifels (1943 aufgenommen 1991), Berüchtigt (1946 aufgenommen 2006), Heckscheibe (1954 aufgenommen 1997), Schwindel (1958 aufgenommen 1989), Von Norden nach Nordwesten (1959 aufgenommen 1995), Psycho (1960 aufgenommen 1992) und Die Vögel (1963 aufgenommen 2016). [9]

Im Jahr 2012 wurde Hitchcock vom Künstler Sir Peter Blake, dem Autor der Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club-Band Albumcover, um in einer neuen Version des Covers zusammen mit anderen britischen Kulturfiguren zu erscheinen, und er wurde in diesem Jahr in einer BBC Radio 4-Serie vorgestellt. Die neuen Elisabethaner, als jemand, "dessen Handlungen während der Regierungszeit von Elizabeth II. einen erheblichen Einfluss auf das Leben auf diesen Inseln und angesichts des Alters ihres Charakters hatten". [270] Im Juni 2013 neun restaurierte Fassungen von Hitchcocks frühen Stummfilmen, darunter Der Lustgarten (1925), wurden im Harvey Theatre der Brooklyn Academy of Music, bekannt als "The Hitchcock 9", gezeigt, die reisende Hommage wurde vom British Film Institute organisiert. [271]

Archiv Bearbeiten

Die Alfred Hitchcock Collection befindet sich im Academy Film Archive in Hollywood, Kalifornien. Es umfasst Heimvideos, 16-mm-Filme, die am Set von gedreht wurden Bestechung (1929) und Raserei (1972) und das früheste bekannte Farbmaterial von Hitchcock. Das Academy Film Archive hat viele seiner Heimfilme aufbewahrt. [272] Die Alfred Hitchcock Papers werden in der Margaret Herrick Library der Akademie aufbewahrt. [273] Die Sammlungen von David O. Selznick und Ernest Lehman, die im Harry Ransom Humanities Research Center in Austin, Texas, untergebracht sind, enthalten Material, das sich auf Hitchcocks Arbeit zur Herstellung von Der Fall Paradine, Rebecca, Gebannt, Von Norden nach Nordwesten und Familiengrundstück. [274]

Hitchcock-Darstellungen Bearbeiten

Filme bearbeiten

  • Sag es immer deiner Frau (kurz) (1923)
  • Der Lustgarten (1925)
  • Der Bergadler (1926) (verloren)
  • The Lodger: Eine Geschichte des Londoner Nebels (1927)
  • Der Ring (1927)
  • Bergab (1927)
  • Die Frau des Bauern (1928)
  • Leichte Tugend (1928)
  • Champagner (1928)
  • Der Manxman (1929)
  • Bestechung (1929)
  • Juno und der Paycock (1930)
  • Mord! (1930)
  • Elstree Calling (1930)
  • Das Hautspiel (1931)
  • Maria (1931)
  • Reich und seltsam (1931)
  • Nummer siebzehn (1932)
  • Walzer aus Wien (1934)
  • Der Mann der zu viel wusste (1934)
  • Die 39 Schritte (1935)
  • Geheimagent (1936)
  • Sabotage (1936)
  • Jung und unschuldig (1937)
  • Die Dame verschwindet (1938)
  • Jamaika Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Auslandskorrespondent (1940)
  • Herr & Frau Smith (1941)
  • Verdacht (1941)
  • Saboteur (1942)
  • Hauch eines Zweifels (1943)
  • Rettungsboot (1944)
  • Gebannt (1945)
  • Berüchtigt (1946)
  • Der Fall Paradine (1947)
  • Seil (1948)
  • Unter Steinbock (1949)
  • Lampenfieber (1950)
  • Fremde in einem Zug (1951)
  • Ich gebe zu (1953)
  • Wähle M für Mord (1954)
  • Heckscheibe (1954)
  • Einen Dieb fangen (1955)
  • Der Ärger mit Harry (1955)
  • Der Mann der zu viel wusste (1956)
  • Der falsche Mann (1956)
  • Schwindel (1958)
  • Von Norden nach Nordwesten (1959)
  • Psycho (1960)
  • Die Vögel (1963)
  • Marnie (1964)
  • Zerrissener Vorhang (1966)
  • Topas (1969)
  • Raserei (1972)
  • Familiengrundstück (1976)

Notizen Bearbeiten

  1. ^ Laut Gene Adair (2002) drehte Hitchcock 53 Spielfilme. [2] Laut Roger Ebert waren es 1980 54. [3]
  2. ^ Die für das National Film Registry ausgewählten Filme sind Rebecca (1940), Hauch eines Zweifels (1943), Berüchtigt (1946), Heckscheibe (1954), Schwindel (1958), Von Norden nach Nordwesten (1959), Psycho (1960), und Die Vögel (1963). [9]
  3. ^ Alfred Hitchcock (North American Newspaper Alliance, 16. Juli 1972): "Mein eigener Favorit ist Hauch eines Zweifels. Sie haben es nie gesehen? Ah. Es wurde von Thornton Wilder geschrieben. Es ist eine Charakterstudie, ein spannender Thriller. Das Schöne an dem Film war, dass er in der Stadt gedreht wurde." [10]
  4. ^ In seiner ersten Geschichte, "Gas" (Juni 1919), die in der ersten Ausgabe veröffentlicht wurde, wird eine junge Frau in Paris von einer Männermeute angegriffen, nur um festzustellen, dass sie auf dem Zahnarztstuhl halluziniert. [38] Es folgte "The Woman's Part" (September 1919), das einen Ehemann beschreibt, der seiner Frau, einem Schauspieler, auf der Bühne zusieht. [39] "Sordid" (Februar 1920) umgibt einen Versuch, ein Schwert von einem Antiquitätenhändler zu kaufen, mit einem anderen Twist-Ende. [40] "And There Was No Rainbow" (September 1920) findet Bob gefangen in flagranti mit der Frau eines Freundes. [41] In "Was ist wer?" (Dezember 1920) herrscht Verwirrung, wenn eine Gruppe von Schauspielern sich selbst ausgibt. [42] "The History of Pea Eating" (Dezember 1920) ist eine Satire über die Schwierigkeit, Erbsen zu essen. [43] Sein letztes Stück "Fedora" (März 1921) beschreibt eine unbekannte Frau: "Klein, einfach, bescheiden und geräuschlos, aber sie verlangt von allen Seiten tiefe Aufmerksamkeit". [44]
  5. ^ Im Jahr 2017 a Auszeit Ranking der Zeitschriftenumfrage Sabotage als 44. bester britischer Film aller Zeiten. [85]
  6. ^ Hitchcock sagte Bryan Forbes 1967: „Sie hatten den Film in meiner Abwesenheit durchgesehen und jede Szene herausgenommen, die auf die Möglichkeit hindeutete, dass Cary Grant ein Mörder war. Es gab also überhaupt keinen Film. Das war lächerlich Ich wollte am Ende einen Kompromiss eingehen. Die Frau wusste, dass sie von ihrem Mann ermordet werden würde, also schrieb sie ihrer Mutter einen Brief, in dem sie sagte, dass sie ihn sehr liebte. Sie will nicht mehr leben, sie sollte getötet werden, aber die Gesellschaft sollte geschützt werden. Sie bringt dieses tödliche Glas Milch hoch, trinkt es und sagt vorher: "Wirst du diesen Brief an Mutter schicken?" Dann trinkt sie die Milch und stirbt. Sie haben dann nur noch eine letzte Szene, in der ein fröhlicher Cary Grant zum Briefkasten geht und den Brief aufgibt. . [125]
  7. ^ Eine Umfrage des British Film Institute aus dem Jahr 2012 Schwindel als der größte Film aller Zeiten. [8]
  8. ^ Eine Dokumentation über Psycho s Duschszene, 78/52, wurde 2017 unter der Regie von Alexandre O. Philippe veröffentlicht. Der Titel bezieht sich auf die 78 Kameraeinstellungen und 52 Schnitte der Szene. [185]
  9. ^ Thomas McDonald (Die New York Times, 1. April 1962): "In dem Film spielen Rod Taylor, Suzanne Pleshette, Jessica Tandy und 'Tippi' Hedren. Hitchcock unterschrieb Miss Hedren, ein New Yorker Model, einen Vertrag, nachdem er sie in einem Fernsehwerbespot gesehen hatte. Er bestand darauf dass sie ihren Vornamen in einfache Anführungszeichen setzt, aber nicht erklären würde, warum." [196][197]
  10. ^ 1967 sagte Hitchcock zu Truffaut: "Ich denke, die interessantesten Frauen sind, sexuell gesehen, die Engländerinnen. und die Franzosen. Sex sollte nicht beworben werden. Eine Engländerin, die wie eine Lehrerin aussieht, wird gerne mit dir in ein Taxi steigen und zu deiner Überraschung wird sie wahrscheinlich einem Mann die Hose aufreißen das Element von Überraschung die Szenen werden bedeutungslos. Es gibt keine Möglichkeit entdecken Sex. [248]
  11. ^ Hitchcock erzählte Fallaci 1963: „Wenn sie [Schauspieler] keine Kühe sind, sind sie Kinder: Das habe ich auch oft gesagt. Und jeder weiß, dass es gute Kinder, böse Kinder und dumme Kinder gibt Schauspieler sind jedoch dumme Kinder. Sie streiten sich immer und geben sich viel Selbstvertrauen. Je weniger ich von ihnen sehe, desto glücklicher bin ich. Ich hatte viel weniger Probleme, bei fünfzehnhundert Krähen Regie zu führen als ein einzelner Schauspieler "Ich habe immer gesagt, dass Walt Disney die richtige Idee hat. Seine Schauspieler sind aus Papier, wenn er sie nicht mag, kann er sie zerreißen." [172]

Referenzen Bearbeiten

  1. ^"Alfred Hitchcock Collectors' Guide: The British Years in Print". Brenton-Film. 13. August 2019. Archiviert vom Original am 21. August 2019. Abgerufen am 22. Oktober 2019.
  2. ^Adair 2002, S. 9.
  3. ^
  4. Ebert, Roger (1. Mai 1980). „Der Meister der Spannung ist tot“. Chicago Sun-Times. Archiviert vom Original am 26. Dezember 2017. Abgerufen am 26. Dezember 2017.
  5. ^ einB
  6. "Erpressung (1929)". Britisches Filminstitut. Archiviert vom Original am 31. Dezember 2017. Abgerufen am 1. Januar 2018. siehe auch White & Buscombe 2003, p. 94 Allen &. Ishii-Gonzalès 2004, S. xv
  7. ^ einB
  8. „Die 13. Oscar-Verleihung, 1941“. Akademie für Filmkunst und Wissenschaften. Archiviert vom Original am 3. März 2012 . Abgerufen am 30. Dezember 2017 .
  9. ^Holz 2002, S. 62.
  10. ^
  11. "AFIs 100 besten amerikanischen Filme aller Zeiten". Amerikanisches Filminstitut. Archiviert vom Original am 19. Mai 2019. Abgerufen am 8. September 2018.
  12. ^ einBC
  13. Christie, Ian (September 2012). „Die 50 besten Filme aller Zeiten“. Sicht & Ton. Archiviert vom Original am 1. März 2017. Abgerufen am 29. Dezember 2017 . siehe auch
  14. "Top 100 der Kritiker". Britisches Filminstitut. 2012. Archiviert vom Original am 7. Februar 2016. Abgerufen am 29. Dezember 2017 .
  15. ^ einB
  16. „Vollständige National Film Registry Listing“. Kongressbibliothek. Archiviert vom Original am 31. Oktober 2016. Abgerufen am 21. Dezember 2018.

Für das Snyder-Interview: Snyder, Tom (1973). "Alfred Hitchcock-Interview", Morgen, NBC, 00:01:55 Archiviert am 3. Januar 2020 bei der Wayback Machine.


Auszeichnungen, Ritterschaft und Tod von Hitchcock

Obwohl Hitchcock fünfmal für die beste Regie nominiert wurde, gewann er nie den Oscar. Als er den Irving Thalberg Memorial Award bei den Oscars 1967 entgegennahm, sagte er einfach: „Danke“.

1979 verlieh das American Film Institute Hitchcock bei einer Zeremonie im Beverly Hilton Hotel seinen Life Achievement Award. Er scherzte, dass er bald sterben müsse.

1980 wurde Hitchcock von Königin Elizabeth II. zum Ritter geschlagen. Drei Monate später starb Sir Alfred Hitchcock im Alter von 80 Jahren in seinem Haus in Bel Air an Nierenversagen. Seine sterblichen Überreste wurden eingeäschert und über den Pazifischen Ozean verstreut.


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