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John Boulting

John Boulting


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John Boulting, der Sohn von Arthur Boulting und Rose Bennet, wurde am 21. November 1913 in Bray, Berkshire, geboren. Sein Zwillingsbruder war Roy Boulting.

Die Brüder Boulting gingen zur Reading School, wo sie sich mit Josh Francis und William Ball anfreundeten. Nach Angaben der Autoren von Wir können nicht auf beiden Seiten parken (2000): "Boulting scheint auf den ersten Blick ein Musterschüler gewesen zu sein - Kapitän der ersten fünfzehn der Schule im Rugby, Sekretär der Debating Society und Corporal im Officer Training Corps."

John Boulting war von der Kinoindustrie fasziniert und trat 1933 bei Ace Films ein, einem kleinen Filmverleih mit Sitz in der Wardour Street, London. Später beschrieb er diesen Abschnitt seines Lebens als einen des „Verkaufens schlechter Filme an widerstrebende Aussteller“. Zwei Jahre fand er Arbeit bei einem unabhängigen Filmproduzenten. Er war auch Sozialist und Mitglied der Labour Party, wo er seine Freundschaft mit Roy Poole, Josh Francis und William Ball fortsetzte.

Bei Ausbruch des spanischen Bürgerkriegs wurde beschlossen, ein spanisches Komitee für medizinische Hilfe zu bilden. In seiner Autobiographie, Alle meine Sünden in Erinnerung (1964), Peter Spencer, 2. Viscount Churchill, erklärte, was passiert war: "Eine Gruppe von uns - drei bekannte Mediziner, ein berühmter Wissenschaftler, mehrere Gewerkschafter und ein Kommunist - bildeten ein Komitee, um Geld für medizinische Versorgung an die spanischen Regierungstruppen." Boulting und sein Freund Roy Poole beschlossen, sich dieser Gruppe freiwillig anzuschließen, während Josh Francis und William Ball den Internationalen Brigaden beitraten.

Das First British Hospital wurde von Kenneth Sinclair Loutit in Grañén bei Huesca an der Front von Aragon gegründet. Boulting trat der Gruppe im Januar 1937 bei. Andere Ärzte, Krankenschwestern und Krankenwagenfahrer im Krankenhaus waren Reginald Saxton, Alex Tudor-Hart, Archie Cochrane, Penny Phelps, Rosaleen Ross, Aileen Palmer, Peter Spencer, Patience Darton, Annie Murray, Julian Bell , Roy Poole, Richard Rees, Nan Green, Lillian Urmston, Thora Silverthorne und Agnes Hodgson.

Boulting war an den Straftaten von Brunete und Belchite beteiligt. Sein Freund und Mitfahrer Roy Poole sagte dem Chronik lesen: „Natürlich ist es eine riesengroße Arbeit. Oft hat man nicht mehr als fünf Stunden in der Nacht. Wir haben bis zu 150 Fälle an einem Tag zu bewältigen wirklich schurkische Straßen - nicht schlecht in etwa drei Monaten. Bevor wir am Tatort ankamen, mussten die Verwundeten auf Maultieren aus den Bergen geschleppt werden."

Nach seiner Rückkehr nach England im November 1937 gründeten John und sein Bruder Roy Boulting Charter Films. Ihr erster Film war der Dokumentarfilm The Ripe Earth. Mit Roy als Regisseur und John produzierte das Unternehmen auch Thriller wie Die Wirtin (1938), Betrachten Sie Ihr Urteil (1938), Untersuchung (1939) und Rumpfkriminalität (1939).

1940 produzierte und schrieb John Boulding den Anti-Nazi-Film, Pastor Halle. Die Geschichte basiert auf dem Widerstand von Pastor Martin Niemöller, gespielt von Wilfred Lawson, der sich 1933 über die Entscheidung Adolf Hitlers beschwert hatte, Ludwig Müller zum Reichsbischof der Evangelischen Kirche des Landes zu ernennen. Mit Unterstützung des Theologieprofessors Karl Barth an der Universität Bonn gründete im Mai 1934 eine Gruppe rebellischer Pastoren die sogenannte Bekenntniskirche. Als die Nazi-Regierung diese Politik fortsetzte, gründete Niemöller mit Dietrich Bonhoffer den Pastorennotbund und veröffentlichte ein wichtiges Dokument gegen die Religionspolitik Hitlers. Daraufhin wurden beide Männer in Konzentrationslager gebracht. Niemöller ging nach Dachau und Bonhoffer wurde nach Buchenwald geschickt, wo er 1945 hingerichtet wurde.

Nachdem er diesen Film gedreht hatte, ging John als Flugmechaniker zur Royal Air Force und Roy als Soldat zum Royal Armored Corps. Später wurden die Zwillingsbrüder in ihre jeweiligen Dienstfilmeinheiten versetzt, wo sie Kriegsdokumentationen drehten. Sie erhielten Sonderurlaub, um zu Charter Films zurückzukehren und produzierten den Propagandafilm Die Morgenwache (1941) für das Ministerium für Information und den Spielfilm Donnerfelsen (1942). In den Rang eines Flight Lieutenant befördert, führte John Boulting bei dem abendfüllenden Dokumentarfilm Regie Gemeinsam reisen (1945).

Alan G. Burton argumentiert: "Das Kriegskino der Boultings war progressiv, moralistisch und stark antifaschistisch, mit ihren Filmen, die die demokratischen Ideale des Volkskriegs förderten und die diskreditierte Appeasement-Politik der 1930er Jahre ablehnten. Ihre Leistungen wurden weithin anerkannt." und sie identifizierten sich mit der Renaissance des britischen Kinos, das im Umgang mit der nationalen Krise eine neue Reife und Ehrlichkeit erlangt hatte."

Nach dem Krieg inszenierte John Boulting das hochgelobte Brighton Rock (1947), ein Film nach dem Roman von Graham Greene. Er produzierte dann Ruhm ist der Sporn (1947), ein Film nach einem Roman von Howard Spring, der von einem linken Politiker handelt, der seine sozialistischen Überzeugungen verrät. Es folgte die Produktion Das Meerschweinchen (1948) und Regie Sieben Tage bis Mittag (1950), ein Film über die Möglichkeit eines Atomkrieges.

Boulting änderte dann die Richtung und drehte eine Reihe von satirischen Komödien wie Privater Fortschritt (1956), Glücklicher Jim (1957), Schwäger (1957), Carlton-Browne vom F.O. (1959), Mir geht es gut, Jack (1959), Himmel oben! (1963), Der Familienweg (1966) und Da ist ein Mädchen in meiner Suppe (1970). Diese Filme halfen, Ian Carmichael, Richard Attenborough, Terry-Thomas und Peter Sellers zu Stars zu machen.

John Boulting starb am 17. Juni 1985 in Sunningdale, Berkshire.

Gegenwärtig gibt es drei Reading-Leute in Spanien, die mit Krankenwagen in Madrid helfen (Thora Silverthorne, Reginald Saxton und Roy Poole), und wenn dies veröffentlicht wird, wird ihnen wahrscheinlich ein weiterer ihrer Stadtbewohner (John Boulting ).

Er ist Archibald Frank Francis, ein 24-jähriger Versicherungsinspektor, der vor einer Woche plötzlich seinen Job aufgegeben hat, um der spanischen Regierung bei der Verteidigung Madrids zu helfen. Er tat diesen Schritt nach drei Wochen sorgfältiger Überlegung, in denen nur wenige Freunde von seinen Absichten wussten.

Er kam zu seiner Entscheidung, nachdem er in verschiedenen Zeitungen Aufrufe gelesen hatte, Lebensmittel und Kleidung an notleidende Zivilisten in Madrid zu schicken... und als er das letzte Mal davon hörte, war er auf halbem Weg über den Kontinent, um sich der Internationalen Brigade anzuschließen.

Wir haben eine sehr nette Gruppe englischer Chauffeure dabei. Ich sollte sagen Englisch sprechend gibt es auch Amerikaner und es gab einen Kanadier. Einer von ihnen, John Boulting, der früher lange Haare hatte, sagt, er sei mit Bill Ball zum Tee gekommen, bevor er nach Spanien aufbrach. In den letzten beiden Gefechten haben unsere Chauffeure, die mit ihren Krankenwagen bis an die Front müssen, schwere Verluste erlitten - 4 Tote, 2 Vermisste, ich verwundet, ich schwer krank.


Die Welt der Dozenten

Der Autor: Kingsley Amis (1922-1995) wurde inspiriert, an seinem ersten Roman zu arbeiten, nachdem er 1946 seinen Freund Philip Larkin an der Leicester University besucht hatte - die Welt der Dozenten war "eine ganze Existenzweise, zu der niemand gekommen war", kommentierte er später . 1951, nachdem er sich eine Stelle am University College in Swansea gesichert hatte, hatte er einen ersten Entwurf fertiggestellt, der jedoch von einer Reihe von Verlegern abgelehnt wurde. Eine überarbeitete Version wurde von Gollancz akzeptiert und schließlich im Januar 1954 veröffentlicht. Der Erfolg stellte sich sofort ein und machte Amis an zwei Fronten zu literarischer Berühmtheit - in Klammern mit Iris Murdoch, John Wain, Thom Gunn und Larkin als Teil der "Bewegung" und als "wütender junger Mann" zusammen mit John Osborne und Colin Wilson. Er veröffentlichte noch viele weitere (er gewann schließlich 1986 den Booker-Preis für The Old Devils).

Die Geschichte: Die Figur von Jim Dixon ist ein Vehikel für Amis' Angriff auf ein breites Spektrum von Zielen des Establishments, von verknöcherter akademischer Welt bis hin zu BBC-kultureller Elite. Dixon versucht gleichzeitig, seinen Job als Dozent für mittelalterliche Geschichte zu behalten, den Annäherungsversuchen einer passiv-aggressiven Kollegin zu entgehen und eine attraktive Bekanntschaft, Christine Callaghan, romantisch zu verfolgen. Als Figur steht Dixon beispielhaft für die Sorgen einer frustrierten Generation - finanziell, intellektuell und vor allem sexuell -, die sich schließlich in die Gegenkultur der 1960er Jahre verwandeln würde.

Der Filmemacher: Der ursprüngliche Regisseur von Lucky Jim war Charles Crichton (The Lavender Hill Mob A Fish Called Wanda), der zwei Wochen lang gedreht hatte, bevor er von John und Roy Boulting, den zweifelhaften Produzenten-Direktoren im Vorstand von British Lion, gezwungen wurde. das Produktionsstudio des Films. John Boulting (1913-85) übernahm die Regie, sein Zwillingsbruder Roy als Produzent. Die Boultings hatten sich mit einer Reihe aktueller, knallharter thematischer Filme und Thriller einen Namen gemacht, darunter Brighton Rock (1947) in den 1950er Jahren, wandten sich jedoch sanfteren Satiren über das britische institutionelle Leben zu. Privates Progress (1956) war das erste, und die Boultings erbten ihren Star, Ian Carmichael, als sie Lucky Jim übernahmen.

Vergleich zwischen Buch und Film: Trotz seines Kassenerfolgs erregte der Film erhebliche Unzufriedenheit. "Die Boultings begnügen sich auf ihre übliche Weise mit Karikatur und Farce. Jedes Gefühl für Ort und Zeit geht verloren", schrieb der Kritiker Peter Stead. Amis Fähigkeit, scheinbar trivialen Begegnungen qualvolle Demütigung abzuringen, geht sicherlich verloren, da ein Großteil des Films als lauter, grober Beinahe-Slapstick gespielt wird. Carmichaels sonnige Genialität steht im Widerspruch zum brodelnden Groll des Originals Dixon, und die unerfahrene Sharon Acker, deren Christine eine prickelnde Tee-und-Keks-Figur ist, ist weit von der warmherzigen Christine des Romans entfernt. Dem Film hilft nicht der (absichtlich) flache Dialog von Amis, der dem anarchischen Innenleben von Dixon gegenübergestellt werden soll.

Inspirationen und Einflüsse: Lucky Jims Popularität wies den Weg für die Boultings: John Boultings nächster Regisseur war die gewerkschaftsfeindliche Satire I'm All Right Jack mit Peter Sellers in der Hauptrolle, der zugeschrieben wird, dass sie zum Sieg von Harold Macmillan bei den Parlamentswahlen 1959 beigetragen hat. Durch Sellers kann eine direkte Einflusslinie von den Boultings bis zu den Gegenkultursatiren verfolgt werden, die Sellers in den frühen 1960er Jahren für Stanley Kubrick gemacht hat: Lolita und Dr. Strangelove.


Die Boulting-Brüder: heilige Narren

D ie Geschichte der Gebrüder Boulting ist die Geschichte des britischen Kinos im Kleinformat. Die Brillanz, der Komfort und die Enttäuschungen sind alle da. In den 1940er Jahren heben sie vom dokumentarischen Realismus ab, um die Höhen der Noir-Extravaganz zu erreichen, bevor sie in eine sanft reizlose Würdigkeit zurückfallen. Anfang der 1950er Jahre produzieren sie zwei faszinierende Kuriositäten, die für die Kuriosität der Zeit charakteristisch sind. Später in diesem Jahrzehnt wenden sie sich einer gemütlichen satirischen Farce zu, die das Produkt eines aufgebrachten Mürrers ist. In den 1960er Jahren versuchen sie, damit durchzukommen und bemühen sich im mittleren Alter, "swing" zu machen, aber auch ein Werk zu schaffen, das im gewöhnlichen Leben eine verletzliche, außergewöhnliche Schönheit findet. Und danach kommt es zu einem Abklingen, ihre Karrieren teilen sich den vorübergehenden Tod der nationalen Filmindustrie.

Roy und John wurden vor 100 Jahren geboren und waren Zwillinge, die so etwas wie ein gemeinsamer Autorenfilm wurden – sie produzierten, führten Regie, schrieben gemeinsam ihre Filme und bekleideten Positionen als Co-Regisseure von British Lion Films. Für jeden Film könnte es ein Gesellschaftsspiel für Kritiker sein, zu versuchen, die Arbeit eines Zwillings von einem anderen zu unterscheiden. Es gibt Hinweise darauf, dass John das stärkere Regietalent war, aber am deutlichsten zeigte sich ein Zwilling, als der hochverheiratete Roy die junge Hayley Mills heiratete (zwischen ihnen lagen 33 Jahre).

Im Krieg leisteten sie als Filmemacher ihren Beitrag: Roy bei der Armee und John bei der RAF. Obwohl es gegen Humphrey Jennings antrat Das stille Dorf, Roys Propagandaklassiker, Wüstensieg (1943), ein Dokumentarfilm über die Schlacht von El Alamein, hat wohl seinen Oscar verdient. Der dokumentarische Impuls erwies sich auch als zentral für ihr erstes Meisterwerk Brighton Rock (1947), ein Film, der so gut wie der beste Film Noir der 40er Jahre ist.

Jahrelanges Nachdenken über Richard Attenboroughs taufrische Wohltätigkeit macht es schwer, sich daran zu erinnern, dass er als Schauspieler immer in Bestform war, indem er das zwielichtige Böse spielte. In 10 Rillington-Platz, er ist satanisch in einer Strickjacke, und er ist bewundernswert gruselig in Brighton Rock. Seine großen Augen, die sowohl Unschuld als auch Kälte suggerierten, waren perfekt für den Film, ebenso wie die Kombination aus kleiner Jungenbleichheit, scharfem Anzug, rasiermesserscharfer Narbe und Brylcreemed-Wappen. Der Film selbst packt Spicers Tod in der Herberge visuell mit der Wirkung seiner schmutzigen Gewalt.

Es ist erstaunlich zu erkennen, dass ihr nächster Film der süßlich langweilige war Das Meerschweinchen (1948) – es ist eine liebenswürdige britische Kost, aber verglichen mit Brighton Rock, es sieht schrecklich fußläufig aus. Man könnte den Film als den ersten, verfrühten Vorstoß der Boulting-Brüder in das Feld der Sozialsatire bezeichnen, doch hier spielt der Arbeiterjunge, der in ein Top-Internat eingewiesen wird, ihren essentiellen Konservatismus aus. Sein amerikanischer Titel, Der Aussenseiter, schlägt all die Dinge vor, die es nicht ist. Der junge Held (von Attenborough unglaubwürdig genug gespielt) mag "Arsch" sagen und zwei Finger an die Statue des Schulgründers strecken, aber der Film selbst ist immer noch in das England der Privilegien verliebt - die efeubedeckten Mauern, die Klöster, die gezimmerter Schulsaal. Was den gesellschaftlichen Wandel angeht, kann man sich nur vorstellen, dass das Privileg auf einige wenige Auserwählte ausgedehnt werden sollte, auf die Klugen, die Clubfähigen, die Guten im Spiel.

Sieben Tage bis Mittag (1950). Foto: British Film Institute

Um die Wende des Jahrzehnts drehten die Brüder zwei ihrer seltsamsten und stärksten Filme. In Sieben Tage bis Mittag (1950) geht ein alternder Wissenschaftler mit einer Atombombe durch und droht sie in sieben Tagen in London zu explodieren, es sei denn, die britische Regierung stimmt einer sofortigen einseitigen Abrüstung zu. Es ist teils Thriller, teils Ealing-Komödie und teils dystopische Science-Fiction. Dieses letzte Element erinnert uns daran, dass die Vergangenheit bereits Elemente der erschreckenden Zukunft enthält. Die Nuklearkrise erinnert alle an den Krieg – auch wenn sie der endgültigen Zerstörung entgegensehen, gibt es das seltsame Glück, wieder so etwas wie einen Zweck zu haben, der zur Solidarität ermutigt. Der Film macht viel aus der seltsamen Inkongruenz der schäbigen Sparpolitik Englands, die mit der Bombe in Kontakt kommt, lebende Relikte des viktorianischen Zeitalters, die der Welt von Hiroshima gegenüberstehen.

Die große Stärke von Sieben Tage bis Mittag ist das Vergnügen des Zufälligen, der Orte, die es im Vorbeigehen erblickt: die Kneipen, die Pensionen, das verblasste Schlafzimmer der Schauspielerin, das mit Fotos aus ihrer Jugend auf der Bühne geschmückt ist. Es gibt all das Chaos und die Fülle des Londoner Lebens, von einer jungen Frau im Cross-Dressing, die leise in einem Pub trinkt, bis hin zu dem Soldaten, der innehält, um einer Frau das Höschen zu stehlen. In Momenten wie diesen beschwört der Film eine glorreich nähe Stadt herauf, während er uns einlädt, sich ihre Auslöschung vorzustellen.

Im nationalen Mythos werden die Kriegsjahre und ihre Nachwirkungen als unsere glorreichste Zeit und als eine der Epochen bezeichnet, in denen britische Filme am besten waren. Filmisch gesehen haben die 1940er und frühen 1950er Jahre jedoch einige unserer neurotischsten, eindringlichsten und selbstgeteiltsten Protagonisten hervorgebracht. Kein Film veranschaulicht dies eindrucksvoller als Die Zauberkiste (1951). Es wurde für das Festival of Britain angefertigt, um den britischen Einfallsreichtum in Form eines Biopics von William Friese-Greene, einem der Erfinder der Filmkamera, zu feiern. Dennoch kann man sich kaum eine zweideutigere Darstellung des britischen technischen Triumphs vorstellen. Der Film erschien zu spät und floppte. Und Friese-Greene selbst (gespielt von einem verletzlichen und müden Robert Donat) wirkt wie eine Art Monster, ein monomanischer Besessener, bankrott, dunkel und anderen gegenüber gleichgültig. Sein Erfolg erweist sich als eine Art Misserfolg, denn der Kredit für seine Erfindung und das Geld gehen woanders hin. Auf den ersten Blick wirkt der Film würdig und etwas leblos. Doch während er fortschreitet und mehrschichtig wird, erscheint er wie ein merkwürdiges Meisterwerk, ein seltsamer, reflektierender Film über den Film und die Beziehung des Films selbst zum Erinnern.

Glücklicher Jim (1957). Foto: British Film Institute

In der populären Vorstellung wird jedoch für keinen dieser Filme an die Boulting-Brüder erinnert. Stattdessen sind sie für immer mit einer Reihe von selbstgefällig-satirischen Farcen verbunden, Privater Fortschritt (1956), Schwäger und Glücklicher Jim (beide 1957), Ich bin in Ordnung, Jack (das Beste vom Haufen) und Carlton-Browne vom FO (beide 1959), und Der Himmel ist oben! (1963). Sie sehen sich diese Filme nicht aus Liebe zum Film an, sondern aus dem Wunsch heraus, das damalige Großbritannien zu verstehen. Es waren Ensemblefilme, und was für ein wirklich exzellentes Ensemble es war – Peter Sellers, Terry-Thomas, Ian Carmichael, aber auch Dennis Price, Richard Attenborough, Irene Handl, Miles Malleson, William Hartnell.

Nach dem kolossalen, wahnsinnigen "Nein" schleuderte es die moderne Welt in Sieben Tage bis Mittag, bieten diese Filme den schwächsten Protest. In jedem Fall sträubt sich ein Dummkopf, vielleicht sogar ein Possenreißer, vor den Verderbtheiten und Kompromissen des Lebens. Das Ziel der Helden ist es, irgendwie dem Gefängnis der Klasse zu entkommen, während sie in Institutionen arbeiten, die Klassenunterschiede verkörpern. So kommt es, dass Stanley Windrush, gespielt von Carmichael, in die Offiziersklasse hineingeboren wird, sich jedoch als Gefreiter wiederfindet oder für das Management bestimmt ist, aber am Ende ein plumper Gabelstaplerfahrer wird. Carmichael war gut aufgestellt, um die unbeholfene Transzendenz der sozialen Hierarchien darzustellen, ein schwachkinniger Dummkopf, der, wenn er wollte, einen permanenten Hauch von Hull enthüllen konnte. Nur im Der Himmel ist oben! ist so etwas wie eine imaginierte alternative Gesellschaft – für die meisten ihrer "Satiren" gibt es nur den Wunsch, dass die Dinge wieder so werden, wie sie waren, zu einigen edwardianischen einst. Es ist die Selbstgefälligkeit ihres Angriffs, die letztendlich am stärksten auf die Armee, die Anwaltschaft, die Handels- und Industriewelt, die Kirche, die Regierung selbst trifft, mag verrückt, inkompetent und korrupt sein – aber der Held ist, wenn auch kraftlos, moralisch fehlerfrei.

Obwohl ein radikaler Impuls bleibt. Für Carmichael's Windrush oder Sellers's Rev Smallbone in Der Himmel ist oben!, ist die Gesellschaft zu betrügerisch, um sie zu akzeptieren. Seine Werte machen keinen Sinn und müssen abgelehnt werden. Am Ende von Mir geht es gut, Jack, zieht sich der Held in eine idyllische FKK-Kolonie zurück (auch wenn sie voller gefräßiger älterer Frauen ist) in Der Himmel ist oben!, Rev Smallbone geht noch einen Schritt weiter, betritt eine Rakete und flieht in den Weltraum. Er ist im wahrsten Sinne des Wortes zu gut für diese Erde.In ihrer stärksten Form ist dies die authentische Note dieser Filme, eine Note der Ablehnung. Die am Ende des Jahres erreichten Unterkünfte Schwäger oder Glücklicher Jim werden als das entlarvt, was sie immer waren, ein unplausibler Ausverkauf.

Die Boulting-Brüder. Foto: British Film Institute

Doch diese extreme Note wird häufiger verfälscht. Der Boulting-Held ist ein rebellischer Konformist. Die Filme zeigen den Zusammenbruch eines Idealisten im Kontext eines zwielichtigen, seelenlosen und gierigen Großbritanniens. Die heutige Welt verwirrt diese Männer, sie sind Idioten, mehr oder weniger heilig. Man könnte sagen, dass das Hinterfragen solch unpraktischer Güte der Schlüssel zu einer Reihe von Filmen der Boultings ist. In einer Zeit, in der so viele Schriftsteller mit dem Bösen beschäftigt waren, Brighton Rock, scheint insbesondere John Boulting von den Zweideutigkeiten der Tugend fasziniert gewesen zu sein, sein typischer Held ein kraftloser Candide. Die problematischen Folgen des Versuchs, gut zu sein, sind sein großes Thema Die Zauberkiste, Mir geht es gut, Jack und Der Himmel ist oben! alle enthüllen das Element der Dummheit, des Versagens in der Weigerung, mit der Welt zu leben, wie sie ist. Sogar der verrückte Wissenschaftler in Sieben Tage bis Mittag ist verrückt nach einer Art von Gerechtigkeit. Integrität erschüttert alles.

Hätten die Boulting-Brüder hier aufgehört, wären sie immer noch im Mittelpunkt des nationalen Bewusstseins, ein Teil der Geschichte, die Großbritannien über sich selbst erzählt. Aber unter einer Reihe späterer Fehlzündungen hatten sie einen weiteren Film, der auf ganz andere Weise genauso großartig war wie Brighton Rock. Der Familienweg (1966) ist meiner Meinung nach der wärmste und lebensbejahendste Film, der in Großbritannien zwischen Ein Hauch von Honig und Kes. Basierend auf einem Theaterstück von Bill Naughton, dem Schöpfer von Alfie, bietet es eine gegensätzliche Sichtweise der Sexualmoral und -moral der 1960er Jahre. Woher Alfie ist alles cocksure Komplizenschaft, Der FamilienwegArthur Fitton (gespielt von Hywel Bennett) ist ein sensibler Träumer, der von der Nähe seiner Familie und Nachbarn zu bedrückt ist, um seine Ehe mit Jenny Piper (Hayley Mills) vollziehen zu können. Um die jungen Leute formt sich die augenzwinkernde, herablassende Verschwörung des Klatsches, eine Welt, die Lust ahnt und Schönheit anstarrt. Für einen Jugendlichen, der nach Büchern und Beethoven strebt, sieht es wie eine Falle aus – die hochherzige Romanze des Lebens, die durch einen gemeinschaftlichen Scherz über den Körper zu Boden gebracht wird, das Beharren auf unserem bierschluckenden, schnarchenden, schwitzenden Ich. Der Familienweg ist ein Film, der bereit ist, den Konflikt zwischen den Anforderungen unserer Natur und unserem Verlangen nach Höherem zu erforschen. Vor allem aber ist es eine zarte Komödie, die bereit ist, die Überlegenheit des Lachens über die Traurigkeit in Frage zu stellen, und die im Lachen anderer etwas Strafendes und Hartes findet. Am Ende, als sein jüngerer Sohn fragt, warum er weint, erklärt John Mills als Mr. Fitton: "Es ist das Leben, Sohn. Es mag dich in deinem Alter zum Lachen bringen, aber eines Tages wird es dich zum Weinen bringen." Es ist eine seltene Kunst, die diese Melancholie mit Mitgefühl, Widerstandsfähigkeit und Humor verbinden kann. Die Boulting-Brüder waren nicht immer so gut, aber nur wenige Filmemacher sind es.

Die Saison der Boulting Brothers läuft vom 3. bis 30. August im BFI Southbank.


Roy Boulting, 87 britischer Filmemacher, auch bekannt für Hayley Mills Romance

Roy Boulting, ein Filmemacher, der einige der bekanntesten Filme Großbritanniens drehte und später durch seine Romanze mit und anschließende Ehe mit der jungen Schauspielerin Hayley Mills bekannt wurde, ist gestorben. Er war 87.

Boulting sei am Montag in einem Krankenhaus in der Nähe seines Hauses im südenglischen Eynsham an Krebs gestorben, sagte der Freund der Familie, Peter Evans.

Der Filmemacher arbeitete abwechselnd als Regisseur und Produzent mit seinem eineiigen Zwilling John. Die Brüder galten als wichtige Kräfte in der britischen Filmindustrie der Nachkriegszeit.

Roy Boulting inszenierte so düstere Dramen wie „Brighton Rock“, einen Film von 1947, der die Schauspielkarriere von Richard Attenborough einleitete.

Er produzierte und schrieb auch "Seven Days to Noon", einen Film über einen drohenden Atomangriff auf London aus dem Jahr 1950, der einen Oscar für die beste Filmgeschichte erhielt.

In den 50er Jahren wechselte Boulting zu leichteren Kost und produzierte mit Attenborough die Komödie "Private's Progress" und die Gewerkschaftssatire "I'm All Right, Jack", die Peter Sellers 1959 zu Ruhm verhalf. Später führte Boulting bei einem anderen Sellers . Regie Projekt "There's a Girl in My Soup", eine Komödie aus dem Jahr 1970, in der auch Goldie Hawn mitspielte.

Aber es war Boultings Mai-Dezember-Romanze in den 1960er Jahren mit Mills, dem jungen Star von Disney-Filmen wie "Pollyanna" und "The Parent Trap", die weltweit Schlagzeilen machte.

Sie trafen sich und verliebten sich am Set von "The Family Way", einem Film von 1966, den Boulting schrieb und inszenierte und der vielleicht am besten als der Film bekannt ist, in dem Mills ihr kleines Mädchenbild ablegte, indem sie eine Nacktszene drehte.

Boulting war 53 Jahre alt und noch mit seiner dritten Frau verheiratet, Enid Mills war 20 Jahre alt.

„Ich war mir des großen Altersunterschieds zwischen uns sehr bewusst, weshalb ich sie nicht heiraten wollte, obwohl sie heiraten wollte“, sagte er 1998 der Daily Mail of London Ich war zu alt für sie. . . Also lebten wir zusammen, aber als sie fünf Jahre später zu mir sagte: ‚Roy, ich möchte ein Baby‘, wurde mir klar, wie ernst es ihr war, und wir heirateten.“

1971 heirateten sie ihren Sohn Crispian Mills, der später Sänger der Popgruppe Kula Shaker wurde.

Obwohl sie sich 1977 scheiden ließen, sagte Boulting der Daily Mail, dass er Mills immer als „die große Liebe meines Lebens“ betrachtete.

Geboren in Bray, England, verliebte sich Boulting im Alter von 7 Jahren in die Filme, dank eines Kindermädchens, das ihn und seinen Bruder viermal die Woche ins Kino brachte.

Nach dem Besuch der McGill University in Montreal, Kanada, kehrte Boulting nach England zurück, wo er im Filmvertrieb arbeitete, bevor er Regieassistent wurde.

1937 gründeten er und sein Bruder Charter Films, eine unabhängige Produktionsfirma, die sie später in Boulting Brothers Productions umbenannten.

Roy führte bei ihren ersten beiden Filmen Regie – 30-minütige Kurzfilme – und sie wechselten schnell zu Spielfilmen. 1940 machten sie mit „Pastor Hall“ auf sich aufmerksam, einem Film, der auf der Geschichte eines von den Nazis getöteten deutschen Geistlichen basiert.

Während des Zweiten Weltkriegs stieg Boulting zum Hauptmann des Royal Armored Corps auf. Er arbeitete auch an mehreren Kampffilmen, die von Filmeinheiten der Armee und der Royal Air Force gedreht wurden: "Desert Victory", "Burma Victory" und der Oscar-prämierte "Tunesian Victory" (eine Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Regisseur Frank Capra).

Während ihrer gesamten Karriere waren die Boultings Meister des unabhängigen Filmemachens, und von 1958 bis 1972 waren sie Direktoren von British Lion Films, die Filme unabhängiger britischer Produzenten finanzierten und vertrieben und die Shepperton Studios kontrollierten.

Roy und John Boulting drehten 1979 ihren letzten gemeinsamen Film, den erfolglosen „The Number“, den Roy produzierte und John Regie führte.

1985, im Todesjahr seines Bruders, soll Roy Boulting seine Leidenschaft für das Filmemachen verloren haben und sich zurückgezogen haben, um seine Memoiren zu schreiben.

In seinen späteren Jahren zwangen ihn finanzielle Umstände, in einer heruntergekommenen Sozialwohnung mit einem Schlafzimmer in einem Dorf in Oxfordshire zu leben, wo er und sein Sohn Crispian 1997 eine 20-jährige Entfremdung beendeten.


New Yorker Verband für Arbeitsgeschichte

Ich bin ein großer Fan von „Best of“-Listen, daher war es nur eine Frage der Zeit, bis ich eine Liste der besten Filme zum Thema Gewerkschaften und Arbeitsplatz zusammengestellt habe. Ich durchforstete das Internet nach Listen mit Filmen über Gewerkschaften oder Arbeitnehmer und stellte sicher, dass ich meine persönlichen Favoriten enthielt. Hier in chronologischer Reihenfolge die Ergebnisse:

Wie grün war mein Tal (USA, 1941)
John Fords epische Geschichte einer Familie walisischer Bergarbeiter (mit Walter Pidgeon und Maureen O’Hara als Eltern) enthält im Kern eine Debatte über die Gewerkschaftsbildung. Während Ford den Fokus auf die Familiendynamik und das Thema Arbeitssicherheit legt, verwebt er während des gesamten Films die verschiedenen gewerkschaftsfreundlichen und gewerkschaftsfeindlichen Argumente und überlässt dem örtlichen Minister das letzte Wort: „Zuerst haben Sie Ihre Gewerkschaft. Du brauchst es. Alleine bist du schwach. Gemeinsam seid ihr stark.“

Salz der Erde (USA, 1954)
Regie Herbert Bibermann, Salz der Erde ist in der Filmgeschichte berühmt, weil fast jeder, der an der Produktion des Films beteiligt war, von Hollywood als Teil des Roten Schreckens der 1950er Jahre auf die schwarze Liste gesetzt wurde, auch bekannt als McCarthy-Ära für Senator Joseph McCarthy aus Wisconsin. Der Film erzählt die Geschichte eines Streiks 1951 in New Mexico gegen ein Zinkbergbauunternehmen. Die Geschichte ist für die damalige Zeit insofern ungewöhnlich, als die meisten Arbeiter mexikanische Einwanderer sind, außerdem ist ein wichtiger Aspekt der Geschichte der Kampf zwischen den männlichen Arbeitern und ihren Frauen. Die streikenden männlichen Arbeiter wollen, dass ihre Frauen zu Hause bleiben, kochen und sich um die Kinder kümmern. Die Frauen wollen den Männern helfen, den Streik zu gewinnen. Ratet mal, wer dieses Argument gewinnt? Als der Minenbesitzer eine einstweilige Verfügung gegen die streikenden Arbeiter erwirkt, treten die Frauen auf und halten die Streikposten aufrecht.

An der Uferpromenade (USA, 1954)
Für viele Menschen in einem bestimmten Alter war Elia Kazans Film über den Konflikt auf den Docks zwischen einem brutalen Gewerkschaftsführer (Johnny Friendly, gespielt von Lee J. Cobb) und einem desillusionierten Hafenarbeiter (Marlon Brando) die erste Einführung in die Idee einer Gewerkschaft und es war kein positives Bild. Kazan, der gerade vor dem Un-American Activities Committee ausgesagt hatte, wo er Namen möglicher Kommunisten nannte, versuchte eindeutig, den Heldenmut zu betonen, für das, was man glaubt, gegen überwältigende Widrigkeiten einzustehen. Aber Gewerkschaftsarbeiter wissen, dass die Macht eines Johnny Friendly im Vergleich zur Macht der Leute, die die Unternehmen leiten, die die Arbeiter letztendlich bezahlen, verblasst. Vielleicht hätte es geholfen zu wissen, dass Johnny Friendly auf einem tatsächlichen ILA-Führer basiert, der von der American Federation of Labor für seine gewalttätigen Taktiken streng diszipliniert wurde.

Das Pyjama-Spiel (USA, 1957)
Auf den ersten Blick, Das Pyjama-Spiel ist nur ein weiteres Hollywood-Musical, das in diesem Fall auf dem gleichnamigen Stück basiert und das Lied „Steam Heat“ enthält. Aber bei näherer Betrachtung Das Pyjama-Spiel entpuppt sich als Geschichte über einen Kampf zwischen ArbeiterInnen und Management. Doris Day spielt die Gewerkschaftssekretärin in einer Pyjamafabrik, die auf eine Gehaltserhöhung drängt. John Raitt ist ein Superintendent. Diese Vertreter von Arbeitnehmern und Management beginnen eine Liebesaffäre, aber ihre Arbeitsrollen treiben sie auseinander, und nachdem Day während eines Staus einige Maschinen beschädigt hat, feuert Superintendent Raitt sie. Aber dann entdeckt Raitt (durch die Magie des Films) schändliche Machenschaften im Management und schafft es, Doris zurückzubringen (zur Arbeit und zu ihm), allen die Gehaltserhöhung zu verschaffen und alle leben glücklich danach. Okay, ist es nicht Schindlers Liste, aber es gibt eine Botschaft unter dem Singen und Tanzen. Co-Regie von George Abbott (ebenfalls Co-Autor) und Stanley Donen.

Mir geht es gut, Jack (Großbritannien, 1959)
John Boulting inszenierte diesen satirischen britischen Film über die Verschwörung eines finsteren Firmeninhabers, den Preis seines Produkts in die Höhe zu treiben, indem er die Arbeiter zum Streik aufforderte und dann das Geschäft an eine Konkurrenzfirma übertragen ließ, die er auch heimlich besitzt. Das Ganze wird für breites Lachen gespielt, die meisten von Peter Sellers als Gewerkschaftschef mit bolschewistischen Sympathien und Hitler-Schnurrbart. Ein zynischer Blick auf Gewerkschaftsführer und Management, am Ende ist klar, wer die wirkliche Macht hat.

Die Molly Maguires (USA, 1970)
Martin Ritt inszenierte in den 1870er Jahren diese Geschichte von Kohlebergleuten im Nordosten von Pennsylvania, die auf einer wahren Begebenheit basiert. Die Molly Maguires, angeführt von Jack Kehoe (Sean Connery), ist eine Art Proto-Gewerkschaft, die mit den Minenbesitzern im Kampf um bessere Löhne und Arbeitsbedingungen kämpft. Die Unterschiede zwischen den Molly Maguires und einer echten Gewerkschaft sind signifikant: Connerys Gruppe ist eine geheime Organisation, und sie fühlen sich damit wohl, Gewalt anzuwenden, um ihre Ziele zu erreichen. Ein Pinkerton-Detektiv (Richard Harris) infiltriert die Gruppe und versucht, ihre Geheimnisse zu lüften, mit tragischen Folgen. Ritt würde 1979 das Thema Gewerkschaft erneut aufgreifen mit Norma Rae.

Harlan County, USA (USA, 1976)
Regisseurin Barbara Kopple gewann einen Oscar für den besten Dokumentarfilm für ihre Vor-Ort-Berichterstattung über einen Bergarbeiterstreik in Kentucky 1972 in Harlan County, USA. Konfrontationen zwischen streikenden Arbeitern und angeheuerten Streikbrechern wurden schnell gewalttätig, und sogar Kopple und ihr Kameramann wurden geschlagen. Der Film erinnert daran, dass solche Managementtaktiken auch in den 1970er Jahren alltäglich waren und der Traum von einem Arbeitsplatz, an dem Management und Arbeiter in perfekter Harmonie zusammenlebten, noch in weiter Ferne lag.

FAUST. (USA, 1978) / Hoffa (USA, 1992)
Hoffa ist ein gut gemachtes, aber ambivalentes Biopic des Teamsters-Anführers mit einer perfekten Leistung von Jack Nicholson unter der Regie von Co-Star Danny DeVito. Wir erfahren das Gute, das Schlechte und das Hässliche des umstrittenen Gewerkschaftsführers, sowohl seinen unermüdlichen Einsatz für die von ihm vertretenen Arbeiter als auch einige der schlechten Entscheidungen, die er während seiner Amtszeit getroffen hat. 14 Jahre früher gemacht, FAUST., inszeniert von Norman Jewison und mit Sylvester Stallone in der Hauptrolle, nimmt die Grundzüge von Hoffas Biografie und fiktionalisiert sie. Das Ergebnis ist kein großartiges Filmemachen und Stallone beweist, dass er am Boxring bleiben sollte. Kein Film hat eine Antwort auf die Frage: Wo ist Jimmy Hoffas Leiche?

Blaues Halsband (USA, 1978)
Paul Schrader, der Mann, der geschrieben hat TaxifahrerEr schrieb und führte Regie bei diesem Krimi, der sich direkt in das Lager „Gewerkschaften sind korrupt“ einordnet. Richard Pryor, Yaphet Kotto und Harvey Keitel sind Autoarbeiter in Detroit, die so wütend über die Misshandlungen durch das Management und ihre Gewerkschaft sind, dass sie beschließen, die Gewerkschaft auszurauben. Im Safe finden sie Hinweise auf Korruption und Verbindungen zur organisierten Kriminalität. Wie in An der Uferpromenade, das Thema ist kleine Jungs vs. große Organisationen, aber die Annahme, dass alle Gewerkschaften korrupt sind, war zu diesem Zeitpunkt ein Stereotyp und keine genaue Einschätzung basierend auf den Fakten. Gleichzeitig versäumt es der Film, den gewaltigen Machtunterschied zwischen den beiden vermeintlichen „Feinden“ der Kleinen auszuloten – wie immer hat das Management die meisten Karten in der Hand.

Norma Rae (USA, 1979)
Wenn An der Uferpromenade etablierte den Prototyp der Gewerkschaften für eine Generation, Norma Rae den Eindruck für den nächsten umgekehrt. Unter der Regie von Martin Ritt und mit Oscar-Preisträgerin Sally Field und Ron Liebman konzentriert sich der Film auf eine gewerkschaftliche Organisierungskampagne in einer Textilfabrik im Süden. Unterwegs bekommen wir eine Liebesgeschichte „zwei verschiedene Welten“ zwischen Field und Liebman, einen Blick auf das Familienleben und den Umgang mit den niedrigen Löhnen der Textilarbeit und einen Blick darauf, wie die Arbeit in einer Textilfabrik tatsächlich aussieht und klingt. Der Film endet optimistisch, aber im wirklichen Leben (wie es oft der Fall ist, insbesondere in Staaten mit Recht auf Arbeit) war die gewerkschaftsfreundliche Abstimmung nur der Anfang des Kampfes.

Seidenholz (USA, 1983)
Mike Nichols inszenierte Meryl Streep in diesem spannenden Thriller über einen Angestellten einer Plutonium-Firma, der auf einige schwerwiegende Sicherheitsmängel in den radioaktiven Produkten stößt. Streep spielt einen Gewerkschaftssekretär bei Kerr-McGee und es ist eindeutig ihre Verbindung mit der Gewerkschaft, die einen Großteil ihrer Aktivitäten in der zweiten Hälfte des Films ausmacht, obwohl das Drehbuch die Gewerkschaftsreferenzen auf ein Minimum beschränkt. Der Film zeigt sehr effektiv, wie Gewerkschaftsvertreter mit anderen Arbeitnehmern bei der Arbeit und zu Hause kommunizieren. Letztendlich beschließt Silkwood, die Pfeife zu blasen und einem Reporter die Informationen zu geben, aber auf dem Weg zum Treffen kommt er bei einem mysteriösen Autounfall ums Leben. Der Film deutet an, dass es sich bei dem „Unfall“ um einen Mord gehandelt haben könnte, aber der Fall wurde nie aufgeklärt.

Matewan (USA, 1987)
Chris Cooper, James Earl Jones und Mary McConnell spielen die Hauptrollen in dieser fiktiven Nachbildung eines Kampfes zwischen den Bergarbeitern von West Virginia aus dem Jahr 1920, die versuchen, ihr Los zu verbessern, indem sie eine Gewerkschaft organisieren, und den Eigentümern (und ihren angeheuerten Schlägern), die weiter ausbeuten wollen. John Sayles, der schrieb und Regie führte Matewan, erforscht nicht nur die Bereitschaft der Besitzer, alle notwendigen Mittel einzusetzen, um die Kontrolle zurückzugewinnen, sondern auch Spannungen zwischen schwarzen und weißen Arbeitern, zwischen Männern und Frauen, zwischen dem Außenseiter (Cooper, spielt einen UMW-Organisator) und den Einheimischen. Irgendwie hat Sayles das Projekt mit seiner massiven Besetzung und spektakulären Kampfszenen für unter 4 Millionen US-Dollar abgeschlossen.

Roger & ich (USA, 1989)
Michael Moore, Dokumentarfilmer und Propagandist, hatte seinen ersten Hit mit dieser skurrilen Geschichte seiner Versuche, sich mit General Motors-Chef Roger Smith zu treffen (vermutlich, um ihn zu verärgern). Unterwegs führt uns Moore durch einige Jahrzehnte der Geschichte (meistens genau) und konzentriert sich auf die Männer und Frauen, die im Laufe der Jahre bei GM beschäftigt waren, insbesondere diejenigen in Moores Heimatstadt Flint, Michigan. Während Moore seine Kritiker hat und sein Ansatz, alles hochzuwerfen und zu sehen, was steckt, ärgerlich sein kann, ist sein zentraler Punkt solide: dass die großen Unternehmen, die beschließen, Arbeiter zu entlassen und Werke zu schließen, oder Verlagerungen von Werken ins Ausland werden nicht von der Wirtschaft kontrolliert – sie sind die Wirtschaft. Der beste Beweis dafür ist die Tatsache, dass es Leuten wie Roger Smith gut geht, egal wie schlecht es den Arbeitern und ehemaligen Arbeitern geht (bis hin zum Verkauf von Kaninchen „für Haustiere oder Fleisch“).

Nachrichten! (USA, 1992)
Ein weiteres Arbeitsmusical – diesmal von Disney. Basierend auf dem New Yorker Zeitungsjungenstreik von 1899 spielt diese tanzende und singende Spektakel einen jungen Christian Bale mit Unterstützung von Bill Pullman, Ann-Margret und Robert Duvall. Mehr als nur Annie mit Zeitungen zeigt der Film die verzweifelte Armut, in der Zeitungsjungen lebten, obwohl er nicht erklärt, wie sie bei einer so kargen Ernährung so gut singen und tanzen können.

Germinal (Frankreich, 1993)
Claude Berri führte bei dieser Verfilmung des Romans aus dem 19. Gerard Depardieu ist der Anführer eines Streiks, der gut beginnt, aber in einem Aufstand zusammenbricht. Depardieu wird dafür verantwortlich gemacht, dass sein Erzfeind, ein anarchistischer Bergmann, versucht, ihn in der Mine zu töten. Ich werde das Ende nicht verderben.

Büroraum (USA, 1999)
Die zeitgenössische Komödie von Mike Judge hat nicht wirklich etwas mit Gewerkschaften zu tun, aber sie sagt viel über die Absurdität des modernen Arbeitsplatzes aus, insbesondere der Büroumgebung. Obwohl das Konzept und die Charaktere besser sind als die eigentliche Handlung, gibt es genug wissende Lacher (TPS-Berichte, Flair usw.), um den Zuschauer jedoch bis zum Ende zu unterstützen. Aus irgendeinem Grund ist Jennifer Anniston dabei. Und würde mir bitte jemand meinen Hefter zurückgeben? Du kennst den roten, Trimline…

Brot und Rosen (Großbritannien, 2000)
Der britische Filmemacher und Chronist der Arbeiterklasse Ken Loach reiste nach Kalifornien, um die fiktive Geschichte zweier zentralamerikanischer Einwanderer zu erzählen, die in Los Angeles in einen Streik der Hausmeister verwickelt sind. Der Film basiert auf dem SEIU-Streik Justice for Janitors im April 1990 und befasst sich auch mit Fragen von Rasse, Klasse und Einwanderung. Adrian Brody spielt einen Gewerkschaftsanwalt.

Hergestellt in Dagenham (Großbritannien, 2010)
Die unterschätzte britische Schauspielerin Sally Hawkins zeigt eine subtile und überzeugende Leistung als gewerkschaftlich organisierte Nähmaschine, eine von vielen Frauen, die in einem Ford-Werk in England Polster für Autos nähten. Schließlich führten Hawkins und ihre Gewerkschaft die Frauen zu einem Streik, der auf ungleicher Bezahlung zwischen männlichen und weiblichen Arbeitern beruhte. Der Film basiert auf tatsächlichen Ereignissen im Ford-Werk in Dagenham im Jahr 1968. Regie führte Nigel Cole. Co-Stars sind Bob Hoskins, Miranda Richardson und Rosamund Pike.

John M. Becker ist Rechtsanwalt bei der Anwaltskanzlei Sandulli Grace, P.C. in Boston [www.sandulligrace.com], wo er seit 1996 Gewerkschaften und Arbeitnehmer in Arbeits- und Beschäftigungsangelegenheiten vertritt. Weitere Listen von John finden Sie auf seiner Website, Machen Sie Listen, nicht Krieg [www.beckchris.wordpress.com].

© 2015 Sandulli Grace, PC Mit freundlicher Genehmigung wiedergegeben.

Über NYLHA

Die New York Labor History Association (NYLHA) wurde 1976 von Gewerkschaftern, Akademikern, Studenten, Archivaren, Pädagogen, Arbeitsredakteuren, Anwälten und Rentnern, hauptsächlich aus dem Bundesstaat New York, gegründet. NYLHA fördert das Studium von Arbeitern und ihren Organisationen und dient als Brücke zwischen ehemaligen und gegenwärtigen Gewerkschaftern und Akademikern.


Beliebte Bewertungen

Dies ist einer der besten Filme über die Geburt des Kinos, die ich je gesehen habe.

Wann immer Martin Scorsese einen Film empfiehlt, empfehle ich Ihnen, ihn anzusehen! Jedes Land hat einen anderen Pionier, der angeblich das Kino erfunden hat. Demnach glauben wir Briten, dass es William Friese-Greene war. Es gibt eine Szene in diesem Film, in der er endlich einen Film reproduziert. Dieser Moment ist eines der schönsten Porträts der Filmmagie. Als er merkt, was er getan hat, sucht er als erstes jemanden, mit dem er es teilen kann, und es ist zufällig ein Polizist auf einer Nachtpatrouille, gespielt von Lawrence Olivier. Dieser Film wird kriminell übersehen. Ich würde jedem Filmfan empfehlen, ihn sich anzusehen.

süßer kleiner liebesbrief zur geburt des kinos aus britischer perspektive. Ich wünschte, einige der Cameos wären länger, aber na ja, es war trotzdem süß. Eric Portman war wie immer mein Favorit.

Ich kann auch nicht aufhören, an Robert Donat hässliches glückliches Weinen zu denken. wie Rotz tropft und alles. Ich habe das Gefühl, dass das in einem so alten Film so selten zu sehen ist. Er hat es wirklich verkauft und ich habe es aufgegessen

Ein schwerfälliges und unzuverlässiges Biopic, das vorgibt, die Geschichte des Kinopioniers William Frieze-Greene zu sein. Zweifellos erfand er bestimmte Verfahren, war aber nicht der Erfinder der Kinematographie, also Louis Le Prince aus Leeds.

Erhebliche Behauptungen aufzustellen und die Geschichte mit jargonistischen Begriffen zu promoten, tut diesem Film keinen wirklichen Gefallen, obwohl Robert Donat in der Hauptrolle gut ist und es Interesse an den Nebendarstellern gibt, darunter Stanley Holloway als fröhlicher Baliff und Sid James als Armee-Sergeant.

(Bearbeiten: vollständige Offenlegung, das wird so klingen, als hätte ich diesem Film unmöglich genug Aufmerksamkeit schenken können, um ihn so zu lieben, wie ich es sage, aber manchmal entgehen mir wirklich große Dinge, weil ich ein Außerirdischer bin und ich habe um hinzuzufügen, dass ich mich mit den beiden Schauspielerinnen, die hier die beiden Frauen spielen, durcheinandergebracht habe und ich immer noch denke, dass ich unten die falsche benannt habe oder beide Momente tatsächlich von verschiedenen Schauspielerinnen stammen könnten… Ich habe den Wechsel zwischen Frauen und mir irgendwie total verpasst muss den Film noch einmal sehen, um zu sehen, wo das passiert oder ob es einer dieser seltsamen Todesfälle im Off ist, wie in Our Vines Have Tender Grapes…)

The Magic Box ist ein (wie üblich) stark fiktionalisiertes Bio-Pic von einem der Erfinder des Kinos William Friese-Greene. Der Film wurde als Prestigefilm für das britische Festival 1951 gedreht und zeigt unzählige große und kleine britische Stars, von Ralph Richardson und Laurence Olivier bis hin zu Ronald Shiner und Robertson Hare. Keines hat viel zu tun und viele bekannte Gesichter erscheinen so kurz in Fotogruppen usw., dass man leicht blinzeln und sie übersehen kann, wie ich es in vielen Fällen getan habe. Obwohl Robert Donat, sehr viel im Mr. Chips-Modus, als der übersehene britische Erfinder spielt.
Friese-Greenes Hauptbeiträge zur Kinematographie waren, dass er 1889 eine chronofotografische Kamera patentieren ließ, die…

Kein Wunder, warum jemand wie Martin Scorsese dieses Bild liebt, es ist ein Liebesbrief an die Hingabe eines Mannes, das Medium Film nicht zum Profit oder zur persönlichen Bereicherung voranzutreiben, sondern um die Kinder der Zukunft zu genießen, dies ist etwas, das William Friese- Greene predigt, bis er buchstäblich tot umfällt (*thud*).

Es gibt viele bemerkenswerte britische Schauspieler, die während des gesamten Films Cameos machen, da dieser Film eindeutig wichtig für die britische Filmindustrie war, um zu zeigen, wie einer ihrer eigenen für die Erfindung der Kinematographie verantwortlich war (umstritten). Mein Favorit ist der Moment, in dem er endlich in seiner Arbeit durchbricht und jemand anderem zeigen muss, mitten in der Nacht findet er…

William Friese-Greene widmet sein Leben der Entwicklung einer Filmkamera. Trotz der persönlichen und finanziellen Kosten des zielstrebigen Strebens ihres Mannes, seine Kamera zu entwickeln und auszustellen, unterstützen seine beiden Frauen (Friese-Greene heiratete nach dem Tod seiner ersten Frau wieder) seine Ziele. Leider erhält Friese-Green nie öffentliche Anerkennung für seine Beiträge zur Entwicklung einer Filmkamera und lebt bei seinem Tod im Jahr 1921 in Armut und Dunkelheit.

Dieser Film wurde als Beitrag zum „Festival of Britain“ gedreht, einer öffentlichen Feier des britischen Lebens und der Errungenschaften, die der britischen Öffentlichkeit, die in der schwierigen Zeit nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs noch immer unter Not leidet, die Moral stärken soll. Robert Donat spielte den Erfinder und viele britische Filmstars schlossen sich der Besetzung als ihren Beitrag zum Festival an.

Gesehen beim TCM Film Festival, Hollywood 2017

Ich habe viele biografische Filme gesehen, aber keinen wie The Magic Box. Es basiert auf dem Filmemacher-Pionier William Friese-Greene. Der Film wird durch Rückblenden erzählt, die mehrere Hindernisse aufdecken, die Friese-Greene überwinden musste. Das Besondere an diesem Film ist, dass er den Kampf zeigt, den Menschen wie Friese-Green zu ihrer Zeit durchlebten. Erfinder, die von morgen träumten, eine Zukunft, die niemand außer ihm sah. Dies ist für mich ein besonderer Film, weil er mit einer Besessenheit von etwas umgeht. Es spielt keine Rolle, ob Sie erfolgreich sind oder scheitern, wichtig ist, dass Sie sich selbst treu bleiben. Und übrigens, es hat eine tolle Sequenz, in der Friese-Green, nachdem sie bewegte Bilder entdeckt hat, läuft…

Hübsch, wenn auch etwas statisches Biopic über einen der Pioniere des britischen Kinos. Einige hervorragende Leistungen, darunter eine schöne zentrale Rolle von Donat selbst

Es gab zweifellos viele Leute, die an einigen unserer wichtigsten Erfindungen arbeiteten, als sie bekannt wurden.

William Friese-Greene hat sein Leben lang an der Filmkamera gearbeitet, und obwohl er nicht der offizielle Erfinder ist, ist er jemand, der seine Arbeit zum Endprodukt beigetragen hat. Seine Geschichte wird von einer Starbesetzung (auch in winzigen Rollen) in "The Magic Box" von 1951 mit Robert Donat und Maria Schell erzählt.

Greene hielt das erste Patent auf eine Filmkamera, und finanzielle Probleme, die ihn sein ganzes Leben lang quälten, veranlassten ihn, sein Patent für 500 Pfund zu verkaufen. Er schuf auch ein "Biocolor" -System, das in einem Verfahren gegen ein System namens Kinemacolor gewann. Dies…

Langweilig, aber die Farbe ist wunderschön und das Kameramaterial ist ziemlich cool.

Geschichte erfinden
(ursprünglich veröffentlicht auf IMDb 21. Dezember 2007)

Dieses Biopic des Erfinders William Friese-Greene basiert auf Ray Allisters Buch "Friese-Greene: Close-up of an Inventor". Allister nutzte die Erinnerungen der Familie und Freunde des Erfinders für seine Biografie. Solche Quellen haben sich oft als unzuverlässig erwiesen, und dies ist ein solcher Fall. Brian Coe und andere Historiker haben seitdem einige der Mythen entlarvt, die von Friese-Greene erfunden und von seiner Familie, Freunden und Biografen verewigt wurden. Das mythische Ergebnis hier in diesem Film ist, dass Friese-Greene als der Haupterfinder des Films und des Kinos erscheint.

Der Höhepunkt von "The Magic Box" ist, dass Friese-Greene seinen Film vor einem Polizisten im Hyde Park projiziert. Der Film-im-Film ist nicht die eigentliche Fotografie…


Boulting-Geschichte, Familienwappen & Wappen

Der Name Boulting ist Teil des alten Erbes der angelsächsischen Stämme Großbritanniens. Es ist ein Produkt aus der Zeit, als die Familie in Lancashire und Yorkshire lebte, wo sie ihren Namen von einem von mehreren benannten Orten ableiteten Boulton oder Bolton. Der Name bedeutet wörtlich von Kurven geprägter Stadtteil aus den altenglischen Wörtern boga und Land. [1]

Im Norden Englands gibt es zahlreiche Ortsnamen, die nach dieser berühmten Familie benannt sind, darunter Bolton le Sands in Lancashire, Bolton Castle, Bolton Percy und Bolton upon Dearne in Yorkshire. Das Domesday Book von 1086 bezieht sich auf Bodelton [2] und es ist allgemein bekannt, dass dies die erste Referenz für die meisten dieser Orte ist.

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Frühe Ursprünge der Familie Boulting

Der Familienname Boulting wurde erstmals in Lancashire, Yorkshire, Cumberland und Northumberland gefunden. Letzteres "ist denkwürdig als Schauplatz eines Treffens im Jahr 1209 zwischen John, König von England, und William, König von Schottland." [3]

Das Boldon-Buch wurde 1183 auf Befehl von Hugh du Puiset, Bischof von Durham, erstellt und obwohl es dem Domesday Book aus einem Jahrhundert zuvor ähnelt, listet das Buch Ländereien und Besitztümer der späteren Grafschaft Durham auf, die heute als Nordosten bekannt ist . Heute existieren nur noch vier bekannte Manuskriptkopien.

Die Hundredorum Rolls von 1273 hatten zwei Listgins für die Familie: Michael de Boulton, Yorkshire und Thomas de Boulton oder Bolton, Lincolnshire. [4]

In Schottland stammt der Name wahrscheinlich von Bolton in East Lothian. Adam de Boultone war Vizemeister von Dunfres, 1287. William Fiz Geffray de Boultone del Graf von Edeneburk huldigte 1296. John of Boulton wurde als Maurer in Castle of Linlithgow, 1302, angestellt, und Robert of Bolton, ein Schotte, wurde von Gefängnis in Colchester, 1396." [5]

Vor kurzem wurde ein Teil der Familie in Wrightington in Lancashire gefunden. "Harrock Hall, der Sitz der Familie Boulton, wurde 1839 von den Rigbys gekauft, von denen es 1567 bereits seit vier Generationen der Wohnsitz war: Das Haus, das 420 Hektar umfasst, wurde vom jetzigen Besitzer restauriert ." [3]

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Frühgeschichte der Familie Boulting

Diese Webseite zeigt nur einen kleinen Auszug unserer Boulting-Forschung. Weitere 167 Wörter (12 Textzeilen) für die Jahre 1191, 1321, 1640, 1645, 1575, 1633, 1575, 1570, 1648, 1592, 1659, 1606, 1654, 1680, 1666, 1639, 1650, 1572, 1631, 1868, 1619, 1611, 1844, 1878 und sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History Produkten und Printprodukten unter dem Thema Early Boulting History enthalten.

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Boulting-Rechtschreibvariationen

Die ersten Wörterbücher, die in den letzten hundert Jahren erschienen, trugen viel zur Standardisierung der englischen Sprache bei. Vor dieser Zeit waren Schreibweisen von Namen ein häufiges Vorkommen. Die Sprache änderte sich, indem sie Teile anderer Sprachen einbezog, und die Schreibweise der Namen änderte sich mit ihr. Boulting wurde auf viele verschiedene Arten geschrieben, darunter Boulton, Bolton, Bolten, Boalton, Boultoun, Boultown, Boltan, Boulten und viele mehr.

Frühe Notabeln der Familie Boulting (vor 1700)

Bedeutende Mitglieder der Familie sind Edmund Bolton oder Boulton (1575?-1633?), ein englischer Historiker und Dichter, geboren in oder um 1575 Sir Richard Bolton (1570?-1648), englischer Anwalt, Sohn von John Bolton, of Fenton, Staffordshire Sir Edward Bolton (1592-1659), ein in England geborener Richter, der viele Jahre als Generalstaatsanwalt für Irland diente Robert de Boulton aus Lancashire Samuel Bolton (1606-1654), ein englischer Geistlicher und Gelehrter, ein Mitglied der Westminster Versammlung und Meister des Christ's College, Cambridge Sir William Bolton (gestorben 1680), ein englischer Kaufmann, Lord Mayor of London 1666 und Sir Richard Bolton (1639-1650).
Weitere 96 Wörter (7 Textzeilen) sind unter dem Thema Early Boulting Notables in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten, wo immer möglich, enthalten.

Migration der Familie Boulting nach Irland

Ein Teil der Familie Boulting ist nach Irland gezogen, aber dieses Thema wird in diesem Auszug nicht behandelt.
Weitere 237 Wörter (17 Textzeilen) über ihr Leben in Irland sind, wo immer möglich, in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten enthalten.

Migration der Familie Boulting

Tausende englischer Familien begannen in dieser Zeit, auf der Suche nach Land und Freiheit von religiöser und politischer Verfolgung in die Neue Welt auszuwandern. Obwohl die Überfahrt teuer und die Schiffe dunkel, überfüllt und unsicher waren, wurden diejenigen, die die Reise sicher machten, mit Möglichkeiten belohnt, die ihnen in ihrer Heimat nicht zur Verfügung standen. Recherchen in Passagier- und Einwanderungslisten haben ergeben, dass einige der allerersten Boultings in Nordamerika ankamen: Richard Boulten, der sich 1623 in Virginia niederließ Enoch Boulton ließ sich 1660 in Virginia nieder, Everard Boulton ließ sich 1682 mit seiner Frau Elizabeth und zwei Kindern in Pennsylvania nieder.

Verwandte Geschichten +

Das Boulting-Motto +

Das Motto war ursprünglich ein Kriegsschrei oder Slogan. Mottos wurden erstmals im 14. und 15. Jahrhundert mit Waffen dargestellt, wurden aber erst im 17. Jahrhundert allgemein verwendet. So enthalten die ältesten Wappen in der Regel kein Motto. Mottos sind selten Bestandteil der Wappenverleihung: Bei den meisten heraldischen Autoritäten ist ein Motto ein optionaler Bestandteil des Wappens und kann nach Belieben hinzugefügt oder geändert werden. Viele Familien haben sich dafür entschieden, kein Motto zu zeigen.

Motto: Vi et virtute
Motto-Übersetzung: Durch Stärke und Tapferkeit.


John Boulting - Geschichte

Aufzeichnung der Geschichte der gebauten Umwelt Londons seit 1894

Boulting & Söhne

An der Ecke Riding House Street und Candover Street steht eines der architektonischen Juwelen von South East Marylebone: eine Wohngruppe, die für T. J. Boulting & Sons entworfen wurde. John Boulting & Son, Eisenwarenhändler, wurden vielleicht schon 1808 in zwei nahe gelegenen Häusern gegründet. Dies ist das Datum, das stolz auf dem Gebäude angezeigt wird, zusammen mit dem Firmennamen in goldenen Mosaikfliesen.

Detail von 59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Ansicht von Süden. Aufgenommen für die Umfrage von London von Chris Redgrave © Historisches England

Aufeinanderfolgende John Boultings starben 1863 und 1873, und 1879 wurde die Auflösung der Partnerschaft zwischen einem dritten John und Thomas John Boulting bekannt gegeben. Danach wurde die Firma als T. J. Boulting (& Sons) bekannt.

59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Ansicht von Südwesten. Aufgenommen für die Umfrage von London von Chris Redgrave © Historisches England

Unter diesen Söhnen befand sich auch Percy Boulting, geboren um 1876 und scheinbar ausgebildeter Architekt, dessen jugendliche Bestrebungen die heutigen Gebäude wohl verdankt haben. Die Firma hatte es den Familienmitgliedern, zuerst dem Vater und dann den Brüdern von Percy, gut genug gemacht, um sich in den späten 1890er Jahren in kleine Grundstücksgeschäfte auf dem Howard de Walden-Anwesen niederzulassen. Natürlich hatten sie ein besonderes Interesse am Wiederaufbau rund um ihre Werke. Ihr erstes Projekt scheint die Foley Street 40 gewesen zu sein, ein fünfstöckiger Wohnblock direkt hinter der Adresse der Boultings, der 1898 von John Anley gebaut wurde. Seine Designer wurden damals mit anderen Worten als Clark & Hutchinson mit Percy A. Boulting beschrieben H. Fuller Clark und CE Hutchinson, zwei etwa 28-jährige Architekten, die sich im Büro von Rowland Plumbe kennengelernt hatten, sowie der noch jüngere Boulting. Später wurde Nr. 40 allein Clark zugeschrieben, und ihm wird normalerweise die Extravaganz der Gruppe der Boultings zugeschrieben. Clarks Meisterwerk ist die Neufassung des Black Friar Pubs in der City, ansonsten ist seine Arbeit wenig bekannt, obwohl er behauptete, eine beträchtliche Praxis zu haben.

Wohnungen für Boultings in der Foley Street 40, entworfen von H. Fuller Clark, vielleicht zusammen mit H. E. Hutchinson und Percy A. Boulting. Aufgenommen für die Umfrage von London von Chris Redgrave © Historisches England

Architektonisch ist No. 40 eine zeitgemäße, aber nicht exzentrische Performance, die im zweiten Stock in den Rohputz einbricht und in zwei geformten Giebeln endet. Der Grundriss folgt der spätviktorianischen Standardanordnung in diesem Viertel mit zwei Wohnungen pro Etage, ursprünglich mit einem Sanitärausbau auf der Rückseite in Form eines zentralen Stapels von Erkern, die sich zwei Wohnungen teilen. Clark & Hutchinson folgte 1899 prompt mit einem zweiten Wohnblock gegenüber, Belmont House, 5–6 Candover Street, diesmal von A. A. Webber gebaut. Hier ist ein ähnlicher Plan in einer gewichtigeren, pingeligeren Formensprache dargestellt, mit einem großen Gürtel aus violettem Mauerwerk, der den ersten Stock umgibt, und einem Tupfer Jugendstil-Schriftzug.

Turmhaus, Candover Street. H. Fuller Clark und Percy Boulting, 1903-4. Aufgenommen für die Umfrage von London von Chris Redgrave © Historisches England

Tower House, York House und Oakley House, die die ehemaligen Räumlichkeiten der Boultings und den Sir Isaac Newton Pub an der Ecke umfassten, folgten 1903 bis 1904. Diesmal wurden die Architekten als Fuller Clark und Percy Boulting beschrieben, ohne Hutchinson: Die Bauherren waren Smith & Co. aus der Mount Street. Auch hier handelt es sich im Wesentlichen um fünfstöckige Wohnungen, obwohl auch hier die Rückseiten noch ein Stockwerk höher waren ursprünglich nackte Sanitärstapel aus Erkern. Die Fronten sind die Rückseite von blank. Zu den Tricks, die zum Einsatz kommen, gehören Mauerwerksbänder in verblüffenden Farbtönen, schräge und quadratische Erkervorsprünge, eine borstige Dachlinie und drei separate, kunstvoll beschriftete Mosaiktafeln, die für die Firma Boultings und ihre Waren werben („Gas- und Elektrotechniker“, „Sanitär- und Warmwassertechniker“) ' 'Geräte- und Ofenmanufaktur').

Detail von 59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Ansicht von Süden. Aufgenommen für die Umfrage von London von Chris Redgrave. © Historisches England

Farbe war ein offensichtliches Anliegen, ursprünglich wurden drei verschiedene Zemente verwendet, während die Fenstertischlerei abgesehen von den Erkerfenstern ganz weiß war und in gebeizter Eiche ausgeführt war. Trotz des Hinweises von Voysey auf diese Erhebungen sind sie völlig individuell und tatsächlich wurde auch dieses Gebäude bei der Neuauflage allein Clark zugeschrieben. Die Firma Boultings überlebte bis in die 1960er Jahre in der Riding House Street 59.1978 ging der Besitz aller ihrer Wohnungen an die Community Housing Association über, die Pollard, Thomas & Edwards, Architekten, beschäftigte, um sie im folgenden Jahrzehnt zu modernisieren. Zu den Veränderungen gehörten die Erweiterung der Sanitärräume im hinteren Bereich zu großzügigeren Küchen.

Detail von 59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Ansicht von Süden. Aufgenommen für die Umfrage von London, von Lucy Millsom-Watkins © Historisches England


Englands Nachkriegsparanoia schleicht sich in die Schatten von drei Film-Noirs

Etwas Bedrohliches kommt aus dem ruhigen, gewöhnlichen englischen Leben der Nachkriegszeit: drei schizoide Noirs der Regisseure Carol Reed, Roy und John Boulting sowie Tharold Dickinson.

Die Pikkönigin (1949), Regie: Thorold Dickinson

Thorold Dickinson’s Die Pikkönigin ist einer der besten britischen Filme der 1940er Jahre und damit einer der besten britischen Filme aller Zeiten. Seine schillernde ästhetische Verzückung steht dem Team von Michael Powell und Emeric Pressburger in nichts nach, und es gibt kein höheres Lob. Bei zwanzig Schritten könnte es mit einem Powell & Pressburger-Film verwechselt werden, weil er ihren häufigen Mitarbeiter Anton Walbrook in der Hauptrolle spielt und so reich an Schnörkel und europäischer Hochkultursensibilität ist.

Die Geschichte beginnt im Jahr 1806 in St. Petersburg, als schlaksige junge russische kaiserliche Offiziere sich betrunken inmitten singender und tanzender Zigeunerfrauen vergnügen und ihr Vermögen mit einem modischen Kartenspiel namens Faro verschenken. Diese Sequenz eröffnet den Film so, wie es sein soll, fortzufahren: eine verschwenderische Atmosphäre, in der die Kamera in kontrastreichen Hell-Dunkel-Fotografie zwischen überfüllten Kompositionen gleitet und flitzt, uns manchmal mit Schnitten zu erzählenden Details und auffälligen Kompositionen desorientiert, uns umgibt mit Musik und Soundeffekte so sorgfältig orchestriert wie die visuelle Symphonie.

Der seltsame Mann, der zuschaut, aber nicht spielt, weil er es sich nicht leisten kann, das Notwendige zu riskieren, um das Überflüssige zu gewinnen, ist Kapitän Herman Suvorin (Walbrook). Sein Vorname wird russisch ausgesprochen und klingt wie “German” mit einem harten “G”, und tatsächlich ist er Deutscher. Er fühlt sich als bloßer Ingenieur, als Ausländer, als Mann aus armen Familien inmitten von Aristokraten verachtet und geduldet.

Das Bild von Napoleon in Suvorins Zimmer erklärt sich durch seine Rede über den Anführer als ultimativen klassenspringenden Emporkömmling, und er sieht sich selbst ein ebenso großes Potenzial, wenn er nur das Geld hätte. Er brennt vor Klassengroll und Verlangen. Als Deutscher in diesem durch und durch russischen Kontext kann Suvorin nicht umhin, einen Aspekt des englischen Klassenneids der Nachkriegszeit und den Traum von der Überwindung des eigenen Platzes einzufangen.

Die Handlung beginnt richtig, als ihm ein Buch in die Hände fällt: die Memoiren des legendären und mysteriösen Grafen de Saint-Germain (man beachte das Namensspiel mit Herman/Deutsch). Ein Kapitel illustriert eine wunderbar filmische Rückblende über eine junge russische Gräfin (Pauline Tennant), die in Ehebruch mit ihrem Geliebten ihre Seele an den Grafen verkauft, um das Geheimnis von drei Gewinnkarten zu gewinnen, die ihr ein Vermögen einbringen.

Suworin erkennt oder erahnt, dass sich diese Geschichte von vor 60 Jahren auf die inzwischen uralte Gräfin Ranevskaya (Edith Evans, ungeheuer beeindruckend) bezieht, einen strittigen alten Tyrannen der Gesellschaft. Er macht sich daran, das Vertrauen ihrer mauserischen Gefährtin Lizaveta Ivanovna (Yvonne Mitchell) zu missbrauchen, um sie mit Liebesbriefen zu umwerben, um Zugang zum Herrenhaus zu erhalten und die Gräfin zu konfrontieren.

Die einigermaßen einfache Geschichte mit übernatürlichen Elementen ist ästhetisch auf den Punkt gebracht, wobei eine Szene nach der anderen wie ein großes Bühnenstück abläuft: der verschwenderische Ball, die spannende Konfrontation im Boudoir, eine riesige Beerdigung, ein geisterhafter Besuch. Zur Atmosphäre tragen zahlreiche Nebenspieler bei, darunter Ronald Howard, Anthony Dawson, Miles Malleson, Mary Jerrold, Michael Medwin und Valentine Dyall.

Unter der tadellosen Produktion des praktischen Produzenten Anatole de Grunwald (russischer Herkunft) und seines Regieassistenten Jack Clayton (der einen weiteren großen britischen literarisch-übernatürlichen Film, 1961’er Die Unschuldigen) summen alle Abteilungen auf Hochtouren: Fotograf Otto Heller, Cutter Hazel Wilkinson, Produktions- und Kostümbildner Oliver Messel, Art Director William Kellner, Komponist Georges Auric (das Bindeglied zwischen den Filmen von Jean Cocteau und Ealing Studios), Maskenbildner Robert Clarke (besonders bei Evans) und die Soundcrew.

Anton Walbrook in Die Pikkönigin (Foto: DAS RONALD GRANT ARCHIV – © DE GRUNWALD PRODUCTIONS / ABPC / IMDB)

Wie Martin Scorsese in einer Einleitung bemerkt, ist eines der Erstaunen des Films, dass Dickinson in letzter Minute, nur wenige Tage vor Produktionsbeginn, in das Projekt einstieg. Der Film sollte von Rodney Ackland inszeniert werden, der zusammen mit Arthur Boys das Drehbuch schrieb, aber ein Streit mit de Grunwald führte dazu, dass sie das Projekt verließen. Dickinson kam, um das Drehbuch zu überarbeiten und traf die Entscheidung, einen Ansatz der “-steifen Oberlippe” aufzugeben, indem er “alles für Extravaganz machte”. Der Druck in letzter Minute inspirierte Dickinson, zusammen mit den Einschränkungen, in einem kleinen Studio ohne viele Ressourcen zu arbeiten. Wie jeder inzwischen bemerkt hat, kann man nicht sagen, dass es sich nicht um eine teure Produktion mit Hunderten von Besetzungen handelt.

Obwohl er nur neun Spielfilme inszenierte, hatte Dickinson eine bemerkenswerte Karriere in vielen Bereichen des Kinos, vom Schreiben und Schneiden bis zum Programmieren und Lehren. Sein berühmtester Film war sein vorheriges Projekt mit Walbrook, die 1940er Version von Gaslicht das fast alle Kopien von MGM zerstört hatte, um ihr Remake von 1944 mit Ingrid Bergman zu promoten. Dickinsons Version ist glaubwürdiger, weil ihr Star, Diana Wynyard, die Art von welkem Veilchen vermittelt, das geboren wurde, um von ihrem Ehemann getäuscht zu werden, während Bergman eine solche Intelligenz und Stärke ausstrahlt, dass der Betrachter angesichts ihrer Dunkelheit einen beträchtlichen Unglauben aussetzen muss, bis sie schließlich platzt am Ende in befriedigende Wut.

Dickinson, der in zwei Audiointerviews gehört wurde, kann nicht immer seine Bemerkungen für bare Münze nehmen. Zum Beispiel sagt er, dass dies das Filmdebüt von Mitchell und Evans war, wie Nick Pinkertons Kommentar klarstellt, dass dies nicht ganz wahr ist. Dickinson sagt auch, dass der Film in Cannes gemischte Resonanz fand, weil der Neorealismus der letzte Schrei war, während sein Film eine Rückbesinnung auf den stillen Expressionismus war. Pinkerton weist darauf hin, dass die Gewinnerin von Cannes in diesem Jahr Carol Reed war Der dritte Mann, ein Mitläufer des britischen Expressionismus und Wellesian-Flair, der nichts mit Neorealismus zu tun hat. Auch Dickinsons sehr gut rezensierter Film wurde für eine BAFTA nominiert und verlor erneut gegen Reeds Film.

Dennoch fällt Dickinsons Meisterwerk gewöhnlich aus dem britischen Filmbewusstsein, weil es nicht sehr englisch wirkt. Tatsächlich übersetzt es auf brillante Weise Englands klassenbewusste Ängste und Phobien in die Begriffe des kaiserlichen Russlands. Diese glitzernde Präsentation verleiht Bild und Ton den Reichtum und die Tiefe, die sie verdienen, und sollte so manchen unwissenden Heiden zum Evangelium von Dickinson bekehren.

Seven Days to Noon (1950), Regie: Roy und John Boulting

Was Dickinson mit “die steife Oberlippe” und Neorealismus meinte, kann indiziert werden durch Sieben Tage bis Mittag, produziert, inszeniert und herausgegeben von den Boulting Brothers, Zwillingen, die für eine lange Reihe exzellenter englischer Thriller und Komödien verantwortlich waren. Hier sehen wir den gleichen Trend gleichzeitig in Hollywood Noir, einen Übergang zu einem gleichmäßig und flach beleuchteten halbdokumentarischen Stil, der vom Neorealismus berührt wird. Und doch, wenn Schlüsselszenen nachts oder in schattigen Umgebungen spielen, tritt der latent expressionistische Impuls der Hell-Dunkel-Beleuchtung sanft hervor, um die Ästhetik zu übernehmen, wie Mr. Hyde Dr. Jekyll übernimmt.

Der Film beginnt an einem hellen, flachen Morgen in der Downing Street Nummer 10, dem Büro des Premierministers, als wir beobachten, wie der alltägliche Postbote seine Runden dreht und einen gewöhnlich aussehenden Brief durch den Schlitz wirft. (Wird die Post dort wirklich so zugestellt? Macht nichts.) Dröhnende Akkorde von John Addison, der seinen ersten Film komponiert, verkünden, dass etwas Bedrohliches aus dem ruhigen, gewöhnlichen englischen Leben kommt, und dann beginnen die Credits ein seltsames Recht auf Schwenk nach links, während die Kamera von links nach rechts über die Bahngleise fährt, um Schwung und Spannung zu tosender Musik aufzubauen. Es ist ein stilistischer Cameo-Auftritt, wie der Film funktioniert.

Die erste Rolle besteht aus langsam eskalierenden Aktivitäten unter steifen Oberlippen, die gelassen ihrer Arbeit nachgehen, um den seltsamen Brief zu untersuchen, in dem ein Nuklearwissenschaftler verspricht, dass er, wenn der Premierminister nicht die Einstellung des Baus von Atomwaffen ankündigt, einen im Mitten in London am darauffolgenden Sonntag und kreieren Sie "dark, dark, dark mid the blaze of noon" und zitieren Sie Milton. Passenderweise trägt er den Sprengstoff in seiner Gladstone-Tasche, benannt nach einem ehemaligen Premierminister.

Der Rest des Films wird zwischen den Behörden, die in unauffälliger und äußerst effizienter Gemeinschaft agieren, und den einsamen Aktivitäten des Schurken Prof. Willingdon (Barry Jones), einem kahlköpfigen Mann mittleren Alters, der dargestellt wird, als habe er einen religiös beschatteten Zusammenbruch der Spannung seiner Arbeit. Der Dialog impliziert, dass dieser Zustand ein potenzielles Nebenprodukt dieser Arbeit ist, obwohl selbst sein Zusammenbruch mit einer steifen Oberlippe fortgeführt wird. Er demonstriert eine sehr englische schizoide Fuge.

Barry Jones und Olive Stone in Sieben Tage bis Mittag (IMDB)

“Was würden Sie tun, wenn Sie davon überzeugt wären, dass die Ergebnisse Ihres Lebenswerks einem bösen Zweck dienen?”, fragt sein Pfarrer, bevor er behauptet, dass jeder Mensch letztendlich seinem eigenen Gewissen Rechenschaft ablegen muss. Dies ist eine Welt der Männer, mit Frauen als hilflose Zuschauern oder, je nach Klasse, halb-komische Betrüger. Wann immer Sieben Tage bis Mittag spritzt eine komische Note unter die vielen Bürger, es kommt immer von einem Arbeiterklasse- oder Cockney-Akzent, während die Männer, die die Show leiten, grimmig und unerschütterlich sind und nie ihre Nerven verlieren.

Dennoch sind es die Frauen, die Willingdons Pläne immer wieder entgleisen lassen. Seine erste neugierige Vermieterin (Joan Hickson) wird von seinen auf und ab gehenden Schritten über ihrem Kopf in einem Gerät abgelenkt, das auf Alfred Hitchcock’s zurückgeht Die Untermieter (1927). Sie weigert sich, etwas mit Theaterleuten zu tun zu haben, und es ist eine alternde Schauspielerin (Olive Sloane), die als nächstes Willingdon für eine Nacht unterbringt. Beide Frauen haben eine komische Anhänglichkeit an Katzen oder Hunde. Schließlich wird seine Tochter (Sheila Manahan) als Geheimwaffe der Behörden fungieren.

Es wird viel auf den Krieg, den Blitz und Dünkirchen Bezug genommen, und der Professor sucht Hilfe in einer noch immer ausgebombten Kirche, wo (des Friedens?) Tauben (des Friedens?) durch das Loch im Dach flattern und gurren. Daraus folgt, dass moralische Überzeugungen oder zumindest traditionelle Werte eine Hülle ihres früheren Selbst sind. Die realistischen Bilder des Films von den überfüllten Straßen Londons werden unheimlich, wenn die Stadt mit bemerkenswerter Dünkirchen-artiger Effizienz evakuiert wird.

Ein Jahr zuvor in Henry Cornelius’Ealing-Komödie Reisepass nach Pimlico, freuten sich die Bewohner dieses Viertels darauf, in die schrecklichen Gewissheiten des Englands während des Krieges zurückzukehren, während die Bewohner dieses Films ihrem plötzlichen Transport mit Schleim und heimeligen Kleinlichkeitszeichen begegnen. Hinter all dieser scheinbaren Effizienz steckt das zunehmende Gefühl, das auch von Ealing-Komödien angezapft wird, dass Ereignisse aufgrund der größeren Kräfte der Welt außer Kontrolle geraten.

Paul Dehn und James Bernard erhielten für diesen Film einen Oscar für die beste Geschichte, obwohl das eigentliche Drehbuch Frank Harvey und Roy Boulting zugeschrieben wird. Sieben Tage bis Mittag ist wahrscheinlich das früheste ernsthafte Beispiel für nukleare Paranoia im Kino, ein Thema, das zuvor in Joseph Loseys kinderorientierter Fabel leicht angeschnitten wurde Der Junge mit den grünen Haaren (1948). Das Thema würde in Science-Fiction wie Robert Wise aufblühen Der Tag an dem die Erde still stand (1951), und Sieben Tage bis Mittag wird aus diesem Grund in manchen Kreisen als eine Art Science-Fiction angesehen.

Der Boulting-Film zieht einen faszinierenden Vergleich mit einem ähnlich neorealistischen Hollywood-Film desselben Jahres, Elia Kazans Pest-Thema Panik auf den Straßen, gerade weil es keine Panik, sondern eher eine wachsende Angst im Betrachter gibt, als die engen Fluchten des Professors und Beinahe-Entdeckungen die virtuellen Rändelschrauben der uhrenorientierten Handlung drehen. Das Glockenspiel von Big Ben, das im Eröffnungslogo von London Films verwendet wird, wird in den letzten Momenten zu einem entscheidenden Bestandteil des Dramas. Während der Film letztendlich die Effizienz von Politikern, Polizei und Armee bestätigt, rührt sein letztes Unbehagen daher, dass das von Willingdon verkörperte moralische Paradox nicht wirklich gelöst wurde.

Ein weiterer aufschlussreicher Cross-Index wäre Henry Koster’s Keine Autobahn am Himmel (1951), ein amerikanisch-britischer Film, in dem ein anderer zerstreuter wissenschaftlicher Trottel als hysterisch zusammengebrochen gilt, dessen katastrophaler Verdacht jedoch bestätigt wird. Die beiden Filme zusammen weisen auf die bipolare oder schizoide öffentliche Wahrnehmung wissenschaftlicher Kerle im Atomzeitalter hin, die einerseits zu bewundern und andererseits mit Argwohn zu behandeln sind.

Wieder haben wir einen so scharfen Ausdruck in High Definition, dass wir nach 17 Minuten sogar den Geist der Crew auf einem glänzenden Auto sehen können. Diese Blu-ray trägt keine Extras, aber vielleicht spricht die Wirksamkeit des Films für eine Generation, die wahrscheinlich noch nie davon gehört hat.

Der Mann zwischen (1953) Regie: Carol Reed

Mögen Sieben Tage bis Mittag, Produzentin und Regisseurin Carol Reed’s Der Mann dazwischen, eine weitere Produktion von London Films, ist voller Paranoia des Kalten Krieges, diesmal die aktuelle Situation im immer noch stark zerbombten Berlin, wo ein Großteil des Films vor Ort gedreht wurde. Es war immer noch möglich, vom russisch kontrollierten Ostsektor in den Westsektor zu gelangen, und viele Flüchtlinge kamen aus Ost-Berlin hinüber.

Dies ist die Welt, in die eine behütete junge Engländerin, Susanne (Claire Bloom), mit dem Flugzeug einreist, um ihren Bruder Martin (Geoffrey Toone) und seine deutsche Frau Bettina (Hildegard Neff, sehr glamourös), die in der Nähe der ruinösen Grenze leben, zu besuchen Zone. Martin ist beim Militär und arbeitet jeden Tag mit Flüchtlingen.

Als Susanne eintrifft, fallen ihr seltsame Details auf. Ein Junge auf einem Fahrrad scheint ihr zu folgen. Bettina ist nervös und bekommt mysteriöse Anrufe. Zwei Autos bei einer Verfolgungsjagd lassen ein Fluchtdrama erahnen. In einem Nachtclub, in dem ein zerlumpter Clown, der zwei Klarinetten gleichzeitig spielt (die beiden Hälften von Berlin), für Symbolik sorgt, die durch die Clowns in Jacques Tourneurs ähnlichem zurückreicht Berlin-Express (1948) bis hin zu Fritz Langs Dr. Mabuse-Filmen beobachtet Susanne eine mürrische Bettina in einem riesigen Spiegel, der wie eine Art Kinoleinwand in der Leinwand wirkt.

Auf einem Ausflug in den Ostsektor werden die Frauen von Ivo Kern (James Mason) begrüßt, einem ebenso zweideutigen Charmeur und Geschäftemacher wie Harry Lime of Der dritte Mann. Susanne glaubt, eine Affäre mit Bettina zu haben, und richtet seine Aufmerksamkeit nun auf Susanne. Sobald die Handlung endlich klarstellt, was inmitten von Ivos Plänen und Allianzen vor sich geht, ist die letzte Hälfte des Films ein ziemlich unkomplizierter Thriller über das Laufen, Verstecken und Ausweichen, während Susanne aus erster Hand über das Leben von Flüchtlingen erfährt.

In diesem Teil des Films gehen Reed und Kameramann Desmond Dickinson wild aus, oder wir könnten sagen “alles für Extravaganz”, indem sie das expressionistische Helldunkel und die geneigten Winkel überlagern, insbesondere in den schattenhaften Nachtsequenzen, die jetzt das Bild bestimmen. Dies ist auch der Abschnitt, in dem John Addisons spannende Partitur seine schmerzlichste Romantik einführt. Der Stil dominiert und bestimmt die Geschichte, geschrieben von dem vielseitigen und produktiven Harry Kurnitz nach einer Geschichte von Walter Ebert. Ein weiterer produktiver und vielseitiger Autor, der Schotte Eric Linklater, wird bei IMDB als nicht im Abspann aufgeführter Mitarbeiter aufgeführt.

James Mason in Der Mann dazwischen (IMDB)

Dieser Film gehört zu einer wiederkehrenden Reihe von Filmen, die vor Ort in den Ruinen von Berlin gedreht wurden, von Berlin-Express und Billy Wilder’s Eine ausländische Angelegenheit (1948) durch Douglas Sirk’s Eine Zeit zum Lieben und eine Zeit zum Sterben (1958), Wilder’s One, Two, Three (1961) und Robert Siodmak’s Flucht aus Ost-Berlin (1962). Der letzte Titel könnte als historische Fortsetzung von Reeds Film angesehen werden. Während die anderen Regisseure einen anthropologischen Insider-Blick auf das Material brachten, ist Reed ein Außenseiter, ein Engländer und stellt sinnvollerweise einen sympathischen Außenseiter aus England vor, um den Tumult als Tourist zu erleben, der über ihren Kopf hinweggezogen wird.

In einem angenehmen stilistischen Echo, beides Die Pikkönigin und Der Mann dazwischen Pause für kurze Opernpausen. In Dickinsons Film werden die Charaktere Zeugen einer Produktion von Gluck’s Orpheus und Euridike, eine sehr passende Reise in die Unterwelt. In Reeds Film ist es eine Produktion von Richard Strauss Salome, in dem der Wunsch einer jungen Frau nach einem Propheten zu seinem Tod führt.

Der Mann dazwischen ist viel weniger berühmt als Reed’s Der dritte Mann, die den Cannes-Preis und das BAFTA entrissen Die Pikkönigin. Der berechtigte Erfolg von Der dritte Mann hat leider den größten Teil von Reeds Karriere überschattet, was es nicht verdient, überschattet zu werden, und Der Mann dazwischen insbesondere wurde von Kritikern weithin als aufgewärmte Auffrischung von Der dritte Mann.

Simon Abrams diskutiert in seinem Kommentar die kritische Rezeption und liest aus mehreren Memoiren über die Entstehung des Films. Der allgemeine Rap ist, dass die Geschichte der Richtung nicht gewachsen ist, während Abrams vernünftig argumentiert, dass wir den Film weniger als Thriller (trotz seiner aufregenden Teile) sehen sollten, sondern mehr als eine Star-Crossing-Romanze, in der der junge Bloom hält sich hervorragend mit Mason.

Zwei andere Statisten, ein Mason-Audiointerview von 1967 und ein Karriereprofil von Reed, erwähnen den Film nie, und ein kurzes Interview mit Bloom hat einen schlechten Ton. Glücklicherweise ist dieser HD-Scan makellos und hebt alles hervor, von Dickinsons hervorragender Fotografie bis hin zu den Kostümtexturen und exzellenten Sets, insbesondere das Restaurant und Bettinas Grand House.

Reed hat viele Filme gedreht, die wir gerne auf Blu-ray sehen würden. Kino Lorber ist bereits erschienen Trapez (1956), und Ausgestoßene der Inseln (1951) ist in Vorbereitung. Hoffen wir, dass weitere seiner Filme folgen, aber für den Moment Der Mann dazwischen sollte uns Appetit auf einen bildgewaltigen Stylisten machen, der immer noch paradox gefeiert und unterschätzt wird.Das gleiche gilt für Thorold Dickinson und die Boultings. Das britische Kino im Allgemeinen leidet oft unter dem Ruf, gelassen und langweilig zu sein, und diese Idee wird nicht verworfen, bis mehr seiner Talente zu unserem Hochgenuss aus den Tresoren exhumiert werden.

Kino Lorber hat der Region 1 einen Gefallen getan, indem es Blu-rays klassischer britischer Filme aus Frankreichs StudioCanal lizenziert, dem anscheinend alles in Europa gehört. Deshalb wurden wir mit einer Reihe von Ealing-Filmen und einer Reihe früher Hitchcocks gesegnet. Jetzt erhältlich sind drei verirrte Nachkriegsklassiker aus dem Vierjahreszeitraum von 1949 bis 1953, zwei davon von London Films und einer von Associated British Pictures. Alle sind stimmungsvolle Freuden, die in Noir-artigem Schwarz und Weiß schwelgen und die Unsicherheiten und Paranoias des Nachkriegsenglands einfangen, und in den USA ist keines bekannt. Versuchen wir, das zu korrigieren.


Verweise

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Bemerkungen:

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