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Was ist die früheste Darstellung eines Kranichs?

Was ist die früheste Darstellung eines Kranichs?


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Verschiedene Quellen im Internet - wie Crane (machine), A History Of The Crane und The sky is the limit: Human Powered Cranes and Lifting Devices - geben an, dass die alten Griechen die Erfinder des Krans irgendwann im 6. Jahrhundert v. Chr. waren.

Kraniche wurden von den Römern übernommen und verbessert; Das Bild unten ist die früheste Darstellung eines Krans, die ich finden konnte.

„… Teil der reichen Ausschmückung des Grabes der Haterii, einer Baumeisterfamilie, die ihr eigenes Grab entlang der antiken Via Labicana im frühe Jahre des 2. Jahrhunderts n. Chr." (meine Hervorhebung) Quelle: museivaticani

Dies scheint ein Laufradkran zu sein und es ist die einzige Darstellung eines Krans aus der Antike, die ich gefunden habe - mehr als 600 Jahre nach der Erfindung des Krans.

Gibt es frühere Darstellungen, zum Beispiel in Reliefs oder Vasen oder Wandmalereien? Wenn nein, gibt es noch andere vormittelalterliche Darstellungen von Kranichen?


Der römische Baumeister Lucceius Peculiaris wäre ein weiteres vormittelalterliches Beispiel.

Lucceius; Besonderheiten; Ex Biso; Erlöser; Fezit; Prosceni.

Leider ist es anscheinend noch etwas jünger als das Beispiel aus der Frage, 3. Jahrhundert:

Objektinformationen - allgemein
Derzeitiger Standort: Capua, Italien, IT, Museo Provinciale Campano - Ortsangabe ist Aufbewahrungsort - Ort im Gazetteer Provenienz: Italien, Capua / Santa Maria Capua Vetere, in den Ruinen des Theaters Kategorie/Kulturbereich/Funktion: Inschrift; Linderung; Weihung Gehört zu Denkmal: nein Initiiert/Auftraggeber: Lunceius Peculiaris redemptor prosceni Kulturkreis: römisch Datierung: spätrepublikanisch. - nach: W. Fuchs - Ende/spätes 3. Jh. n. Chr. - Argument: Vergleich u. A. mit Köpfen vom Galeriusbogen sowie Gewändern auf dem Galerius- und Konstantinsbogen / nach: G. Zimmer -

3631: Votivrelief des Lucceius Peculiaris Capua, Museo Provinciale Campano (größere Version)

Die illustrierte Handschrift Manuskript - Vat.lat.3225, auch Vergilius Vaticanus genannt, aus dem 4. Jahrhundert enthält Szenen aus dem "Bau einer Stadt"

Die näher beschriebene Szene kann bedeuten:

Aeneas und Achats sehen Karthago im Bau (f.13r); Aeneas vor Didon (f.16r); Venus sendet Dido die Liebe in Gestalt des Ascanius (f.17r). // {{Information |Description={{de|1=Folio 13r des Vatikanischen Vergils (Vatikan, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. lat. 3225). Aeneas findet Karthago. Illustration des Textes aus der Ilias.}} |Quelle=Vatikan Vergil (Vatikan, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. lat. 3 Src: Französische WP und WikiMedia Commons

Römer sind großartig, Griechen sind noch größer? Aber sie sind jung. Da es sich um das älteste dieser Geräte handelt, müssen wir normalerweise nach Mesopotamien oder Ägypten suchen?

Da finden wir

Dieses Relief aus Ninive zeigt einen Mann mit einem Shaduf (ein an einem langen Balken befestigter Eimer, der an einem Ende beschwert und so ausbalanciert ist, dass der Eimer leicht aufsteigt). Er ändert den Lauf eines Baches, um Sanheribs Arbeitern zu helfen, eine riesige Skulptur zu bewegen.
Zweiteiliges Wandrelief aus Alabaster: Darstellung eines geflügelten Stiers für Sanheribs Palast beim Verlassen des Steinbruchs. Der grob fertige Bulle ist auf einen Schlitten gesetzt, der auf Rollen von Kriegsgefangenen gezogen wird. Vier Aufseher, zwei mit Trompeten, leiten die Operation von der Spitze des Kolosses aus. Links steht der König in einem handgezeichneten Streitwagen. Einige Männer räumen Steine ​​von der Strecke; andere ziehen an einem langen Hebel, der eingeklemmt ist, um die Last zu verschieben, wenn sie klemmt. Unten verwenden Männer Eimer, die an gegengleichen Armen angebracht sind, um Wasser zu heben und einen Bach umzuleiten. Aus Gipswandtafelrelief in zwei Teilen: Darstellung eines geflügelten Stiers für Sanheribs Palast beim Verlassen des Steinbruchs.

Herrscher: Sanherib, neuassyrisch, Datum 700 v. Chr.-692 v. Chr.

Einige glauben, dass dieser Typ im nubischen Pyramidenbau verwendet wurde.

Auf jeden Fall:

Eine der frühesten Versionen des Krans, die entwickelt wurde, war der Shaduf, der vor etwa viertausend Jahren zum ersten Mal in Ägypten verwendet wurde, um Wasser zu bewegen. Der Schatten besteht aus einem langen, schwenkbaren Balken, der auf einer vertikalen Stütze balanciert ist. An einem Ende des Balkens ist ein schweres Gewicht und am anderen ein Eimer befestigt. Der Benutzer zieht den Eimer nach unten zum Wasseranschluss, füllt ihn und lässt dann zu, dass das Gewicht den Eimer nach oben zieht. Anschließend wird der Balken in die gewünschte Position gedreht und der Eimer entleert. Der Shaduf wird immer noch in ländlichen Gebieten Ägyptens und Indiens verwendet.

Und aus augusteischer Zeit

Die Bauarbeiten waren anspruchsvoll. Die zunehmende Verwendung von großen Marmorstücken und anderen schweren Steinen wie Granit erforderte immer größere Hebegeräte. Aus Holz gefertigt, gibt es kaum Materialspuren dieser Apparate, aber sie tauchen in Kunst und Literatur auf. Eine Terrakotta-Plakette aus der Via Cassia zeigt einen General in Rüstung, der inmitten von Darstellungen einer militärischen Trophäe, eines fliegenden Sieges und einer als Roma identifizierten knienden Darstellung steht. Auf beiden Seiten stehen kleinere Figuren, die Schraubendreherkräne zum Heben von Vierkantsteinen für massive Mauern bedienen (Schäfer 435-436; Abbildung 6). Obwohl die Interpretationen dieser Szene variieren, setzt die Einbeziehung eines Bauaktes offensichtlich Vertrautheit und starke Bedeutung für das Bauen voraus. In ähnlicher Weise zeigt eine Schnitzerei aus Capua, die an eine Vision von Lucceius Peculiaris erinnert, möglicherweise ein Auftragnehmer für den augusteischen Wiederaufbau des Amphitheaters, einen Hebe- und Laufradkran, der eine monolithische Säule hebt (Sear 7). Ein ganzes Kapitel widmet Vitruv den Hebemaschinen, die er mit einer gewissen Großartigkeit verbindet (10.1.2).

Diane Favro: "Reading Augustan Rome: Materiality as Rhetoric In Situ", Advances in the History of Rhetoric, 20:2, 180-195, DOI: 10.1080/15362426.2017.1326325


Was ist die früheste Darstellung eines Kranichs? - Geschichte

Künstler im Laufe der Geschichte haben sich von den Vögeln inspirieren lassen. Teilweise Vogel, Teilmenschliche Formen wurden häufig verwendet, um entweder übernatürliche Phänomene oder verbesserte menschliche Fähigkeiten darzustellen, insbesondere die des Sehens (Vogelköpfe) und der Geschwindigkeit (Vogelflügel). Die vielleicht älteste künstlerische Darstellung von Vögeln oder Vogelteilen ist ein prähistorischer vogelköpfiger Mann aus der Zeit zwischen 15.000 und 10.000 v. Es ist an einer der Wände der Lascaux-Höhle in Frankreich gemalt – der oft beschriebenen Schatzkammer der steinzeitlichen Kunst.

Die alten Ägypter betrachteten Vögel als "geflügelte Seelen" und verwendeten sie gelegentlich, um bestimmte Götter zu symbolisieren. Das Symbol für Horus, den Sonnengott (und den lokalen Gott des Oberen Nils), war der Kopf oder Körper eines Falken. In einer Statue von König Chefren von Gizeh auf seinem Thron (um 2500 v. Der Vogel scheint über den König und sein Reich zu wachen. Raptoren wurden in der Folge oft verwendet, um nationale Macht zu repräsentieren – bis hin zum nationalen Symbol der Vereinigten Staaten. (Die Gründungsväter, wie wir denken möchten, haben die Angewohnheit des Weißkopfseeadlers, tote Fische zu plündern und auf Müllhalden zu fressen, nicht erkannt.) Während Raubvögel in der Kunst oft als Machtsymbole verwendet werden, stellen Tauben (häufige Beute von Greifvögeln) oft Frieden dar .

Symbolische geflügelte Chimären wie Pegasus, das fliegende Pferd, kommen immer wieder vor. Die Kraft der Sphinx, die durch die Verschmelzung eines menschlichen Kopfes mit einem Löwenkörper angezeigt wird, wird manchmal durch die Flügel eines Vogels verstärkt. Wenn die Große Sphinx Flügel hatte, sind sie längst verschwunden, aber die der geflügelten Sphinx von Naxos (500 v. Chr.) strahlen immer noch. Sowohl Sieg als auch Freiheit werden weiterhin mit Vogelflügeln in Verbindung gebracht. Sie sind zum Beispiel das herausragende Merkmal der renommierten hellenistischen Marmorskulptur "Geflügelter Sieg" von Samothrake (200 v. Chr.). Diese teilweise in der Luft schwebende Göttin wiederum wurde zum Prototyp für unzählige moderne politische Gemälde und Cartoons.

Stieglitz, die im Mittelalter häufig in illuminierten Handschriften vorkommen, wurden mit dem Christuskind in Verbindung gebracht. In Süditalien und Sizilien wurden Stieglitzer häufig freigelassen, als eine Figur, die den auferstandenen Christus darstellte, bei den Osterfeierlichkeiten auftauchte. Könnte die Vorliebe der Stieglitzer für stachelige Disteln an die Dornenkrone erinnert und so zu ihrer Verbindung mit Christus geführt haben? Während der Renaissance waren die meisten Gemälde religiös und Engel mit Vogelflügeln waren üblich. Es scheint, dass sich die unzähligen Darstellungen der Verkündigung am meisten in der Verwendung von Flügeln verschiedener Vogelarten unterscheiden.

Die an der Nordwestküste unseres Kontinents lebenden amerikanischen Ureinwohner waren vollendete Vogelkünstler. Sie verwendeten stilisierte Darstellungen von Raben (die als Götter galten und eine zentrale Rolle in ihrer Religion spielten), Adler, Austernfischer usw. in geschnitzten Masken und Rasseln sowie auf bemalten Bildschirmen, Trommeln und Schachteln. Während die symbolische Verwendung von Vögeln (und Teilen ihrer Anatomie) uralt ist, sind Darstellungen der Vogelbiologie keineswegs eine moderne Erfindung. Zum Beispiel ist ein stilisierter Zeckenvogel, der Parasiten vom Rücken eines Stiers pflückt, auf ein Stück Keramik aus dem späten Mykenischen gemalt, mehr als tausend Jahre vor Christus, und ein frühes englisches Buch enthält ein Bild einer Eule, die gemobbt wird.

Die realistische Darstellung von Vögeln in der Natur wird in westlichen und östlichen Gemälden des 18. Audubon war einer der ersten Künstler, der die Vogelbiologie akkurat darstellte, und sicherlich der erste, der seine Motive konsequent so dramatisch malte, dass er sich auch als bedeutende Figur in der Kunstgeschichte etablierte. Reproduktionen seiner lebensgroßen Aquarelle wurden im berühmten "Double Elephant Folio" der Birds of America gedruckt. Die Umrisse wurden aus riesigen gravierten Kupferplatten gedruckt und die Farbgebung fachmännisch von Hand durchgeführt. Die Bilder illustrierten oft Aspekte der Vogelbiologie: wechselndes Gefieder, Nisten, Nahrungsaufnahme, Verteidigung gegen Raubtiere, Ausstellen und so weiter. Von den 200 originalen handkolorierten Sätzen mit 435 Tafeln sind weniger als 130 unversehrt erhalten. Der Wert, der ihnen als Kunstwerke beigemessen wird, lässt sich an den Preisen der einzelnen Teller aus zerlegten Sets ablesen. Bei einer Auktion Ende 1985 wurden viele Teller, darunter der Flamingo, der Trumpeter Swan, die Gerfalcons und die Snowy Owls, für jeweils über 25.000 US-Dollar verkauft. Top-Dollar, $35.200, wurde für ein Beispiel von Audubons Darstellung einer Gruppe von sieben längst verstorbenen Carolina-Sittichen bezahlt.

Vogelstimmen kommen natürlich oft in literarischen Werken vor, insbesondere in der Poesie, wie die Worte von Milton, Keats, Shelley und anderen über die Lieder der Nachtigallen uns daran erinnern. Der Ruf des europäischen Kuckucks ist im Refrain von mindestens einem Wiegenlied enthalten. Die vielleicht am weitesten verbreitete Übertragung von Themen aus der Vogelwelt in die Welt der menschlichen Kunst fand im Tanz statt. Die Völker der Nordwestküste haben außergewöhnliche Raben- und Austernfischer-Tänze. Die Balzrituale von Kranichen werden in den Tänzen afrikanischer Stämme, der Ainu Japans, der australischen Aborigines und der amerikanischen Ureinwohner nachgeahmt. Man könnte sich sogar vorstellen, dass Kraniche direkt oder indirekt das Ballett beeinflusst haben, ähnlich wie Peter Tschaikowsky vor mehr als einem Jahrhundert von Schwänen beeinflusst wurde, als er Schwanensee komponierte.

Die symbolische Verwendung von Vögeln setzt sich bis heute unvermindert fort. Zum Beispiel zeigen viele Fernsehwerbungen den Weißkopfseeadler oder verschiedene Falken, um Patriotismus, Zuverlässigkeit, Geschwindigkeit oder Machismo zu suggerieren. Der "stolze" Pfau ist das Symbol eines großen Netzwerks. Filmausschnitte von fliegenden, fütternden, singenden und umwerben Vögeln werden auch häufig in Natur- und Public Affairs-Programmen verwendet, um auf die friedlichen, urzeitlichen Bedingungen hinzuweisen, die von unserem Planeten schnell verschwinden. Vogelkunst scheint immer beliebter zu werden, da die Vögel selbst zu verschwinden beginnen. Moderne Vogelbilder, Drucke und Skulpturen sind sehr gefragt, zumal die Werke von Audubon und anderen "alten Meistern" der Vogelwelt für die meisten nicht verfügbar sind. Kinder, die mit dem Bild eines allwissenden "Big Bird" aufgewachsen sind, sehen Vögel möglicherweise anders als ihre Eltern, die mit Woody Woodpecker und Daffy Duck aufgewachsen sind, aber es scheint sicher zu sein, dass Vögel und ihre Biologie auf die eine oder andere Weise bleiben noch lange in der Kunst und in der menschlichen Psyche verankert.

Copyright ® 1988 von Paul R. Ehrlich, David S. Dobkin und Darryl Wheye.


Geschichte der Kraniche in der chinesischen Kunst

Seit der Antike sind die Chinesen außergewöhnlich kreativ bei der Verwendung verschiedener lebender, nicht lebender und imaginärer Objekte, um abstrakte Ideen darzustellen. Sie haben ein Symbol für alles, einschließlich Leben, Tod und Langlebigkeit. Ein Blick auf chinesische Kunst und Teppiche kann über die Myriaden chinesischer Symbole informieren. Zu den beliebtesten und am weitesten verbreiteten Symbolen gehören die für Langlebigkeit. Dazu gehören Bambus, Zikade, Pfirsich, Kürbis, Kiefer, Hirsch und Kranich.

Kraniche oder Reiher, wie sie auch genannt werden, spielen in der chinesischen Mythologie eine wichtige Rolle. In der chinesischen Kultur wird der Kranich als Prinz aller gefiederten Kreaturen verehrt und hat damit einen legendären Status. Es verkörpert Langlebigkeit und Frieden und ist nach dem Phönix das zweitbeliebteste Vogelsymbol. Während der gesamten Kaiserzeit wurden Kranichmotive auf den Gewändern der Zivilbeamten verwendet, um ihre Reihen darzustellen. Wegen seiner Fähigkeit, hoch und über weite Strecken zu fliegen, wurden seine Flügel als Amulett zum Schutz vor Erschöpfung verwendet.

In der chinesischen Mythologie gibt es vier Arten von Kranichen: Weiß, Schwarz, Blau und Gelb. Aber wichtiger als die Farbe sind die Einstellung und Haltung des Schwans. Für Langlebigkeit steht ein Kranich, der mit ausgestreckten Flügeln und einem angehobenen Bein dargestellt wird. Wenn es unter einer Kiefer in der Nähe eines gefleckten Hirsches gezeigt wird, symbolisiert es ein verlängertes Leben. Einer, der unter Pfingstrosen gezeigt wird, steht für Wohlstand und Langlebigkeit, während einer, der mit Lotusblumen gezeigt wird, Reinheit und Langlebigkeit symbolisiert.

Wenn ein chinesischer Kranich der Sonne entgegenfliegt, bedeutet dies den Wunsch nach sozialem Aufstieg. Ein Kran, der auf einem Felsen thront und in die Sonne schaut, steht für eine wichtige Instanz, die alles sehen kann. Zwei Kraniche, die zusammen gehen oder fliegen, sind das ultimative Symbol für Langlebigkeit.

Da Kraniche am strahlend blauen Himmel über der staubigen Erde fliegen, gelten sie auch als Symbol für Sauberkeit und Reinheit. Wenn ein taoistischer Priester auf seinem Sterbebett liegt, sagen die Leute, dass er sich in einen gefiederten Kranich verwandelt. Viele Chinesen glauben immer noch, dass Kraniche nach ihrem Tod ihren Geist in den Himmel tragen. Kein Wunder, dass Kraniche mit einem so verehrten und legendären Status in der chinesischen Kunst und Teppichen immer wieder vorkommen.

Die Darstellung von Kranichen in der chinesischen Kunst und antiken Teppichen basiert fast ausschließlich auf ihrer mythologischen Bedeutung und Symbolik. Aber es gibt einen kleinen Unterschied zwischen der Art und Weise, wie sie in Kunst und Teppich dargestellt werden. Während sie in der Kunst normalerweise allein, zu zweit oder in einer Gruppe in einer wunderschönen natürlichen Umgebung wie einem See oder Wasserfall gezeigt werden, können sie in Teppichen mit anderen Symbolen wie einem Löwen gezeigt werden.

Eine der beliebtesten Darstellungen von Kranichen in chinesischen Teppichen ist ein Kranich mit rotem Hauben, der zwischen Wolken und Rosen fliegt und Langlebigkeit, Weisheit und Adel symbolisiert. Eine weitere beliebte Darstellung ist ein Kran, der über einem unter einer Kiefer grasenden Hirsch schwebt. Auch zwei Kraniche, die auf dem Boden tanzen oder zusammen fliegen, sind weit verbreitet. In welchen Szenen auch immer Kraniche dargestellt werden, ihre Symbolik in chinesischer Kunst und Teppichen ist immer wichtig.

Dieser Kunstblog über die Bedeutung und Symbolik von Kranichen in der chinesischen Kunst wurde von Nazmiyal Antique Rugs veröffentlicht


Alte Haustiere

Archäologen wissen seit langem, dass Hunde während der Jungsteinzeit domestiziert wurden. In der Nähe menschlicher Siedlungen wurden Hundeknochen gefunden, die ungefähr zehntausend Jahre alt sind, sagte Zeder. Beweise dafür, dass Hunde Jagdmissionen unterstützten, waren weniger offensichtlich.

Robert Losey, Professor an der University of Alberta, ist Experte für alte Beziehungen zwischen Mensch und Tier, insbesondere mit Hunden. Er hat Beweise für 10.000 Jahre alte Hundereste in Sibirien gefunden, aber er ist sich nicht sicher, welche Rolle diese Hunde genau gespielt haben. Die Überreste, sagte er, wurden absichtlich begraben, wobei die Skelette vollständig intakt waren – was bedeutet, dass sie wahrscheinlich keine Nahrungsquelle gewesen wären.

"Es gibt ethnographische Untersuchungen, die zeigen, dass die Unterstützung durch Hunde die Produktivität der Jagd erheblich verbessert hat", sagte er. Seine Vermutung ist, dass die Domestikation von Hunden mit Menschen zusammenfiel oder von ihnen unterstützt wurde, die von der Jagd mit den liebenswerten Eckzähnen profitierten. Er hält es für plausibel, dass die Kunst die Hunde an der Leine zeigt.

"Die emotionalen Bindungen, die Menschen zu Hunden haben, sind sehr, sehr alt", sagte er. (Erfahren Sie mehr darüber, wie Hunde uns domestiziert haben könnten.)

Guagnin stellte in ihrer Studie fest, dass der Detaillierungsgrad der Hunde darauf hinweist, dass der Künstler oder die Künstler möglicherweise eine enge Bindung zu den Tieren hatten.

Während Zeder skeptisch gegenüber Guagnins Behauptungen ist, wie alt die Schnitzereien sind, stimmt sie zu, dass die Kunst diese starken Bindungen zeigt.

„Was mir an der Felszeichnung auffällt, ist der Detailgrad. Die unterschiedlichen Markierungen der Hunde, der gemeinsame Schulterstreifen, die weißen Flecken. Der Grad an künstlerischer Realität und Detailtreue ist wirklich bemerkenswert“, sagte Zeder.

Guagnin und ihr Team planen, nach Jubbah zurückzukehren, wo ihrer Meinung nach weitere neolithische Stätten entdeckt werden müssen, die bis zu 10.000 v. Chr. zurückreichen. Sie werden nach physischen Beweisen suchen, dass es damals tatsächlich Hunde in der Region gab.


Früheste Darstellung der 'Feurigen Schlange' in mittelalterlicher Malerei

Italienische Forscher, die ein mittelalterliches Gemälde untersuchen, haben möglicherweise die früheste visuelle Darstellung von Dracunculiasis gefunden, einer schrecklichen parasitären Infektion, bei der ein bis zu 3 Fuß langer Wurm aus der Haut kriecht.

Derzeit in Gebieten im Tschad, Äthiopien, Mali und im Südsudan endemisch, wird die Krankheit auf Menschen übertragen, die von Wasserflöhen befallenes Wasser trinken, das sich in der Region befindet Zyklop Gattung, und die Larven des Perlmuttwurms (Dracunculus medinensis). Ein Jahr nachdem die Person das verunreinigte Wasser aufgenommen hat, bricht ein spaghettiähnlicher Wurm von 0,6 bis 1 Meter Länge aus einem blasigen Bereich der Haut der Person aus, normalerweise im unteren Teil des Beins, so die Weltgesundheit Organisation.

Um die Schmerzen und das brennende Gefühl zu lindern, die der Wurm beim Ausbruch verursacht, suchen die Opfer nach Wasser und veranlassen den Wurm, seine Larven zu entleeren, wodurch der gesamte Zyklus von vorne beginnt. [Die 10 teuflischsten und widerlichsten Parasiten]

Laut einer Studie, die in einer demnächst erscheinenden Ausgabe des Journal of Infection veröffentlicht werden soll, tritt die Dracunculiasis zum ersten Mal eindeutig in einem Altarbild aus dem 15. Jahrhundert auf, das in der Pinacoteca di Brera (Gemäldegalerie) in der süditalienischen Region Apulien ausgestellt ist.

Das Kunstwerk gilt als seltenes Beispiel spätgotischer Malerei in Apulien und zeigt St. Roch, einen französischen Pilger aus dem 14. Jahrhundert, der Pestopfer geheilt haben soll und selbst daran herunterkam.

"In der Tat wird St. Roch typischerweise mit einem Bubo am Oberschenkel dargestellt", sagte der Paläopathologe Raffaele Gaeta von der Universität Pisa, Italien, gegenüber Live Science.

Das Gemälde in Bari, das den Heiligen als bärtigen Mann mit langen blonden Locken zeigt, bildet da keine Ausnahme. Der anonyme Maler porträtierte St. Rochus mit einer Schwellung am linken Oberschenkel, sichtbar durch eine heruntergerollte Socke.

"Das Altarbild fügt jedoch ein neues, realistisches Detail hinzu: Ein weißes, dünnes Filament kommt aus der Läsion und reicht fast bis zum Knie", sagte Gaeta.

Er stellte fest, dass Kunsthistoriker dieses Element fälschlicherweise als einen langen Eitertropfen identifizierten, der aus der infizierten Wunde austrat. [25 grausige archäologische Entdeckungen]

"Wir glauben stattdessen, dass der Maler einen alten Fall von Dracunculiasis porträtiert hat, einer Infektionskrankheit, die durch einen Fadenwurm verursacht wird, den Dracunculus medinensis, bekannt in der Antike", schreiben Gaeta und seine Kollegen Fabrizio Bruschi und Valentina Giuffra in ihrer Studie.

Drakunkulose plagt die Menschheit seit Tausenden von Jahren. Das Alte Testament der Bibel aus dem Jahr 1450 v. Chr. bezieht sich laut Carter Center auf den Wurm. Er wird im ägyptischen medizinischen Ebers Papyrus aus dem Jahr 1550 v.

Ein weiterer Beweis für die Existenz des Wurms im alten Ägypten wurde in den 1970er Jahren erbracht: In der Bauchhöhle einer 3000 Jahre alten Mumie wurde ein verkalkter Perlmuttwurm gefunden.

Parasitologen glauben, dass es sich bei den biblischen "feurigen Schlangen", die die aus Ägypten geflohenen Israeliten angriffen, um Perlwürmer gehandelt haben könnten. Die Infektion wäre zur Zeit des Exodus wie bis vor kurzem im Nahen Osten weit verbreitet gewesen.

"Der Wurm tötet nicht, sondern lässt das Opfer unheilbar zurück", sagte Gaeta.

„Der Parasit könnte seinen Spitznamen ‚feurige Schlange‘ verdient haben, weil er entsetzliche brennende Schmerzen verursacht, wenn er durch die Haut platzt“, fügte er hinzu.

Obwohl die Krankheit in Italien nicht dokumentiert ist, ist es möglich, dass der anonyme Maler den Parasiten in der Wunde eines Reisenden bemerkte, der in Bari ankam, einem wichtigen Hafen für Reisende in den Osten, insbesondere nach Syrien und Palästina.

"Er fügte dann das lange und dünne weiße Filament hinzu, das aus dem Bein herauskommt, als Zeichen extremen Realismus", sagte Gaeta.

Laut Francesco Galassi, Paläopathologe am Institut für Evolutionsmedizin der Universität Zürich, bietet die Forschung "Raum für eine allgemeinere Reflexion über die Bedeutung der Prävention von Infektionskrankheiten für internationale Reisende in der modernen Welt".

„Ich finde es ziemlich faszinierend, dass die Autoren die Hypothese aufstellen, dass diese Krankheit bei einer Person dargestellt worden sein könnte, die aus Regionen nach Bari kam, in denen die Krankheit im Gegensatz zur italienischen Halbinsel endemisch war“, sagte Galassi gegenüber Live Science.

Als Ergebnis einer 30-jährigen Kampagne unter der Leitung des Carter Center, einer vom ehemaligen Präsidenten Jimmy Carter gegründeten Wohltätigkeitsorganisation, wird Dracunculiasis wahrscheinlich nach den Pocken die zweite menschliche Krankheit in der Geschichte sein, die ausgerottet wird. Es wird die erste parasitäre Krankheit sein, die ausgerottet und die erste Krankheit ausgerottet wird, ohne dass ein Medikament oder ein Impfstoff verwendet wird.

Im Jahr 2016 wurden weltweit nur 25 Fälle von Guinea-Wurm-Krankheit gemeldet, gegenüber schätzungsweise 3,5 Millionen Fällen im Jahr 1986, so das Global Health Observatory der WHO.


Frühe Darstellung von Jesus könnte in altägyptischen Strukturen entdeckt worden sein

Ein Team katalanischer Archäologen hat eine der ältesten Darstellungen von Jesus entdeckt, die von den frühesten koptischen Christen in Ägypten gemacht wurde.

Die Forscher entdeckten eine unterirdische Struktur in einer Reihe von vergrabenen Gräbern aus dem 6. und 7. Jahrhundert. Unter den koptischen oder frühchristlichen Bildern, die an die Wände des Gebäudes gemalt wurden, war das, was der leitende Forscher Josep Padró als "die Figur eines jungen Mannes mit lockigem Haar, in eine kurze Tunika und mit erhobener Hand wie zum Segen erhebend" beschrieb. "


Foto mit freundlicher Genehmigung der Universität Barcelona.

"Wir könnten es mit einem sehr frühen Bild von Jesus Christus zu tun haben", sagte Padró gegenüber La Vanguardia.

Die Forscher entfernten 45 Tonnen Gestein, um an die Wände zu gelangen, an denen das Gemälde gefunden wurde und die sich zwischen mehreren Stätten befinden, die Padró in den letzten 20 Jahren ausgegraben hat.

Die Zeichnung ist gesperrt, während die Forscher beginnen, die sie umgebenden Inschriften zu übersetzen.

Im Jahr 2011 entdeckten Archäologen, die in der Nähe des Sees Genezareth arbeiteten, ein 2.000 Jahre altes Büchlein mit einer der frühesten Darstellungen von Jesus. Berichten zufolge trug die Broschüre die Aufschrift „Retter Israels“, aber ihre Echtheit wurde später in Frage gestellt.

KORREKTUR: Eine frühere Überschrift dieses Artikels deutete fälschlicherweise an, dass die in Ägypten gefundene Darstellung die früheste ist, die bekannt ist, aber andere Bilder, von denen angenommen wird, dass sie von Jesus stammen, sind älter als sie. Der Artikel wurde auch aktualisiert, um Zweifel an der Echtheit der Broschüre „Retter von Galiläa“ widerzuspiegeln, und ein Hinweis auf das Grab eines Schreibers wurde entfernt, um klarzustellen, dass das Bild in einer nicht identifizierten Struktur entdeckt wurde.


Frau Amerika, die neue FX-Miniserie von Schöpferin Dahvi Waller, erzählt die Geschichte der Frauenbefreiungsbewegung durch die überzeugenden und umstrittenen Frauen, die sie geprägt haben. Das neunteilige Historiendrama, dessen erste drei Folgen jetzt auf Hulu gestreamt werden, konzentriert sich vor allem auf den politischen Kampf um die Ratifizierung des Equal Rights Amendment und die unerwartete Gegenreaktion angeführt von Phyllis Schlafly, dem konservativen „Schatz der schweigenden Mehrheit“.

Die Miniserie folgt Führern auf beiden Seiten der Debatte, wobei Schlafly gegen die Änderung kämpft und die Mitbegründerinnen des National Women’s Political Caucus Gloria Steinem, Betty Friedan, Shirley Chisholm, Bella Abzug und Jill Ruckelshaus dafür kämpfen. Die Show verwebt mehrere persönliche und politische Handlungsstränge und bietet ein differenziertes Porträt der Kämpfe um die Frauenrechtsbewegung in den frühen 1970er Jahren. In einem Haftungsausschluss, der jede Episode einleitet, heißt es jedoch: „Einige Charaktere im Programm sind fiktiv und einige Szenen und Dialoge wurden für kreative und Storyline-Zwecke erfunden.“ Was ist also real und was ist erfunden? Wir haben die Geschichtsbücher zu Rate gezogen, um die ersten drei Episoden der Serie aufzuschlüsseln.

Wie im echten Leben baute Phyllis Schlafly, die blonde Antiheldin der Serie, ihre Karriere auf, indem sie sich für traditionelle Frauenrollen einsetzte und konservative Opposition gegen die Frauenbefreiungsbewegung mobilisierte. Wie Cate Blanchett, die auch als Executive Producer in der Serie fungiert, dargestellt wird, erweist sich Schlafly als durchweg unterschätzter, furchterregend intelligenter Charakter voller Widersprüche.

Als die Show beginnt, bereitet sich die Mutter von sechs Kindern aus Illinois darauf vor, in einer Talkshow über ein Buch zu diskutieren, das sie über die Landesverteidigung geschrieben hat. Obwohl nicht allgemein bekannt, verbrachte die echte Schlafly, die 2016 im Alter von 92 Jahren starb, tatsächlich einen Großteil ihrer frühen Karriere damit, über Fragen der nationalen Sicherheit zu lernen und zu schreiben. In ihrem Buch von 1965 Schlag aus dem Weltraum, das zusammen mit Rear Admiral Chester Ward geschrieben wurde, bemerkt Schlafly, dass sie während des Zweiten Weltkriegs als "Ballistikschützin und Technikerin in der größten Munitionsfabrik der Welt" arbeitete. Sie blieb ihr ganzes Leben lang eine aktive politische Stimme zum Kalten Krieg und zur Landesverteidigung, obwohl dieser Teil ihrer Karriere von ihrer Rolle bei der Zurückhaltung der Frauenbefreiungsbewegung weitgehend in den Schatten gestellt wurde.

Während ihrer gesamten Karriere hatte Schlafly politische Ambitionen, auf die sich die Show in Schlaflys Gesprächen mit ihrem Ehemann bezieht. Sie kandidierte 1952 und 1970 für das Repräsentantenhaus der Vereinigten Staaten, verlor jedoch beide Wahlen in ihrem soliden demokratischen Bezirk Illinois. Obwohl sie in konservativen Themen kandidierte, entschieden antikommunistisch war und sogar Richard Nixon für zu gemäßigt hielt, schien Schlafly sich erst in den 1970er Jahren ernsthaft für Frauenfragen zu interessieren. Für den größten Teil der ersten Episode scheint Schlafly wenig Interesse an der ERA oder der Frauenbefreiung zu haben und sagt: "Es gibt so viele wichtigere Dinge ... wie die nationale Sicherheit." Dies scheint eine genaue Darstellung der wirklichen Ansichten von Schlafly bis 1970 zu sein. Laut ihrem Nachruf in der New York Times „Mrs. Schlafly hat die Änderung der Gleichberechtigung kaum bemerkt, als sie zum ersten Mal im Kongress debattiert wurde.“ Erst 1971, als der Änderungsantrag bereits im Repräsentantenhaus verabschiedet war, griff sie dagegen auf, gründete STOP ERA (wie in der Show war STOP ein Akronym für Stop Taking Our Privileges) und ernannte sich selbst zur Vorsitzenden.

Die Darstellung von Schlaflys Aufstieg zur politischen Macht in der Show ist auch historischen Aufzeichnungen aus dieser Zeit recht treu. Mit der Veröffentlichung ihres konservativen Newsletters Phyllis Schlafly Report startet sie eine Basiskampagne gegen die Ratifizierung des EFR. Sie argumentierte, dass der Änderungsantrag den Frauen eher geschadet als ihnen geholfen hätte, indem Schutzmaßnahmen wie das Recht auf Unterhalt und die Befreiung aus dem Entwurf abgeschafft würden. Die Show erkennt schließlich an, dass ein Großteil dieser Rhetorik übertriebene Angstmacherei war, aber manchmal scheint sie einige ihrer raueren Kanten abzuschleifen, um sie den modernen Zuschauern sympathischer zu machen, beispielsweise wenn sie ihr Unbehagen mit einigen von STOP ERAs mehr darstellt offen rassistische Mitglieder. Im wirklichen Leben gehörte Schlafly zu den „moralischen Konservativen“, die sich auf der Republican National Convention 1960 gegen den Plan der Partei für „aggressive Aktionen“ gegen die Segregation aussprachen.

In der Show wird Fred Schlafly (John Slattery) als die Art von gnädig herablassender männlicher Figur dargestellt, die aus historischen Dramen wie Verrückte Männer, in dem auch Slattery mitspielte. Er ist gutaussehend, erfolgreich, charmant, eigennützig und herablassend. Obwohl Fred behauptet, die politischen Ambitionen seiner Frau zu unterstützen, äußert er privat Vorbehalte, weil er befürchtet, dass ihre Arbeit ihre Hauptaufgaben als Ehefrau und Mutter beeinträchtigen könnte. In Episode 1 bittet er sie fast, nicht mehr für den Kongress zu kandidieren, und behauptet, dies würde "die Familie zerbrechen", und sie stimmt zu. Es ist unklar, ob dies tatsächlich die private Dynamik in der Ehe der Schlaflys war, aber aus welchem ​​Grund auch immer, es stimmt, dass sie nicht mehr für ein Amt kandidierte.

In einem Interview mit Vanity Fair behauptete Schlaflys Tochter Anne Schlafly Cori, dass die Darstellung der ehelichen Spannungen ihrer Eltern in der Show völlig frei erfunden sei: „Mein Vater und meine Mutter hatten eine wirklich wundervolle Beziehung“, sagte Cori gegenüber Vanity Fair. „Ich denke, die Freude, die sie in der Ehe hatten, hat ihre Sichtweise auf die Rollen von Mann und Frau zusammen geprägt. Ihre Ehe war glücklich, weil es eine Begegnung der Gemüter war. Intellektuell, emotional und spirituell waren sie auf der gleichen Seite und ergänzten sich gegenseitig.“

Frühe Episoden zeigen, dass Schlafly wiederholt in ihren politischen Geschäften von Männern herabgesetzt, ignoriert und belästigt wird, die weniger qualifiziert und sachkundig sind als sie. Irgendwann wird sie gebeten, sich in einer Besprechung Notizen zu machen, als wäre sie eine Sekretärin. Obwohl unklar ist, ob die spezifischen Details dieser Interaktionen tatsächlich basieren, folgt die Behandlung dem, was wir über die Kultur rund um Frauen am Arbeitsplatz zu dieser Zeit wissen.

Trotz des Wunsches ihres Mannes baut Schlafly durch ihre Kampagne an der Basis eine bedeutende politische Macht auf und bleibt so etwas wie ein Widerspruch. Sicherlich Schlaflys Kritiker (einschließlich, wie in Frau Amerika's vierte Folge, Gloria Steinem) beschuldigte sie der Heuchelei und bemerkte, dass sie, während sie argumentierte, dass der Platz einer Frau im Haus sei, als Rednerin, Newsletter-Redakteurin und Aktivistin unterwegs war.

In the show, Schlafly becomes politically interested in the ERA after her friend Alice (Sarah Paulson), a housewife and homemaker, expresses fears that the amendment would eliminate benefits like alimony and Social Security and result in women being drafted into the military. Alice later becomes an animated supporter of Schlafly’s conservative campaign. While Alice does not appear to be based on any single historical figure, she can be seen as an amalgamation created to represent the fears and beliefs of many conservative women at the time.

Like her or not, Schlafly was an effective political organizer. Her grassroots campaign, composed largely of conservative women and homemakers, was unexpectedly successful in halting the ratification of the ERA. The show accurately depicts Schlafly’s campaign tactics, which relied heavily on letter writing and employed traditional symbols of the American housewife to inspire political support.


Ancient paintings

Another painting found some years ago at Shivta, in the southernmost of its three ruined churches, shows Christ at his transfiguration — another key event described in the Christian gospels, which are thought to have been written in the first century after his death.

That painting, too, is heavily eroded it shows only an outline of the figure of Christ and a single eyebrow.

But the painting on the ceiling of the northern baptistery — a building used for baptisms and containing the baptismal font — shows most of the face of Christ, as a young man with short, curly hair. [See Images of Jesus' House and Nazareth Artifacts]

The iconography of Christ with short hair was common throughout the east of the Byzantine Empire, Maayan-Fanar explained, especially in Egypt and the Syria-Palestine region. But it was eventually displaced by Byzantine images of Christ with long hair, which remains a common portrayal today.

Christ was also shown as a very young man, she said, because his baptism in the Jordan symbolized a "new birth." For the same reason, the painting shows a larger figure of John the Baptist, who is said to have presided at Christ's baptism, according to the Christian Gospels.

In their study of the baptistery painting, Maayan-Fanar and her colleagues describe the portrait of Christ as that of a youth with "short curly hair, a prolonged face, large eyes and an elongated nose." It represents a sixth-century convention of Christ's appearance, rather than his actual appearance, which is not described in the Gospels: "It would be wonderful, but how would we know?" Sie sagte.


Depictions of the Lower Class

Victorian portrayals of lower- and working-class children in both urban and rural contexts were somewhat different. The lower-class female might be incredibly rosy-cheeked, tidy, and sweet, whether as a farm lass, peasant, or street vendor. All such girls were perceived essentially as objects of pity or amusement, with little sense of the sordid and oppressive social conditions that impoverished children endured. Boy urchins, whether in the pages of Punch magazine or in Royal Academy paintings, were sanitized into healthy, scruffy, and unthreatening children.

The dead or dying child appeared frequently in Victorian era paintings as well, reflecting the high mortality rates (compared with modern statistics) among all classes. Many scenarios𠄻y George Hicks, Thomas Faed, and Thomas Brooks�ture parental bedside vigils in which the need for Christian faith and fortitude are endorsed. As in the literary realm, the picturesque appeal of the helpless orphan, especially vulnerable female ones𠄺s in the paintings of Emily Mary Osborn, George Storey, and Philip Calderon𠄺lso was favored by Victorian audiences.

Modern audiences have been inculcated with Victorian notions of childhood by a variety of sources, from an endless proliferation of Kate Greenaway-decorated items to contemporary magazines that combine nostalgia for the past with gauzy finery and images of female decorativeness, passivity, leisure, and conspicuous consumerism. The Victorian literary characters Alice, of Alice's Adventures in Wonderland, and PETER PAN, of James Barrie's 1904 novel Peter Pan, or The Boy Who Would Not Grow Up, have earned permanent places in the public imagination, due to DISNEY films and to the enduring appeal of the girl seeking authority over her fantasies and the boy escaping the responsibilities of adulthood by refusing to grow up.


What is the earliest depiction of a crane? - Geschichte

First Robots - in Literature

The Steam Man, Hadaly, and Tik-Tok

  1. Edward S. Ellis' The Steam Man of the Prairies (1868)
    A science-fictional dime-novel, first published in Irwin's American Novels # 45 in 1868.
    If the novel's title character can be considered a 'robot', then this short novel was the first portrayal in literature of a 'robot' or nonsentient automaton - called the Steam Man. The 'mechanical' metal man, a steam-boiler used for locomotion to pull a carriage, was made of iron and was approximately 10 feet tall. It was constructed by teenaged Johnny Brainerd, the inventor in the novel.
  2. Auguste de Villiers de l'lsle Adam's L'Eve Futur (1886, Fr.) (aka The Future Eve, or The Eve of the Future)
    A published book - a classic science-fiction tale that popularized the term "android." Allegedly, the French novelist was inspired to write his book after viewing Edison's display of inventions at the International Electrical Exhibition in Paris in 1881. The story was serialized in 1884 and published as a book in 1886.
    It told about a brilliant British alchemist (modeled after Thomas Edison) who offered to create a mechanical, robotic facsimile of his friend Lord Ewald's beloved fiancee - a stage performer and singer named Alicia Clary. The misogynistic alchemist's goal was to create a perfect and natural, electrical, and mechanical variation of Alicia, who would bring Ewald true happiness - without female personality problems or other physical human imperfections that were causing Ewald to contemplate suicide. The android (andreide), Hadaly, was indistinguishable from Alicia. It had a phonographic apparatus to realistically reproduce Alicia's voice, and was supernaturally endowed with the spirit of Sowana, Edison's mystical assistant. The 'robot' or creation was not a real female "but an angel, not a mistress but a lover, more than reality, an ideal."
  3. L. Frank Baum's Ozma of Oz (1907)
    The third book of Baum's Oz Serie. It featured the round-bodied Tik-Tok, made of burnished copper and with jointed arms and legs (with polished caps on them), and requiring its inner springs to be wound in order to function. The card on his back read:

The Mechanical Statue and the Ingenious Servant (1907)

Mechanical Men

(Survival status unknown, although a Vitagraph paper print extract or fragment is reported to exist)

This very early, Vitagraph one-reel (or half-reel) film from director J. Stuart Blackton, was the first American film with 'robot' predecessors - called mechanical men (also known as automatons).

In the slapstick comedic story, a sculptor had hand-built a "mechanical statue" which danced when wound up. It was bought by a customer who took it home. There, a house-servant started it up, but the statue ran away. The "ingenious" servant was able to deceive the master of the house, pretending to be the 'mechanical' robot.

The Fairylogue and Radio-Plays (1908)

Tik-Tok (The Machine Man)

Tik-Tok first appeared in film in The Fairylogue and Radio-Plays (1908), presented in Baum's live travelogue stage presentation (with Tik-Tok - The Machine Man, portrayed by Wallace Illington). The multi-media presentation was a mix of live-action, hand-tinted 'magic lantern' slides, film, and Baum's own narration.


The cast of The Fairylogue and Radio-Plays (1908)
Is Tik-Tok on Baum's left?

[Note: Tik-Tok reappeared much later as the mustached Tik-Tok in Disney's film Return to Oz (1985). See later entry.]

Early 'Robot' Films in the Silent Era

In many cases in these early 'robot' films, the automatons (or automated thinking machines, often functioning as robots or servants) could prove to be dangerous or deadly after running amok, as in Frankenstein (1931).

Early depictions of "mechanical men" included these short films (often comedies and usually one-reel) - sometimes reflecting the encroachment of machinery and the increasing fear of industrialization:

  • An Animated Doll (1908), from Essanay
  • An Extraordinary Duel (1909, Fr.), , from Pathé Frères, about two dueling men (one black, one white) who kept destroying each other, but then were reanimated and rebuilt to continue fighting
  • The Rubber Man (1909), from the Lubin Company, about a mechanical creation that ran amok through a town and village before being short-circuited by being doused in a water trough
  • Dr. Smith's Automaton (1910, Fr.), from Pathé Frères
  • A Mechanical Husband (1910, UK), about a girl who objected to her father's choice of a man and fell in love with an automaton
  • The Automatic Motorist (1911, UK), a comedic fantasy take-off of Georges Melies' A Trip to the Moon (1902), and a mix of live-action and stop-motion animation, in which a mechanical chauffeur drove a newly-wed couple on a honeymoon trip to Saturn
  • The Inventor's Secret (1911), from Biograph (and writer/director Mack Sennett), about a cop (Dan, portrayed by Sennett) who set out to retrieve a missing girl and collect a $500 reward, but mistook an automatic doll for the child
  • The Electric Leg (1912, UK), about the invention of a primitive prosthetic or electric leg for disabled individuals by Professor Bound, but for one amputee, the artificial leg had a mind of its own he lost control of it and it took a man into a girls' dormitory
  • The House of Mystery (1912, Fr.), from Pathé Frères, with a mechanical policeman
  • Sammy's Automaton (1914, Fr.), about Sammy thoughtlessly turning a lifeless mannequin-dummy into an uncontrollable, lascivious automaton
  • The Automatic House (1915), from Empress, about an automatic maid in a "automatic house"
  • The Mechanical Man (1915), from Universal, about a "mechanical man" (Walter Frederick Trevallion, as Phroso)
  • Hoffmanns Erzählungen (aka Tales of Hoffman) (1916, Ger.), was told in three stories/parts about the hero's past loves in the first, the hero young Hoffmann (Kurt Wolowsky) fell in love with a life-sized automaton, a living marionette named Olympia (Alice Scheel-Hechy) he had been duped by Coppelius (Friedrich Kühne) into wearing a pair of magic eyeglasses that made inanimate objects come to life when the deception was revealed, the automaton was torn to pieces
  • Homunculus (1916, Ger.), an expressionistic, six-part serial about diabolical, mad scientist Dr. Hansen's (Adolf Paul) (and his assistant Edgar Rodin's (Friedrich Kühne)) creation of a bitter, soulless, artificial man, the Homunculus (Olaf Fønss), that became tyrannical
  • A Clever Dummy (1917) , from Mack Sennett and Triangle/Keystone, about an inventor named Samuel Tinker (James Donnelly) who created a remote-controlled mechanical robot dummy modeled after the building's janitor (silent film comedian Ben Turpin known for his crossed-eyes) then to further romance, the janitor traded places with the dummy during a vaudeville stage performance to get closer to a woman in the show with whom he was smitten.

The Golem (1920, Ger.) (aka Der Golem)

Golem

Paul Wegener directed three influential adaptations of the Golem legend by Gustav Meyrinck:

  • Der Golem (1914, Ger.) (aka The Monster of Fate)
  • Der Golem Und Die Tanzerin (1917, Ger.) (aka The Golem and the Dancer) - notably the first horror film sequel
  • Der Golem (1920, Ger.) (aka The Golem: or How He Came Into the World), with Karl Freund as cinematographer

The first expressionistic film was based upon Central European myths and influenced later 'Frankenstein' monster films in the early 1930s with themes of a creator losing control of his creation. The Golem, played by Wegener himself, was an ancient clay figure from Hebrew mythology that was brought to life by Rabbi Loew's magic amulet to defend and save the Jews in 16th century Prague from a pogrom threatened by Rudolf II of Habsburg.

The giant man-made, clay creature roamed and lumbered through the Jewish ghetto of medieval Prague to protect it from persecution.

The Master Mystery (1919 or 1920) (aka The Houdini Serial, and Le Maitre du Mystere)

Q, or The Automaton

Director Burton King's and Harry Grossman's independently-produced serial (with 15 episodes, some of which are lost) was made by Studio Pathe in France.

It starred magician and trick escapist artist Harry Houdini as heroic Justice Department/secret service agent Quentin Locke who battled a threatening and criminal international cartel/corporation (the Patent Company).

The serial featured a huge, mechanical, evil robot named Q or The Automaton (Floyd Buckley), the cartel's protective robot-servant. The criminal mastermind had a goofy-looking face and a barrel-shaped pelvis. Houdini exposed the robot as a human in disguise.

This film had one of the earliest (if not the first) on-screen theatrical representation of a traditional robot.

The Mechanical Man (1921, It.) (aka L&rsquoUomo Meccanico)

Mechanical Man

Writer/director Andre Deed's short silent film (only parts of which survive, in a fragmented form - in total, about a third of the original 80 minutes in length) featured a giant, super-powered, 9-10 foot-tall, colossal evil "mechanical" robot, designed to commit robberies and create mayhem.

It was programmed and remotely-controlled by evil villainess adventuress Mado (Valentina Frascaroli) to cause severe damage with its fiery, acetylene blow-torch hands and its massive bulk.

The lumbering robot had headlights for eyes, and had the capability of running at high speed.

The film's finale featured a climactic battle at a masked ball in the Opera House between the first monstrous robot and a second mechanical robot, specifically created (with similar specifications) to destroy the first one.

"Fake" Maria

This future dystopic silent film from director Fritz Lang featured one of the earliest robots (and also female!), a great iconic image. At the time, most robots were either asexual or male. The story was set in the year 2026 in the city of Metropolis.

The luxurious, futuristic, Art Deco city - an industrial world with skyscrapers and bridges, was divided or stratified into an upper, elite, privileged class of powerful industrialists and a subterranean, nameless, oppressed and exploited, ant-like worker/slave class. An elite, privileged ruling technocracy, led by Joh Fredersen (Alfred Abel), was run on the back-breaking labor of underground masses of toiling workers who ran the machines.

The children were cared for by the beautiful heroine Maria (Brigitte Helm), who brought them to a forbidden artificial grotto of the ruling class. There, her beauty overwhelmed Freder (Gustav Frohlich), the son of the ruler of Metropolis, and he fell in love with her. When he went searching for her, he became appalled by the horrors of the working world and the waste of life. After discovering the workers' clandestine meeting led by Maria, Freder's controlling, glacial father conspired with archetypal mad scientist Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) to create an evil, robotic Maria look-alike duplicate (explicitly created to replace a specific human), in order to manipulate his workers and preach riot and rebellion.

The Art Deco-styled female robot (also Brigitte Helm) was constructed and brought to life by Rotwang as a metal android (later inspiring Krieg der Sterne' C-3PO). It was supposed to resemble the dead wife of the city&rsquos ruler. Rotwang had kidnapped the virtuous and compassionate union leader heroine Maria, and created an evil doppelganger of her in his laboratory - in a stunning transformation scene in which he copied Maria's face and body onto the metal surface of the robot.

She was to deceptively become an evil, seductive and sadistic version of Maria. The robot had a fully-armored head, with slits for eyes and mouth, sculpted shoulders, as well as a mechanically-jointed body with armor-like coverings on the legs and feet.

The android was created in order to discredit the real Maria by - among other things, performing lascivious, erotic dances to a frenzied male audience to incite them to riot (as part of the aristocracy's plan to brutally subdue them).

Der Herr Der Welt (1934, Germ.) (aka Master of the World)

Giant Industrial Robot, and Army of Killer Robots

Prolific director Harry Piel's fourth science-fiction film (of a quartet of science fiction films) was a tale about robots created to take the place of human labor, but also posing a potential threat of taking over the world.

Robot inventor, machine manufacturer and scientist Dr. Erich Heller (Walter Janssen) and handsome mining engineer Werner Baumann (Siegfried Schürenberg) discussed a futuristic world where robotic machines would liberate mankind from hard labor or dangerous occupations (such as mining). In his work, Heller was assisted by Professor Wolf (Walter Franck), a demented and crazed colleague who had completed work on a giant robot (equipped with death rays) in Heller's long absence. While confronting Wolf with overstepping his authority, Heller ordered the entire project to be dismantled, and was 'accidentally' killed by the robot under Wolf's control.

Soon after, Wolf's evil plan was to displace mine workers with a vast army of killer robots, thus leaving the laborers unemployed. In fact, the robots were attacking the mine workers who tried to get their jobs back. Baumann had warned Wolf that the workers would revolt if they lost their jobs, although Wolf's evil plan was to crush any revolts with his 'war machines' and achieve world domination ("master of the world").

In a climactic scene in the laboratory, there was a stand-off between Baumann, now in love with Vilma (Sybille Schmitz) - the widow of Dr. Heller and rightful owner of her dead husband's company, and Wolf, who ordered his giant robot to attack Baumann. Wolf was assaulted and killed by his own machine when he was caught in the cross-fire of death rays (looking like static electricity bolts). The lab and the robot were destroyed in an explosion.

Flash Gordon (1936) (aka Space Soldiers)

Ming's Army/Guards (possibly non-robotic!)

In this popular 13-part serial, blonde polo player Flash Gordon (Larry 'Buster' Crabbe) and Dale Arden (Jean Rogers) joined up with Dr. Zarkov (Frank Shannon) on his home-made rocketship and went to the planet Mongo. There, they confronted the evil ruling emperor, Ming the Merciless (Charles Middleton), with pretty daughter Princess Aura (Priscilla Lawson).

At the time, the planet Mongo was on a collision course with Earth. Zarkov was able to persuade Ming to stop Mongo's destructive path, although the tyrannical Ming then decided to take over Earth himself - and abduct Dale for himself.

In the first chapter, Flash, Dale, and Zarkov were taken prisoner by Officer Torch and two helmeted, mechanized robotic guards, known as "Annihilants". Ming's deadly army was composed of these mechanical robotic soldiers with scientifically-advanced rifles. When they went outside, the guards appeared to be wearing some kind of undergarment under their armored suits.

[Note: Some regarded the army's soldiers as non-robotic, as per the comic strip which portrayed the guards as human when they took off their helmets.]

Undersea Kingdom (1936)

Volkites

This early action-packed Republic Pictures serial (with twelve episodes or chapters) was produced in haste to compete with Universal's Flash Gordon (1936) serials. It starred naval action hero Lt. Ray "Crash" Corrigan (Ray Corrigan) and featured the lost city of Atlantis at the bottom of the sea.

Trash can-like robot soldiers with zap rays guns (Atomguns) called Volkites were commanded by warlord Unga Khan (Monte Blue), the evil tyrannical ruler of the Black Robes and remote-controlled by his equally-evil henchman Captain Hakur (Lon Chaney, Jr.). The Volkites were used to attack the sacred city of Atlantis.

The Phantom Creeps (1939)

"Iron Man"

Universal's 12-part serial titled The Phantom Creeps, was advertised as having: 12 Spine-Shivering Action Chapters. This was the last serial for Bela Lugosi who starred as mad scientist Dr. Alex Zorka intent on taking over the world.

He invented a fearsome, slow-moving 8-foot golem-like iron monster or robot that he referred to as "his iron man" (played by 7'4" tall stuntman Ed Wolff), featuring a sculpted round human-like head.

The super-strong robot was remote-controlled, designed to "crush all opposition and make me the most powerful man in the world" - according to Dr. Zorka.

The Tin Man (aka The Tin Woodman)

In this beloved musical fantasy film, the Tin Man (Jack Haley) (aka The Tin Woodman in L. Frank Baum's original book) was one of the fanciful characters in the Wonderful Land of Oz. In fact in the novel, however, the Tin Woodman was originally born human as Nick Chopper, but because of many accidents with his own axe, he was forced to replace all of his body parts and limbs with tin - becoming a cyborg!

He was a silver-faced, funnel-capped robot who joined Dorothy (Judy Garland) on her journey to Oz' Wizard in the Emerald City to request a heart to fill his hollow chest ("The tinsmith forgot to give me a heart" and "If I only had a heart. "). He was first found rusted immobile from moisture and needed to be oiled to begin moving again.


Schau das Video: Der Tanz des Kranichs Doku. Reportage für Kinder. Anna und die wilden Tiere (Juli 2022).


Bemerkungen:

  1. Einhard

    Du liegst falsch. Lass uns diskutieren. Schreiben Sie mir in PM, wir werden reden.

  2. Roger

    Es tut mir leid, aber ich glaube, du liegst falsch. Lassen Sie uns darüber diskutieren. Maile mir eine PM, wir reden.

  3. Zulule

    Eine sehr lustige Antwort

  4. Yakov

    Nein, nichts davon ist wahr. Ich spreche nicht über das Gespräch, ich spreche endlich darüber. Alle Argumente sind Gamno.

  5. Gabbar

    Sie können also alles verderben

  6. Zunos

    Eine gute Antwort

  7. Arashirg

    Ich glaube, Sie haben sich geirrt. Lassen Sie uns versuchen, dies zu besprechen. Schreiben Sie mir in PM.

  8. Advent

    Außergewöhnliches Denken))))

  9. Lazaro

    Zum kalten Hof. frohe weihnachten für dich! hochgeschätzt und möge das neue Jahr erfolgreich und glücklich werden!



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